minority RADIO [mR] :: Emisión intemitente

[hattusil]

Con unas navidades punkies sintonizo... (o pinchonizo, o como sea).

[el_salmonete]

A mí no me pinchen nada, oigan.

Spoiler: mostrar

Repetimos:

Las mejores canciones de menos de 4 minutos de Led Zeppelin para empezar el programa de esta tarde.

Que la tengan buena.



DXC radio :: Escuchar

Cada vez me recuerdas más a Solpolito.
Con cariño y eso.

Me lo explique con dulzura.

[Wagnerian]

Para los cinéfilos que aprecian al Conde Basilio:

A comienzos de 1939, Count Basie estuvo en Chicago, tras cambiar de compañía discográfica (de Decca a Columbia Records), y luego se marchó a la West Coast.

A comienzos de los cuarenta realizó extensas giras por el país, que duraron hasta la entrada de Estados Unidos en la Segunda guerra mundial en diciembre de 1941, a partir de la cual los movimientos se redujeron.

Durante su estancia en la costa oeste participó con su orquesta en cinco películas, todas ellas realizadas en 1943: Hit Parade of 1943, Reveille with Beverly, Stage Door Canteen, Top Man y Crazy House.

Y sobre los Zeppelin, en la Wikipedia hay un muy buen artículo, en intenso castellano, que moralmente me impido pegar aquí debido a su tamaño. No creáis nunca que lo sabéis todo:

http://es.wikipedia.org/wiki/Led_Zeppelin

De esto no cito fuentes:

El componente de los Led Zeppelin, John "Bonzo" Bonham, pescó un tiburón en Miami y se lo comió crudo.

Es conocido el cambio de voz que sufrió Robert Plant en 1973, aunque nadie conoce la verdadera causa, hay muchas especulaciones:

-Plant tenía una muy mala dentadura, al hacérsela corregir, su voz se puede haber modificado.

-El consumo de cocaína puede generar cierta deformación en la vías respiratorias, la corrección de este mal produce una voz más nasal.

-Plant acostumbraba forzar su voz mucho y muy seguido, llegando a lastimar sus cuerdas vocales, lo que produciera unos nódulos en su garganta y en efecto se los extirpa en 1974, por lo que también éste podría haberle influenciado el cambio de voz.

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Querido Crumb...

Heroes Of The Blues Trading Cards (Crumb).cbr

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Listado en ristre, no pueden faltar el Milkcow Blues de los Nomads. Vale, sé que lo sabes...

[el_salmonete]

Los de la radio te van a contratar de apuntador. Gracias, Wagnerian.

[quote]Milk Cow Blues

Lyrics: Kokomo Arnold
Music: Kokomo Arnold

Played a few times by Bob Weir with Bobby & The Midnites in 1982. I don't have a tape: the lyrics below are from the Elvis Presley version.

Well, I woke up this morning
And I looked out the door
I can tell that that old milk cow
I can tell the way she lowed

Well, if you've seen my milk cow
Please ride her on home
I ain't had no milk or butter
Since that cow's been gone

Well, I tried to treat you right
Day by day
Get out your little prayer book
Get down on your knees and pray
For you're gonna need
You're gonna need your loving daddy's help someday
Well, then you're gonna be sorry
For treating me this way

Well, believe me, don't that sun look good going down?
Well, believe me, don't that sun look good going down?
Well, don't that old moon look lonesome
When your baby's not around

Well, I tried everything to get along with you
I'm gonna tell you what I'm going do
I'm gonna quit my crying, I'm gonna leave you alone
If you don't believe I'm leaving You can count the days I'm gone

Roots
Originally recorded as Milk Cow Blues Boogie in the 1930s by Kokomo Arnold, and adapted by Robert Johnson as Milk Cow Calfs Blues. Elvis's version was recorded as a single in January 1955 as part of The Sun Sessions. It has also been recorded by Bob Wills, Eddie Cochran and numerous others.

Sleepy John Estes also recorded a song titled "Milk Cow Blues", but this appears to be a completely different song.[/quote]

[ciruja]

Cada vez me recuerdas más a Solpolito.
Con cariño y eso.

Me lo explique con dulzura.

Era por un post de ayer de Wagnerian del cual no entendía ni torta. Lo curioso es que hoy se entiende a la perfección. Ahora veo que el perjudicado era yo.
Anda, alégrame el día Mississppi.

[el_salmonete]

Presentando este disco, que a mí no me acaba de convencer. Le hacen falta escuchas. Juzguen ustedes, y recuerden no ser muy severos.

Por cierto: ¿hacen falta presentaciones?

www.richardthompson-music.com

El mundo ácido de Richard Thompson

FERNANDO NEIRA 22/04/2006

Imposible sospecharlo. Ni esa sonrisa jovial, ni su frenético ritmo de trabajo, ni el pulso firme e inconfundible de la guitarra eléctrica permiten imaginar que nos encontramos ante un artista de casi 57 primaveras, cuatro décadas de fecunda actividad y credenciales más que suficientes para ser considerado uno de los mayores referentes vivos en la historia del folk-rock. Richard Thompson (Londres, 1949) ha grabado tres docenas largas de discos en solitario, con su ex mujer -Richard & Linda Thompson- o en los años épicos de Fairport Convention, pero es precisamente ahora, cerca ya de la condición de sexagenario, cuando da muestras de una creatividad más efervescente. Su nueva demostración de sabiduría musical, el austero pero muy intenso Front parlour ballads (Cooking Vinyl/Discmedi), coincide en el tiempo con la publicación de su concierto para el programa Austin City Limits de la televisión estadounidense (New West/Dock) y con una apabullante caja retrospectiva de cinco discos, RT: The life and music of Richard Thompson, aún pendiente de distribución española.

Típico disco que ninguna multinacional habría sabido colocar en el mercado", proclama Thompson desde su residencia londinense. "Ahora me siento más libre de lo que nunca he sido en estos 40 años. Es asombroso: la combinación de una discográfica pequeña y de Internet me están permitiendo llegar a más oyentes de los que he conocido en toda mi carrera". Se refiere así a su apuesta de editar trabajos paralelos que sólo se pueden encontrar en su web (como 1,000 years of popular music, sus insólitas versiones de "las mejores canciones del milenio") y de confiar su catálogo a un sello independiente. "En los tiempos de Fairport Convention nos llevó 15 años ver el primer penique de Island, y eso que eran amigos", rememora. Ahora, qué cosas, el material descatalogado o difícil de localizar de los Fairport figura entre los títulos más demandados en los portales de descargas legales. Para regocijo de Thompson: "En estos tiempos en que disponemos de la tecnología idónea, ¿por qué no aprovecharnos de ella?".

En las 13 canciones de Front parlour ballads hay voz, guitarras casi siempre acústicas, mandolinas, alguna percusión ocasional... y poco más. Se trata del disco más íntimo y solitario de su autor desde Strict tempo! (1981), justo un año antes de aquel Shoot out the lights, aún con Linda Thompson, que la revista Rolling Stone seleccionó entre los 10 mejores títulos de la década. "Este año caí de pronto en la cuenta de que tenía un puñado de canciones reflexivas y meditabundas, que precisaban un tratamiento más bien acústico. Acababa de instalar mi estudio casero, así que consideré llegado el momento de probar qué tal funcionaba...".

Quienes deseen escuchar los vibrantes solos de guitarra de Thompson -al que todas las encuestas siempre destacan entre los 50 mejores instrumentistas en la historia del rock- deberán, por tanto, esperar a una mejor ocasión. "Un solo debe prolongar la emoción de una canción, nunca partirla por la mitad. Con estas piezas tan calladas e introspectivas no parecía el recurso más propicio. Creo que los sentimientos que mejor puedo expresar con mis solos son los de frenesí y desesperación", argumenta.

En cambio, la calidez melódica y la intensidad poética despuntan en estas Baladas del salón principal como en las mejores ocasiones.

Títulos como A solitary life ("A veces anhelo la vida solitaria / sin padres, niños ni esposa / con la hermana en algún lugar de Australia / y en el sexo, no más de hola-qué-tal") o When we were boys at school constituyen maravillosos ejemplos de su fascinación por los personajes marginales, hostiles o ermitaños. "Como artista, me interesa en particular la gente que vive en el filo de la sociedad", corrobora, "porque su visión del mundo es la más lúcida. El mejor reflejo del hombre, o el más crudo, se encuentra en las situaciones desesperadas. Ese muchacho cruel y dañino que protagoniza When we were... es un chaval con el que coincidí en la escuela, cuando teníamos 11 o 12 años. Siempre me inquietó su mente oscura y a menudo me pregunto qué habrá sido de él".

bres atormentados, el animoso tema que abre el disco, Let it blow, proclama: "Los pequeños traumas de la vida me recuerdan la felicidad de estar aún vivo". "Eh, nadie ha dicho que esa canción sea sobre mí", refuta su compositor entre risas. "Pero yo también sufro pequeños y medianos traumas, como cualquiera. Lo que más me irrita en el mundo, ahora mismo, son los políticos. Ellos se las han bastado para convertir este planeta en un lugar cada vez más insano".

Está claro, 38 años después del primer disco de Fairport Convention, su ácido guitarrista fundador sigue con muchas ganas de guerra.

[ciruja]

Pase lo del Porrina de Badajoz, pase también lo de Magma... pero las jotas no, por favor.

[el_salmonete]

Ayer me quedé dormido con la emisora puesta y sin canciones, ¿no tuvieron suficiente con Cortázar, Led Zeppelin, Borges, Porrina de Badajoz, Magma, Pink Fairies, Saxon y una jota? Guarden fuerzas para la emisión de esta noche, que empezará a eso de las once.

Es la primera vez que me paso por la emisora. La verdad es que no suelo escuchar muchas música.
Un primo me recomendó un grupo punk inglés de los 70 y desde entonces lo he recomendado a varias personas y a todas les ha parecido encantado. Si queréis probar os recomiendo Pink Flag su primer disco, ellos son WIre.
Saludos.

Recordaremos la recomendación de cat. Que ya tengo el disco en casa y escuchado.

Hasta entonces, camaradas

[SolPolito]

Alguien pudiera poner los dibujos del crumb, nuevamente.
Por otro lado estaremos atentos a los receptores, estas fechas bien merecen una zambonbá

[el_salmonete]

[quote]Mantener una trayectoria interesante durante más de 20 años no es algo de lo que muchos puedan presumir. Wire se dieron a conocer en el Londres de finales de los 70, con el compromiso de separarse cuando las ideas no fluyeran con naturalidad. Desde entonces, han aparecido y desaparecido según el dictado de sus inquietudes, siempre con la intención de aportar novedades a la escena a través de una visión de la música siempre muy personal.

La escuela de arte Watford College fue el punto de encuentro de Colin Newman, George Gill, Bruce Gilbert, Graham Lewis y Robert Gray. En 1976 forman un grupo llamado Overload, que tras prescindir de Gill queda configurado como cuarteto bajo el nombre de Wire. Los londinenses debutan con ‘Pink flag’ (1977), un álbum fácilmente clasificable bajo la etiqueta punk que sin embargo muestra un nivel de expresionismo poco común en el grueso del movimiento. Lo suyo tiene una vocación más arty, así como un enfoque cerebral que deja pocas cosas al azar. ‘Chairs missing’ (1978) supone una importante evolución en el sonido de la banda, donde los sintetizadores empiezan a perfilar las texturas oscuras características del post-punk. Esta progresión cobra verdadera forma con ‘154’ (1979), un disco muy alejado de su primera entrega con mayor proyección melódica. En 1980, tras un concierto en el Electric Ballroom de Londres –recogido en el álbum ‘Document and eyewitness’ (1981)-, el cuarteto decide separarse hasta nueva orden. Wire regresan en 1986 con el EP ‘Drill’ antes de publicar ‘The ideal copy’ (1987), un trabajo que integra los patrones de composición sintética y las melodías preciosistas. No obstante, esta nueva configuración del grupo se afianza con ‘A bell is a cup... until it is struck’ (1988), su disco más cohesionado que describe un sonido cercano al dream-pop de Cocteau Twins. El pseudo-directo ‘Beginning to & back again’ (1989) –los temas grabados en vivo son después deconstruidos en el estudio- marca el inicio de su interés por la electrónica en estado puro y ‘Manscape’ (1990) se cimenta sobre ritmos programados y otros recursos digitales. La presencia de la batería es cada vez menos necesaria, por lo que Robert Gray decide abandonar la banda.

El ahora trío recorta la ‘e’ de su nombre y como Wir, edita ‘The first letter’ (1991) antes de volver a separarse por un tiempo. En 1995, Justine Frischmann y sus Elastica hacen de ‘Three girl rhumba’ –tema incluído en ‘Pink flag’ (1977)’- su hit ‘Connection’, cosa que provoca un enfrentamiento entre compañías discográficas. Por otro lado, el auge del brit-pop pone de manifiesto la influencia de Wire, al ser citados como referente por muchas de las nuevas formaciones británicas. La banda vuelve a la actividad en 1999, para ofrecer sendos tours por el Reino Unido y América en los que básicamente interpretan canciones antiguas. En 2002 graban los EPs ‘Read & Burn’, dos unidades de rock experimental, ruidoso y afilado que recuerdan la fiereza de sus primeros temas. Un año después aparece ‘Sent’, una selección de ambos trabajos que añade cuatro cortes de nuevo cuño.[/quote]


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[SUBLIMOTRUST]

Sintonizando. Por cierto no sabía nada de lo de Elastica, a ver si llego a tiempo de oír el original (tendría que buscar y estoy vago).

Ahora suena Manequin!!!

[el_salmonete]

Pues la pongo otra vez, faltaría plus. El riff de guitarra es el mismo; no sé cómo están los créditos en el disco de Elastica, pero si no reconocen a Wire, es plagio.

[SUBLIMOTRUST]

Despues de escucharla (gracias por reponerla), veo que hay cierto paralelismo, pero lo de plagio lo veo demasiado alejado de la realidad. En cualquir caso ambos son temas interesantes.

[el_salmonete]

Hace unas semanas un amigo me recomendó un disco de unos tales Mofro. Sucede que ese amigo tiene muy buen gusto y, además, escucha prácticamente lo mismo que yo, de manera que... me hice con el disco Blackwater y aquí estoy disfrutándolo antes de salir a currar.

Dejo la emisora puesta para los curiosos, pero aviso que no estaré de cuerpo presente hasta eso de las diez y media de la noche, sin ánimo de madrugar al día siguiente.

Que ustedes disfruten.

Biography by Linda Seida

Although Mofro is based in the Florida city of Jacksonville, near where JJ Grey and Daryl Hance grew up, the band actually formed across the Atlantic in London. The Floridians were in Great Britain to work on a recording contract that ended up going sour. While in London, the two musicians made the acquaintance of Nathan Shepherd, a keyboard player from Down Under, and Fabrice Quentin, a bassist who hails from France. Shepherd and Quentin joined them for a short time under the Mofro moniker. Unfortunately, the band's situation took an almost deadly turn following a show in Jacksonville that was supposed to be the start of a U.S. tour. Following an evening at the city's Marquee Theatre, band members were involved in an auto accident. Grey's wife sustained serious injuries, while Shepherd needed a period of rehabilitation and he returned to Australia. The band's later lineup included founding members Grey, Hance, and Quentin, plus keyboard player Mike Shapiro and drummer Craig Barnette. Many of the band's songs revolve around environmental issues facing Florida's wildlife and ecology.

www.fogworld.com/mofro

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[ciruja]

Sintonizo. ¡Vaya amigos más pedantes que te gastas!

[hattusil]

Elogio de la variedad: de Baldur's Gate II (¡¡¡!!!) a Camarón, pasando por las noches de blanco satén y de los Maiden.

Vive la diference (o como sea aquello que quisiera decir y no supiera).

Saludos.

[el_salmonete]

John Mayall, nacido en 1933 en Macclesfield, un pueblo cercano a Manchester, fue desde joven aficionado al blues afroamericano. Durante la década de los cincuenta y fundamentalmente en Londres, aparecieron grupúsculos de otros aficionados al blues que se daban cita en la capital para amotinarse y, principalmente dado la edad, divertirse. Algunos, como por ejemplo Mayall, tomaron esa afición por los sonidos afroamericanos como una cruzada para el reconocimiento y dignificación de los autores de esa música, en su totalidad sin derechos fundamentales reconocidos. Con su traslado a Londres, Mayall empezó su carrera profesional colaborando con otras bandas, pero pronto organizando la suya propia que, con el tiempo, pasaría a ser referencia obligada para todos los aficionados al blues-rock: the Bluesbreakers. Por John Mayall & the Bluesbreakers han pasado buena parte de los mejores músicos que Gran Bretaña ha aportado al género; los guitarristas Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor, en sucesión durante la década de los sesenta, formaron parte de la banda de blues de John Mayall, aportando su impronta rockera antes de abandonar al maestro para tocar con Cream, Fleetwood Mac y los Rolling Stones respectivamente. Entre otros.

Esta mañana de viernes le rendimos homenaje desde DXC radio sin motivo aparente, o más que aparente según yo lo veo.

Un saludo de buenos días.

www.allmusic.com
www.johnmayall.com

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[/center]

[ciruja]

Sintonizo. Si el dj anda por ahí le lanzo un ruego: play it loud!! (me aburro)

[el_salmonete]

LOS FLEETWOOD MAC DE PETER GREEN (1966-1970)

En 1966, The Bluesbreakers eran la verdadera sensación dentro del naciente british blues, gracias especialmente al tremendo “Bluesbreakers: John Mayall & Eric Clapton”, disco histórico donde los haya, padre de muchas cosas, entre otras de la proliferación de multitud de bandas que extendieron y propagaron el blues por toda Europa, haciendo que los grandes bluesmen americanos adquirieran la importancia histórica y el reconocimiento que se merecían. Evidentemente, estaba claro que la cosa no podía durar mucho en el colectivo Bluesbreakers, el choque de personalidades se hizo patente, y Clapton abandonó el grupo tras la publicación del disco. El padrino Mayall tardó poco en buscar un sustituto adecuado para la banda, y el elegido fue Peter Green. Green grabó un excelente disco con los Bluesbreakers, “A Hard Road”, en 1967,A Hard Road (1967) con Mayall, Green, John McVie al bajo y el portentoso batería Ansley Dumbar como formación. Peter no solo muestra sus habilidades como guitarrista, sino que se atreve a proponer su granito de arena (montaña de arena, diría yo). Su guitarra ya lleva el sello tan característico que nunca abandonaría, pero lo más importante es que Peter compone “The same way” y sobre todo “The supernatural”, antecedente directo del sonido Fleetwood Mac, del “Black Magic Woman” y de tantas otras.

Cuenta la leyenda que Mayall dejó la banda durante unas pequeñas vacaciones, pero dio permiso a Green, McVie y Dumbar para entrar en el estudio de grabación. El resultado fue un ep, cuatro canciones que, como curiosidad, son las únicas que se han grabado en toda la extensa historia de los Bluesbreakers en las que no participa John Mayall.

Los cuatro cortes grabados son “Out of reach”, “Greeny”, “Curly” y “Missing You”, cuatro composiciones del mismísimo Peter Green y que figuran entre lo más grande de la historia del british blues, Concretamente “Greeny”, de ilustrativo nombre, es un instrumental que lleva condensada toda la magia y toda la sutileza de Green como guitarrista. Fue una enorme carta de presentación que quedó para la posteridad. Este material se publicó en el discoPeter Green “Trhu the years” de John Mayall & The Bluesbreakers en 1971, un cajón de sastre de inéditos altamente recomendable. Pues bien, Mayall irrumpió en su casa, su banda, de una patada en la puerta y puso a Peter Green en la puta calle (McVie, al poco tiempo decidió acompañarle, cansado del autoritario padrino). Antes de irse, Green y McVie cumplen un compromiso, acompañar en unas extraordinarias sesiones al legendario pianista de blues Eddie Boyd, conociendo allí al productor Mike Vernon, pieza clave en la historia de Fleetwood Mac. El batería de las sesiones fue un tal Mick Fleetwood. Despechados por Mayall y guiados por Vernon, Green y McVie (ante las dudas de McVie de dejar o no a Mayall, casi ocupa el puesto de bajista Bob Bruning, que incluso llegó a tocar en el primer disco) proponen a Fleetwood crear una banda de blues, siendo este el núcleo del que nació Fleetwood Mac.

FLEETWOOD MAC

A algún iluminado se le ocurrió utilizar el apellido del batería para dar nombre al grupo, signo claramente premonitorio de lo que pasaría en el futuro y en lo que se convertiría la banda....

Peter Green estaba convencido que la formación perfecta para hacer blues era un cuarteto con un segundo guitarra, por lo que Mick Vernon les presentó a Jeremy Spencer, un autentico fanático del rey de la slide guitar de Chicago, el gran Elmore James. Con Spencer ya estaba el equipo completo, así que bajo la fantástica producción de Vernon, Fleetwood Mac publicó su primer trabajo, titulado precisamente “Fleetwood Mac”.

*

“Fleetwood Mac” (1968) - Desde el principio quedan claras las dos líneas por las que se mueve la banda: el pensamiento obsesivo, fanático, casi enfermizo de Jeremy Spencer hacia Elmore James, con dos versiones, “My heart beat like a hammer” y “Shake your moneymaker”, y dos temas propios que son, como diría yo, más Elmore que las propias versiones. Son temas humeantes, cargados de electricidad, con guitarrasFleetwood Mac (1968) punzantes y una forma de cantar de Spencer ajustadísima al papel. La otra vía es la de Peter Green, mucho más compleja, con influencias más variopintas. Si bien es difícil definir el sonido tan original que impone Green a sus composiciones, está claro que hay mucho Muddy Waters, mucho Little Walter (Peter además es un grandísimo armonicista, aquí lo demuestra en algún tema), John Lee Hooker (ahí está esa pedazo de composición “The world keep on turning”, escalofriante) pero sobre todo, su gran influencia, su maestro es sin duda Howlin´Wolf. Además de la versión de “No place to go”, (brutal Peter a la armónica y aullando "How many more years"????....), compone “I love another woman”, precursora de “Black Magic Woman” y cuyo antecedente directo es elJeremy Spencer maravilloso “Who’s been talking” de Howlin’ Wolf (no perderse la versión de las London Sessions de Wolf con un órgano impagable de Steve Winwood). Pero volvamos a “I love another woman”. Este es el sonido definitivo de la guitarra de Peter Green, aquí se define perfectamente lo que andaba buscando en “The supernatural” y “Greeny”. Esa sencillez, esos ritmos latinos, ese sutil redoble sobre las baquetas....los punteos de Peter parecen salidos de una tumba, la producción de Vernon en este disco es un hito en la historia del blues...y esa sencilla voz de Peter Green......Es un trabajo redondo.

Hay más maravillas de Peter en este disco, como la brutal “Looking for somebody”, otro tema de sonido característico, con una juguetona armónica sobre una simple base rítmica, que te deja helado.......”Marry go round” (ese yeaaaaaahhhhh de Jeremy del principio), blues según los patrones de Albert King o el R’&’B de “Long grey mare”.

Para completar el disco, otras dos versiones, “Got to move” de Homestick James Williamson y la tradicional “Hellround on my trail”, bellísima canción de navidad, ambas para lucimiento de Jeremy Spencer, piano incluido.
En definitiva, no hay que ser muy avispado para definir este disco como uno de los más importantes en la evolución del blues......Para mi siempre ha tenido y tendrá un 10.
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“Mr. Wonderful” (1968) - No habría que esperar mucho para el segundo disco.. Es evidente que aquí tomo el poder de forma absoluta Jeremy Spencer, poco hay del sonido característico de Peter Green, que se unió a la Mr. Wonderful (1968)fiesta y entre todos realizaron un vigoroso ejemplo de blues de Chicago, muuuuucho Elmore James otra vez, “Dust my broom”, “Coming Home” o los temas firmados por el propio Spencer. Pero la gran pieza de este disco, el momento culmen, es el blues “If you be my baby”, una obra maestra, inolvidable y emotiva. Aquí hay también clásicos de Peter que formarán siempre parte de su repertorio, grandes piezas como “Stop Messin’ round” y “Love that burns”, temas de mucha categoría, pero le falta el puntillo de genialidad del primer disco, son temas más previsibles.....Pero bueno, de acuerdo, Mr Wonderful es todo un clásico.....imprescindible en cualquier discoteca blusera que se precie.
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“Pious Bird of Good Omen” (1969) - La discografía oficial de Fleetwood Mac en estos años empieza a ser un poco confusa. Dada la incompleta experiencia de Mr Wonderful para Peter Green , le resulta reacio sacar un nuevo disco, por lo que prefiere embarcarse en algunas giras, dejando huella en conciertos memorables que más tarde recordaremos. Eso no impide que vayan entrando en los estudios y que, de forma un tanto deslabazada, vayan apareciendo diversos singles y eps; a saber, el instrumental “Albatross” que llegó a ser nº1, un relajante, sensual y playero ritmo para oir antes de la siesta, con el brutal “Jigsaw puzzle blues” en la cara B, composición del nuevo miembro de la banda, Danny Kirwan. Quizá Peter pensó que un tercer guitarrista abundaría en la brutalidad de los directos.....lo que no sabía es el pequeño genio que habían fichado.... (descubierto por Mick Vernon en un pequeño pub inglés, es uno de los grandes talentos de la década, heredero directo del mismísimo Peter Green).

También apareció el single “Black magic Woman”, quizá el tema más famoso de Peter, otro superventas, una vuelta de tuerca sobre “I need another woman” que Santana llevaría a lo alto de las listas en una portentosa versión. Aún así , la versión de los Fleetwood es memorable, mágica, sugerente....

Por último, también salió como single el fenomenal “Man of the world” por lo que Mick Vernonhabía mucho material suelto que había que aglutinar. Para ello, Vernon decidió publicar el recopilatorio, “Pious Bird of Good Omen”, ya digo, un cajón de sastre que incluye todos estos temas, más piezas de las viejas sesiones con Eddie Boyd, “The big boat” y “Just the blues”, otra versión de Elmore James, la omnipresente “The sun is shinning”, la maravillosa “Need your love so bad”, otro de los puntos álgido en el repertorio del grupo y algunos temas de los dos primeros discos. En USA se editó el lp “English rose”, con los temas inéditos aquí presentes y con alguno más, disco que nunca se llegó a publicar por aquí.....
*

“Then Play On” (1970) - Bueno, pues llegados a este punto.....¿que es lo que pasó, que pudo ocurrir en las mentes de estos tipos para parir este disco? De pronto, Jeremy Spencer desaparece completamente del mapa, si bien oficialmente seguía siendo miembro. Adiós al espíritu Elmore James, las composiciones son cada vez más complejas. Creo que el ácido y demás drogas tuvo mucho que ver en la composición de este disco. Ya no produce Vernon, sino el propio Peter Green (oficialmente el disco está producido por Fleetwood Mac). El nuevo, Danny Kirwan, se destapa como un pequeño genio, con composiciones tremendamente imaginativas, serenas, sofisticadas.....”My dream”, “When you say” y “One sunny day” son verdaderas joyas a descubrir, un paso adelante para los que busquen definir Then Play On (1970)la armonía en el rock....
Por su parte Peter derrocha inspiración y clase con autenticas joyas como “Before the Beginning”, posiblemente mi pieza favorita de toda la historia de los Fleetwood Mac, la continuación lógica de “Black Magic Woman”, un tema que es capaz de serenar cualquier espíritu...La guitarra de Peter suena llena de matices, cambiando de registro continuamente, navegando entre percusiones..... una vez más ese sonido de ultratumba, esa voz sobrecogedora.....Una jodida maravilla, vamos (aquí el rock ácido californiano también tuvo mucha influencia, especialmente el “Forever Changes” de Love, y es que Arthur Lee está en espíritu en este disco.....).Danny Kirwan No le van a la zaga otras dos composiciones de Peter, “Underway”, un instrumental donde alardea de guitarra sin concesiones, y “Closing my eyes”, donde toca recogimiento y contención......mucha paz interior tenía que sentir nuestro amigo en esta época para componer cosas así (en esta canción hay uno de lo solos de guitarra más emotivos que he escuchado nunca, una acústica que va sonando cada vez más fuerte, las notas son verdaderas cuchilladas....).

Bueno, aquí también están “Rattlesnake Shake”, la única concesión rock sin paliativos de todo el disco y “Oh Well”, una compleja composición de nueve minutos con increíbles pasajes llenos de magia, imprescindible de cabo a rabo y que en los directos desarrollaría con especial complejidad. Dejo para el final otra pequeña maravilla de Danny Kirwan (¿qué ha sido de este tipo?) “Although the sun is shunning”, una pieza de dos minutos de una Fleetwood Mac en directo (Orebro, Suecia. 06/11/1969)belleza fuera de lo común, irrepetible, con un juego de voces perfecto a lo Bruce/Clapton/Baker en Cream.

Completan el disco un par de temas de relleno, compuestos por McVie y Fleetwood, bastante vulgares ambos. En definitiva, estamos ante un punto y aparte en la historia del rock-blues británico y de Fleetwood Mac. Es un trabajo que comienza y termina en si mismo, no hay antecedentes y no se ocurren demasiados grupos ni discos que reivindiquen lo que encierra “Then Play On”, un gran desconocido (un caso parecido al citado “Forever Changes”). Por distintos motivos, pero yo sin dudarlo, al igual que al primer disco, le endiño otro 10.

Y......se acabó?

Bueno, pues en realidad, aunque existen cientos de recopilaciones, piratas, conciertos, etc. La discografía oficial de Fleetwood Mac (con Peter Green) en cuanto a discos de estudio se refiere acaba aquí......La historia dice que a Green y a Jeremy Spencer se les fue definitivamente la olla, siendo carne de psiquiátrico durante muchos años....Acabaron, cada uno por su lado en comunas hippies,Peter Green arruinados, sobrepasados por las drogas y absolutamente abandonados por sus compañeros. Antes, a Peter le dio tiempo a publicar un último single, “The Green Manalishi”, basado en sus “viajes” y en sus experiencias con la industria. Pero tardó poco en abandonar la banda aduciendo problemas de salud y que se quería dedicar a publicar la palabra de dios (¿?).

El carácter pesetero y mercantil de John McVie y Mick Fleetwood hace que insistan en tirar del grupo con la inestimable ayuda de Christine Perfect, esposa de McVie, cantante y teclista, que desde este momento de apoderaría por siempre de la marca Fleetwood Mac. Spencer aguantó un disco, “Kilmn House”, pero su aportación es nula y de inmediato dimite también (parece ser que les dejó plantados en una gira y se metió en una secta...que acabó con él para siempre). El futuro de lo Fleetwood Mac es de sobra conocido, mega-grupo-estrella de los setenta, superventas, instalados en California, tomando el sol con la Jet Set y mejorando la “cara” con la presencia de la gran Stevie Nicks (una musa para servidor, por cierto). No voy a ser yo el que critique a los Mac en esta etapa, pero ya es otro grupo completamente distinto.....(incluso los trápalas se permiten invitar al mismísimo Peter a colaborar en algún disco!!!! ¡¡Como músico invitado!! El padre de la criatura!!! Porca vida...)

La carrera en solitario de Green es bastante oscura, revitalizada últimamente, pero ese es otro cantar.

DISCOS COMPLEMENTARIOS

Para completar la discografía oficial de Fleetwood Mac me gustaría citar dos publicaciones (ya digo, multitud de directos, recopilaciones, inéditos....casi siempre recomendables, aunque ojo con el material repetido)

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El doble álbum “Blues Jam in Chess” (1969) es un proyecto de Mike Vernon en el que Fleetwood Mac acompañan y son acompañados por “viejas” glorias del blues, Otis Spann, Willie Dixon, Walter Horton y S.T. Brown (joder! Qué nombres!!!). El resultado os lo podéis imaginar, no tiene desperdicio, la grandeza del blues está definida en este doble disco (por cierto, en la segunda cara del primer disco enganchan consecutivamente cuatro piezas de Elmore James, “I’m Worried”, “I Held my baby last night”, “Madison Blues” y “I can´t hold out”....¡¡¡¡brutal mannnn!!!. Además son piezas que bordarían en los directos, una autentica pasada, como se demuestra en......
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- “Fleetwood Mac live in Boston” - Triple cd publicado en 1998, remasterizado por Nick Watson (compañero inseparable hoy en día y el culpable de la vuelta a los escenarios de Peter Green), recoge las actuaciones del 5, 6 y 7 de febrero de 1970 en Boston y se me antoja absolutamente imprescindible para cualquier buen aficionado al blues. La decisión de dejarLive In Boston, Part 1 (1979) Fleetwood Mac por parte de Peter Green ya estaba tomada, pero aun así los conciertos son de una calidad que abruma. Es interesantísimo escuchar las revisiones que se hacen de un montón de temas que forman parte del repertorio en directo pero no de su discografía oficial, cosas como el “Stranger Blues” o el “Red Hot Mama” de Elmore James (hasta 8 versiones de Elmore se presentan en este disco....no se me ocurre un caso tan flagrante de admiración por un músico que el Jeremy Spencer por el gran Elmore) o superclásicos como “Jenny Jenny” de Little Richard o “Great Balls of fire” del Killer. Los momentos cumbres son “Jumping at shadows”, sobrecogedoras las dos tomas, los 10 interminables minutos del “If you let me love you” de BB King, los más de 20 minutos delPeter Green tremendo “Rattlesnake Shake” con las improvisaciones guitarrísticas más rock de toda la historia de los Mac.......las guitarras dobladas nos llevan directamente a The Allman Brothers Band (al igual que “Jumping at shadows”, el triple álbum incluye las interpretaciones de dos días diferentes de este tema –no es una frivolidad, os lo aseguro, vale la pena escuchar las dos interpretaciones-, momento adecuado para comprobar la riqueza de matices, como puede cambiar un mismo temas de un día para otro, si no en la estructura principal, sí en los detalles), y en fin, la presencia premonitoria de “The Green Manalishi”, 12 minutos de despedida de lo que fue una banda decisiva, inimitable..... ¡Un lujazo, vamos!!

En definitiva, sin desperdicio. Hay una cajita por ahí que recoge los cuatro discos en estudio de los Fleetwood Mac más los dos volúmenes de “Blues Jam in Chicago”, en total 6 cds a bastante buen precio....ideal para los que no tengan esta pequeña discografía completa.....
Pues nada más, un saludo a todos y hasta otra.

Griffin
Dick Is Dead

[el_salmonete]

Continúa el Capitán Calzones que tiene superpoderes y no se cansa nunca. Hasta que el cuerpo le aguante pues, a falta de espontáneos. Me dice que diga que como estamos en el día del Señor, que va a empezar el día escuchando espirituales negros a ritmo de R&B y rockabilly (este tío está chalado).

Buenos días por la mañana

Sister Rosetta Tharpe

[quote]Biography by Jason Ankeny

Alongside Willie Mae Ford Smith, Sister Rosetta Tharpe is widely acclaimed among the greatest Sanctified gospel singers of her generation; a flamboyant performer whose music often flirted with the blues and swing, she was also one of the most controversial talents of her day, shocking purists with her leap into the secular market -- by playing nightclubs and theatres, she not only pushed spiritual music into the mainstream, but in the process also helped pioneer the rise of pop-gospel. Tharpe was born March 20, 1921 in Cotton Plant, Arkansas; the daughter of Katie Bell Nubin, a traveling missionary and shouter in the classic gospel tradition known throughout the circuit as "Mother Bell," she was a prodigy, mastering the guitar by the age of six. At the same time she attended Holiness conventions alongside her mother, performing renditions of songs including "The Day Is Past and Gone" and "I Looked Down the Line."

In time the family relocated to Chicago, where Tharpe began honing her unique style; blessed with a resonant vibrato, both her vocal phrasing and guitar style drew heavy inspiration from the blues, and she further aligned herself with the secular world with a sense of showmanship and glamour unique among the gospel performers of her era. Signing to Decca in 1938, Tharpe became a virtual overnight sensation; her first records, among them Thomas A. Dorsey's "Rock Me" and "This Train," were smash hits, and quickly she was performing in the company of mainstream superstars including Cab Calloway and Benny Goodman. She led an almost schizophrenic existence, remaining in the good graces of her core audience by recording material like "Precious Lord," "Beams of Heaven" and "End of My Journey" while also appealing to her growing white audience by performing rearranged, uptempo spirituals including "Didn't It Rain" and "Down by the Riverside."

During World War II, Tharpe was so popular that she was one of only two black gospel acts -- the Golden Gate Quartet being the other -- to record V-Discs for American soldiers overseas; she also toured the nation in the company of the Dixie Hummingbirds, among others. In 1944, she began recording with boogie-woogie pianist Sammy Price; their first collaboration, "Strange Things Happening Every Day," even cracked Billboard's race records Top Ten, a rare feat for a gospel act and one which she repeated several more times during the course of her career. In 1946 she teamed with the Newark-based Sanctified shouter Madame Marie Knight, whose simple, unaffected vocals made her the perfect counterpoint for Tharpe's theatrics; the duo's first single, "Up Above My Head," was a huge hit, and over the next few years they played to tremendous crowds across the church circuit.

However, in the early '50s Tharpe and Knight cut a handful of straight blues sides; their fans were outraged, and although Knight soon made a permanent leap into secular music -- to little success -- Tharpe remained first and foremost a gospel artist, although her credibility and popularity were seriously damaged. Not only did her record sales drop off and her live engagements become fewer and farther between, but many purists took Tharpe's foray into the mainstream as a personal affront; the situation did not improve, and she spent over a year touring clubs in Europe, waiting for the controversy to die down. Tharpe's comeback was slow but steady, and by 1960 she had returned far enough into the audience's good graces to appear at the Apollo Theatre alongside the Caravans and James Cleveland. While not a household name like before, she continued touring even after suffering a major stroke in 1970, dying in Philadelphia on October 9, 1973.[/quote]