Cine Documental 6. El documental actual. Nuevas tendencias

[marlowe62]

EL CINE DOCUMENTAL.

6.- El documental postmoderno.
Las nuevas tendencias (de los años 80 a la actualidad).




ÍNDICE

6.1.- El documental (explícitamente) reflexivo.

6.1.1.- El cine-ensayo.
6.1.1.1.- Chris Marker.
6.1.1.2.- Jean-Luc Godard.
6.1.1.3.- Harun Farocki.
6.1.1.4- Marlon Riggs.

6.1.2.- El “dogumentary” (documental Dogma).

6.2.- La revisión del documental de montaje.

6.2.1.- La deconstrucción del “cine efímero” (desmontaje documental).

6.2.2.- El documental de "metraje encontrado" (found footage).
6.2.2.1.- Jay Rosemblatt.
6.2.2.2.- Péter Forgács.
6.2.2.3.- Yervant Gianikian y Angela Ricci Lucchi.

6.2.3. El cine de apropiación.
6.2.3.1.- Craig Baldwin.
6.2.3.2.- Brian Springer.

6.3.- ¿Quien mató a la mosca en la pared?

6.3.1.- La etnografía experimental.
6.3.1.1.- La revisión del discurso etnocentrista.
6.3.1.2.- Forzando la realidad: el “observador participante”.

6.3.2.- El documental en primera persona.
6.3.2.1.- El cine autobiográfico.
6.3.2.2.- El cineasta como recolector.

6.3.3.- Los “personality films”.
6.3.3.1.- El cineasta frente a sí mismo.
6.3.3.2.- El narrador-protagonista.

6.4.- ¿Verdadero o Falso? La ruptura de las fronteras entre realidad y ficción.

6.4.1.- El documental reconstruido / dramatizado.
6.4.2.- El “mockumentary” (falso documental).

6.5.- El mestizaje (Fórmulas míxtas, inclasificables e imprescindibles).

ÍNDICE GENERAL

1. La etapa fundacional. El cine informativo.
2. Las escuelas clásicas de los años 20 y 30.
3. El documental político y de propaganda de los años 30 y 40.
4. El documental moderno (años 50, 60 y 70).
5. El documental histórico.
6.- El documental postmoderno (de los años 80 a la actualidad).
[6. Nuevas tendencias. (primera versión)]
7. El falso documental (Mockumentary).
8.a. El documental en España. Primera parte. De los orígenes a los años sesenta.
8.b. El documental en España. Segunda parte. De los años 60 a la actualidad.
9. El documental latinoamericano. (En proyecto)

Comentarios, sugerencias y críticas, en este hilo:
El Cine Documental en DXC.

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[marlowe62]

6.1.- El documental (explícitamente) reflexivo.

6.1.1.- El cine-ensayo.

[quote]El cine-ensayo se asemeja a intentar “escribir un ensayo sociológico en forma de novela,
disponiendo sólo de notas musicales” (Jean-Luc Godard).[/quote]

6.1.1.1.- Chris Marker.

Chris Marker.

Nacido en 1921 o en 1929, en Francia o en Mongolia, cineasta militante y maestro de la ocultación -únicamente localizable en un apartado de correos parisino-, buen guardián al mismo tiempo de su obra, una exuberante fusión de arte, política y tecnología por un lado, y de transgresión de las categorías de género y prácticas narrativas tradicionales en el cine (Marker mezcla como nadie poesía, epístola, ensayo o historia, ficción y no ficción) por otro, definen la idiosincrasia y particular ética de la mirada de Chris Marker, pseudónimo de Christian François Bouche-Villeneuve. Fotonovela, CDROM, video-instalación, videocreaciones o clips, hasta precoces libros ilustrados: poco ha importado el soporte del que se ha servido desde la década de los 50 del siglo pasado este brillante revolucionario muy capaz de comprender y utilizar además aquellos aspectos virtuosos derivados de los cambios tecnológicos.
Vinculado en sus años mozos de la posguerra al programa educativo audiovisual de la UNESCO Peuple et Culture, comienza su carrera con un trabajo sobre las Olimpiadas de Helsinki y el estimulante trabajo sobre arte africano, Las estatuas también mueren (1953), donde la perspectiva descolonizadora y el potente texto mostraban ya sus credenciales. Codirigido por Alain Resnais, otro realizador obsesionado por la memoria y el tiempo, para él escribirá prodigiosos textos. Funda el cine-ensayo con Lettre de Sibérie (1957), meditación en forma de reportaje sobre la realidad siberiana, germen de tantos otros viajes, siempre con nuevas aportaciones. La consagración la alcanza con un cortometraje mítico, su único trabajo que podemos considerar íntegramente de ficción, La jetée (1962), ‘fotonovela’ montada con un único movimiento perceptible y muestra de su querencia por la ciencia ficción como género de experimentación narrativa e indagación en la historia. Otra preocupación omnipresente, la apertura a vías revolucionarias desde la experiencia contemporánea, trasluce en el vigor de la naciente revolución de los barbudos de ¡Cuba sí! (1961).
A partir de entonces se sublima la figura de Marker como cineasta itinerante y generoso, un fotógrafo testigo que busca la igualdad de las miradas, un trotamundos radical que deja amigos, compromiso, sosiego y misterio allá por donde pasa. Lugares lejanos y rostros admirados como expresión de un yo perspicaz y observador envuelto en un ritmo de producción inagotable: Vietnam, Valparaíso, Pekín, Brasil, Cuba, Guinea-Bissau, Israel, Rumania, Japón, Siberia, Kosovo, dirigentes políticos, acontecimientos y personalidades históricas, artistas como Tarkovsky, Kurosawa, Medvedkine, Montand, Signoret. Su estilo introspectivo y respetuoso filtra hasta hoy los rastros de un espíritu de vanguardia y espontáneo pionerismo. En Le joli mai (1962), filme-encuesta, reinventa el cine directo. En época de revueltas y turbulencias políticas, se implica en trabajos de intervención que alcanzan el cooperativismo y el trabajo pedagógico con obreros. La existencia del artista anónimo diluido en el colectivo se convierte también en esencia de la expresión disidente. Es uno de los creadores del colectivo SLON, cubre huelgas como la de Rhodiaceta y pasa a ser autor de ‘ciné-tracts’, boletines de noticias para estudiantes y trabajadores. Entre su ingente actividad de estos años, envía desde París celuloide virgen a Chile para que Patricio Guzmán pueda salvar del horror su monumental tríptico La batalla de Chile, sorteando el bloqueo estadounidense. El fondo del aire es rojo (1977), miscelánea resumen de una década de luchas centrado en el remontaje de material entresacado de títulos militantes que atestaban su productora ISKRA, resultará la síntesis ejemplar de todas estas sensaciones, unos años que Marker denomina los de la Tercera Guerra Mundial.
Infatigable, su osada amalgama de materiales tiene otro punto de inflexión en la magistral Sans soleil (1982), donde itinerario, diario, ensayo, (auto)biografía, poesía, etnografía, apropiacionismo, memoria, fragmentariedad, compromiso y reflexiones sobre el tiempo se ofrecen como indagaciones básicas entretejidas por rimas y asociaciones imagen-texto a modo de metáforas. El optimismo ante las posibilidades de uso de las nuevas tecnologías -contra el relativo pesimismo de otro gran ensayista fílmico: Godard- nos aproxima al Marker más innovador. En Level five (1996) la elaboración de un juego informático funciona a modo de exquisita disección de un terrible episodio bélico de la Segunda Guerra Mundial, la batalla de Okinawa. Inmemory (1997), sugerente CD-ROM que anticipa los nuevos soportes y formatos, reúne las virtudes del artista del bricolage multimedia. Los frentes de experimentación, multiplicidad de niveles, reflexión sociopolítica de lo tecnológico, impulsan una construcción libre y abierta compuesta por ocho zonas: Guerra, Poesía, Museo, Foto, Viaje, Cine, Memoria, Xplugs. Encuentra respuesta en el mundo del arte contemporáneo mucho antes de que la caterva posmoderna intuya los caminos del mestizaje de formas. Siempre sorprendente, en su último trabajo, el divertimento Chats perchés (2004), insinúa su espíritu más lúdico, ajustando las piezas del mundo entre sus retóricas de funcionamiento, lo banal, lo hermoso y lo trascendente: el gato, animal tutelar y símbolo de libertad, deviene sujeto clave de su cosmología. Compañero en las antologías del cine documental de tantos otros maestros (Ivens, Lanzmann, Álvarez, Flaherty, Rouch o Varda), su versatilidad, incapacidad de acomodo, el arsenal de propuestas y la renovación constante lo dejan sin embargo como un islote extremo, un visionario que viene a desenmascarar todas las contradicciones de nuestro tiempo.

- José Manuel Sande, “La fascinación Chris Marker”. Diagonal, nº 26 (2006).

- La Jetée (El muelle). (Francia, 1962) [B/N, 28 m.].
Ficha técnica. Dirección y Guión: Chris Marker. Fotografía: Jean Chiabaut, Chris Marker. Montaje: Jean Ravel. Productora: Argos Films. IMDb
Reparto: Jean Négroni (narrador), Hélène Chatelain (The Woman), Davos Hanich (The Man), Jacques Ledoux (The Experimenter).
Sinopsis. El mundo está en ruinas tras una apocalíptica guerra nuclear. Un grupo de científicos del bando vencedor cree que el único modo de salvar a la humanidad es a través de los viajes en el tiempo, de mandar a una persona al pasado para... ¿pedir ayuda?, o al futuro para buscar una solución a la situación presente. El elegido para realizar el viaje a través del tiempo es un prisionero...
Comentario: Historia de corte experimental sobre el poder de la memoria, contada exclusivamente a través de fotos fijas, en la que un hombre trata de reconstruir el recuerdo de su amada, en tiempos de la Tercera Guerra Mundial. Aclamado por la crítica, un singular film de ciencia-ficción, francés y de culto, que inspiró la conocida película americana 12 Monos (12 Monkeys, 1995). (Filmaffinity)
Hilo DXC: La Jetée (Chris Marker, 1962) DVDRip VOSE
(Hay varias versiones. Recomiendo la versión Criterion de Wagnerian, 659.41 Mb]

- Sans-Soleil (Bez solntsa Sunless Sans soleil / Sin sol). (Francia, 1982) [B/N-Color, 100 m.].
Ficha técnica. Dirección, Guión, Fotografía y Montaje: Chris Marker. Música: Michel Krasna. Producción: Argos Film. IMDb
Intervienen: Florence Delay (voz francesa), Alexandra Stewart (voz inglesa), Riyoko Ikeda (voz japonesa), Charlotte Kerr (voz alemana), Arielle Dombasle (cantante).
Sinopsis: Tres niños en una carretera en Islandia, una tripulación somnolienta a bordo de un ferry, un emú en Île de France, un bello rostro de las islas Bijagos, un cementerio de gatos a las afuera de Tokio, vagabundos en Namidabashi, los habitantes de la Isla de Fogo, Cabo Verde, un carnaval en Bissau... Así inicia el relato una mujer desconocida que lee las cartas remitidas por un operador de cámara, Sandor Krasna, que a través del registro de las imágenes de sus viajes se interroga sobre la memoria y la función del recuerdo, "que no es lo contrario del olvido, sino su opuesto", para conformar, como Sei Shônagon, su particular lista de "cosas que hacen latir el corazón".
Comentario. Chris Marker ha sido el único cineasta que ha dedicado la mayor parte de su obra a la reflexión de la memoria, al papel del olvido y del recuerdo a través de las imágenes. Sin duda, Sans soleil ha marcado un hito en esta búsqueda de lo que ya sólo es huella en la iconografía contemporánea. Desde Islandia hasta la sabana africana Marker nos lleva a revisionar el mundo desde otra perspectiva. La del extranjero que se apodera del espacio a través de una cámara, la del visitante que, fascinado, se adentra en una cultura que le es ajena y que anhela entender a través de sus imágenes; la del cineasta que escribe cartas y envía imágenes a una mujer que las lee y enseña al espectador a través de la pantalla. Sandor Krasna, heterónimo de Marker, nos conduce así a su visión personal del mundo. Sans soleil se construye tras la apariencia de un diario filmado que no refleja la sensación instantánea de quien ha recogido dicho material sino que recoge un proceso de pensamiento. Las ideas sobre un hipotético filme que se ha de construir sobre el material filmado (Enrique Aguilar: “Sans-Soleil. La imagen-memoria recuperada”. Contrapicado. Revista de Cine Online, 2006).
Sans soleil (1982) es un juego de asociación cinematográfico. Resultado de la acumulación de imágenes, de recuerdos, de vivencias, de películas y viajes. Para Marker todo tiene que ver con todo, han pasado muchos años desde aquella escena en Praga, y ahora recorre el mundo con sus preguntas en la mochila, buscando las luchas contra el poder en movimientos más cercanos a lo cotidiano, provocando encuentros con lo sutil de la realidad en decenas de parajes de la Tierra. Un grupo de niñas bailan en un parque de Tokio, Tokio que fue antes toda una película, Le Mystere Koumiko (1965). Tokio son las palabras entre ingenuas y desgarradoras de Koumiko Muraoka, la amiga por coincidencia de Marker en Japón. Japón en Sans Soleil es un punto de partida a Cabo Verde, Guinea Bissau. Africa que en Marker es otra película Les estatues meurent aussi (1950) ensayo etnográfico anticolonialista que desarrolla una crítica del arte africano y de los usos de éste por los franceses, todo en forma de diario de viaje.
Sans soleil es un diálogo de Marker con su propio cine: Loin du Vietnam, Le fond de l'air est rouge, todo Marker está allí en un ejercicio de fusión del autor con su propia obra solo comparable a lo que hace Sábato en Abadón el Exterminador. En Sans soleil Marker debate sus opciones políticas y estéticas;. las primeras devienen en crítica implacable contra la manipulación de las imágenes del mundo (La Jeteé again and again) y las segundas en un método para reflejar la yuxtaposición de las imágenes y los recuerdos en la memoria (PulpMovies).
- José Manuel López, “Sans soleil: planeta Marker”. Tren de sombras, 2 (septiembre, 2004).
Hilo DXC: Sans Soleil (Chris Marker, 1983) DVDRip VOSE

Otros films de Chris Marker:

- Les statues meurent aussi (Las estatuas también mueren). Chris Marker, Alain Resnais (Francia, 1953] [B/N, 20/30 m.]. IMDb
Hilo DXC: Les Statues meurent aussi (Resnais/Marker, 1953) VOSE

- Dimanche à Pekin (Domingo en Pekín). (Francia, 1956) [Color, 22 m.]. IMDb
Hilo DXC: Le Mystère Koumiko (Chris Marker, 1965) VHSRip VOSE (Con enlace a una versión en inglés, sin subtítulos)

- Lettre de Sibérie. Chris Marker (Francia, 1957) [Color, 62 m.]. IMDb
Hilo DXC: Lettre de Sibérie (1957) Chris Marker VHSrip EnglishDub

- Description d'un combat (Descripción de un combate). (Israel-Francia, 1960) [Color, 60 m.]. IMDb
Hilo DXC: Description d'un Combat (Chris Marker, 1960) VHSrip VOSI

- ¡Cuba Sí!. Chris Marker (Francia, 1961) [Color, 60 m.]. IMDb
Enlace: chris marker-cuba si-sub spanish.avi (sin fuentes completas)

- Le joli mai. Chris Marker, Pierre Lhomme (Francia, 1963) [B/N, 165 m.]. IMDb
Hilo DXC: Chris Marker, 5 películas.
Enlace: Chris Marker -1963 - Le Joli Mai.avi (VHSRip con audio en inglés y francés con subs incrustados en inglés, de baja calidad)
Subs en inglés: Chris Marker - Le Joli Mai.srt
Subtítulos: inglés (incompletos).

- Le mystère Koumiko. Chris Marker (Francia, 1965) [Color, 54 m.]. IMDb
Hilo DXC: Le Mystère Koumiko (Chris Marker, 1965) VHSRip VOSE

- Loin du Vietnam. Joris Ivens, William Klein, Claude Lelouch, Agnès Varda, Jean-Luc Godard, Alain Resnais, Chris Marker (supervisión). (Francia, 1967) [Color, 115 m.]. IMDb
Hilo DXC: Loin du Vietnam (Godard,Resnais,Marker,Varda...1967) VOSJap
Enlace: 1967 Loin du Vietnam (Joris Ivens, William Klein, Claude Lelouch, Chris Marker, Alain Resnais, Agnes Var.avi (DVDRip VO)
Subtítulos (descarga directa): castellano (sincronizados para la versiónVhsRip)

- Classe de lutte (Clase de lucha). Chris Marker (Francia, 1969) [B/N, 37 m.]. IMDb
Hilo DXC: Groupes Medvedkine - Complete Works

- Le Train en marche. Chris Marker (Francia, 1971) [Color, 32 m.]. IMDb
Prefacio a “La felicidad” (1932) de Aleksandr Medvedkin. Editado en Dvd (Cofre Marker, Intermedio).
Enlace: Chris Marker (1971) Le Train en marche.avi (DVDRip VO)

- La solitude du chanteur du fond. Chris Marker (Francia, 1974) [Color, 60 m.]. IMDb

- Le Fond de l'Air est Rouge (El fondo del aire es rojo / Grin Without a Cat). Chris Marker (Francia, 1977) [B/N-Color, 240 m.]. IMDb
Documental dividido en dos partes: Les Mains Fragiles y Les Mains Coupees, en las que Chris Marker hace un recorrido por el decenio 1967-1977 (mayo del 68 y sus consecuencias).
Hilo DXC: A Grin Without a Cat (C. Marker). DVDRip VISE/VOSE
(Hay 2 versiones. Edición inglesa, por Cirlot, en 2 partes de 1 Gb / Edición francesa, por Eriol, en 2 partes de 1,03 Gb)

- 2084: Video clip pour une réflexion syndicale et pour le plaisir. Chris Marker (Francia, 1984) [Color, 10 m.]. IMDb
Hilo DXC: 2084 (Chris Marker, 1984) VHSrip VOSE OGM

- A.K. (Kurosawa Akira). Chris Marker (Francia-Japón, 1985) [Color, 77 m.]. IMDb
Hilo DXC: Extras de Ran Edicion Especial Francesa - Akira Kurosawa. DVDRip VOSE

- Le Tombeau d'Alexandre (El último bolchevique / The Last Bolshevik). Chris Marker (Francia, 1992) [B/N-Color, 120 m.]. IMDb
Hilo DXC: Le Tombeau d' Alexandre (Chris Marker, 1992) DVDrip VOSE

- Level Five (Level 5). Chris Marker (Francia, 1996) [Color, 106 m.]. IMDb
Hilo DXC: Level 5 (Chris Marker, 1997) DVDrip VOSIta.

- Inmemory. Chris Marker (Francia, 1997). CD-ROM
En eMule hay un enlace a la versión en francesa en formato ISO (596,96 Mb). Una vez grabado el CD, al introducirlo en el lector del ordenador se ejecuta automáticamente la instalación de Quicktime 2.1.2 (versión 1998) que puede ocasionar serios daños en la configuración de sistema. Es necesario, por tanto, deshabilitar el arranque automático en el PC y visualizar el Cd sin instalarlo. Por si la moscas, recomiendo abstenerse y esperar otra versión (informaciçon facilitada por TOTEM en Cine-Clásico).

- Une journée d'Andrei Arsenevitch (Cineastas de nuestro tiempo: un día en la vida de Andrei Arsenevitch). Chris Marker (Francia, 2000) [Coilor, 55 m.]. IMDb
Documental de la serie Cinéma, de notre temps sobre Andrei Tarkovsky.
Hilo DXC: Cinéma de notre temps: Andrei Tarkovsky (2000) DVDRip VOSE

- Le Souvenir d'un Avenir (Recuerdos del porvenir). Chris Marker, Yannick Bellon (Francia, 2001) [B/N, 42 m.]. IMDb. Editado en Dvd por Intermedio.
Hilo DXC: Le Souvenir d' un Avenir (C. Marker & Y. Bellon, 2001) VHSRip VO + SE (no sincro)

- Chats perchés (The Case of the Grinning Cat). Chris Marker (Francia, 2004) [Color, 58 m.]. IMDb
Hilo DXC: Chats Perchés (Chris Marker, 2004) TVrip VOSE (2 versiones, VO+SE y VOSE)

Enlaces relacionados:
- Schastye (A. Medvedkin, 1932) DVDRip VFSE
- Las variaciones Marker (Isaki Lacuesta, 2007) DVDrip VO (Esp)
(Extras edición DVD Intermedio)

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6.1.1.2.- Jean-Luc Godard.

- Histoire(s) du cinéma. (Francia, 1998) [B/N-Color, 268 m. 8 capítulos).
Ficha técnica. Dirección, Guión y Montaje: Jean-Luc Godard. Productora: Centre National de la Cinématographie (CNC) / France 3 Cinéma / Gaumont / JLG Films / La Sept Cinéma / Le Studio Canal+ / Vega Film Productions.
Estructura de la obra: 1a Toutes les histoires (Todas las historias, 51 m.), 1b Una histoire seule (Una sola historia, 42 m.), 2a Seul le cinéma (Sólo el cine, 27 m.), 2b Fatale beauté (Belleza fatal, 29 m.), 3a La monnaie de l'absolu (La moneda de los absoluto, 27 m.), 3b Una vague nouvelle (Una nueva ola, 27 m.), 4a Le contrôle de l'Univers (El control del Universo, 28 m.), 4b Les signes parmi nous (Los signos entre nosotros, 37 m.).
Sinopsis. Editada, escrita y realizada por Jean-Luc Godard en su residencia suiza de Rolle durante diez años (1988-1998), Histoire(s) du cinéma supone una de las obras más importantes del director, y probablemente la mirada más lúcida e imperecedera jamás proyectada sobre la Historia del Cine. En 8 episodios, la serie compone, a modo de collage, y a partir de fragmentos de films, textos, citas sobre pantalla, fotos, cuadros, fragmentos musicales, sonidos, y lecturas a cargo de narradores de excepción (Juliette Binoche, Alain Cuny, Julie Delpy o el propio Godard), una monumental, crítica, bella y melancólica visión del arte cinematográfico, a cargo de uno de los más grandes creadores del siglo XX (CinedeAutor).
Comentario. Histoire(s) du cinéma es el proyecto más ambicioso encarado por Jean-Luc Godard en los últimos tiempos. Este monumental conjunto de videos realizado a lo largo de diez años (entre 1988 y 1998) es un relato sobre el cine y la historia, que pone a gravitar el campo de los estudios audiovisuales bajo una luz completamente nueva. El cine como arte y como industria, el cine en relación con los demás discursos estéticos y sociales, el cine como testigo del siglo: Godard alcanza aquí una síntesis impecable entre su oficio de crítico y su labor como cineasta. No es sólo que estos videos instauran una vía fluida entre el celuloide y lo digital, o que logran fundir el registro de la ficción, la autobiografía y el documental bajo la forma del ensayo poético, sino —ante todo— que conducen las imágenes hacia un lugar en donde la obra de Godard, la historia del cine y la memoria del siglo XX se implican dentro de un circuito perfecto.
El conjunto de las Histoire(s) du cinéma constituye un momento clave en la obra del director porque condensa todos sus intereses de las últimas décadas. Si fuera posible resumir esas preocupaciones en un único concepto abarcador, se podría decir que es la búsqueda de un filme capaz de meditar sobre aquello que muestra. O mejor: la voluntad de abrir (como quien abre un surco) una dimensión reflexiva en la superficie de la imagen. Dice Godard: “Es evidente que las películas son capaces de pensar de mejor manera que la escritura o la filosofía, pero esto fue rápidamente olvidado”. No es la historia de los filmes, ni siquiera a través de los filmes; se trata, más bien, de la historia en y por los filmes: la capacidad de las imágenes para hablar de otras imágenes. De esa deriva visual surge, luminoso e intransferible, un saber del cine.
- David OUBIÑA (comp.): Jean-Luc Godard: el pensamiento del cine. Cuatro miradas sobre Histoire(s) Du Cinéma. Barcelona, Paidos, 2003.
Hilo DXC: Histoire(s) du cinéma (Jean-Luc Godard, 1988-1998) VOSE

- Elogio del amor (Éloge de l’amour). (Francia-Suiza, 2001) [B/N-Color., 98 m.].
Ficha técnica. Dirección y Guión: Jean-Luc Godard. Fotografía: Julien Hirsch, Christophe Pollock. Productora: Avventura Films / Canal+ / Les Films Alain Sarde / Périphéria / Télévision Suisse-Romande (TSR) / Vega Film / Arte France Cinéma.
Sinopsis: Alguien a quien oímos, pero al que no vemos, habla de un proyecto titulado Elogio de amor, que trata de los cuatro momentos clave del amor: el encuentro, la pasión física, las disputas y la separación, y la reconciliación. Estos momentos se contemplan mediante tres parejas: joven, adulta y anciana. ¿Será el proyecto una obra teatral, una película, o incluso una ópera? Una especie de sirviente o ayudante acompaña siempre al autor del proyecto.
Comentario. Godard parece plantear en Elogio del amor la búsqueda del principio de todo, del fundamento último y primero, aquello que los filósofos presocráticos dieron en llamar el arje, y lo busca en el cine y a través del cine. Para los pensadores helenos, el arje habría de encontrarse en los elementos básicos de la naturaleza –la tierra, el aire, el agua, el fuego-; para Godard podría encontrarse en los elementos de la sintaxis cinematográfica y en la reflexión sobre el propio cine. Elogio del amor es una película que plantea un diálogo constante con la vida, con el cine y consigo misma y que oculta en su interior una reflexión profunda sobre la Historia de las historias.
- Jose Manuel López, “En el camino”. Tren de Sombras, nº 6 (2006).
Enlace: In.Praise.Of.Love.2001.Limited.DVDrip.DivX-Postx.avi
Subtítulos: castellano.

Otros ensayos cinematográficos de Godard.

- 2x50 años de cine francés (Deux fois cinquante ans de cinéma français). (Francia-Suiza-Gran Bretaña, 1995) [B/N-Color, 50 m.].
Enlace: 2x50 Ans de Cinéma Fran%C3%A7ais -Jean Luc Godard-VHS Spanish- BlueGardenia-DivXClasico.com.avi

- L'origine du XXIè siécle, pour moi. (Francia, 2000) [B/N-Color, 15 m.].
Hilo DXC: El Origen del Siglo XXI (Jean-Luc Godard, 2000) VHSRip VOSE

- Nuestra Música (Notre Musique). (Francia-Suiza, 2004) [Color, 80 m.].
Hilo DXC: Notre Musique (Jean-Luc Godard, 2004) DVDRip VOSE

Filmografía Grupo Dziga Vertov.

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6.1.1.3.- Harun Farocki.

El universo conceptual de Harun Farocki, dueño de una estética tan propia como ascética, parece desbordar el campo de la Teoría pura del Cine para proponer una reflexión más amplia, que por cierto no excluye a la representación cinematográfica, acerca del estatuto de la Imagen en la sociedad actual. Sus trabajos escritos, sus ensayos, van en el mismo sentido: se trata de asomarse y develar “que se esconde realmente detrás de las imágenes”. Así, asomarse a su obra, implica vislumbrar mucho de lo mejor de la producción teórica contemporánea. Deleuze, Foucault, Barthés, Virilio y tantos otros, deberán ser invocados en estas páginas en correspondencia con las propias citas de Farocki.
Los filmes y los escritos de Farocki intentan revelar lo que el Poder tiende a ocultar, el dispositivo que produce las imágenes que vemos y consumimos a diario. Si un dispositivo, desde un punto de vista físico- técnico (las distintas tecnologías - cine, TV, vídeo, etc.- involucradas en la difusión y expansión de las imágenes), simbólico-político e imaginario-fantasmático, es aquello que permite ver lo que se ve, la apuesta de Farocki consiste en hacer visible lo que generalmente se oculta. Veremos, pues, como el cine se vuelve, en Farocki, una herramienta de precisión, un bisturí que hunde su filo en la historia de la Imagen para verificar en ella el desenvolvimiento de los esquemas de pensamiento que constituyen nuestra realidad hoy. (Seminarios Dodecá / Instituto Goethe)

- El fuego inextinguible (Nicht Löschbares feuer). (RFA, 1969) [B/N, 25 m.]
Ficha técnica. Dirección: Harun Farocki. Fotografía: Gerd Conradt. Montaje: Harun Farocki. Sonido: Ulrich Knaudt. Productora: Harun Farocki filmproduktion / WDR.
Comentario. Fuego inextinguible es una mirada satírica acerca de la producción de Napalm en una fábrica química durante la guerra de Vietnam. Mientras se nos explica la forma en que el napalm se pega a la piel y no se apaga, aún debajo del agua, vemos como los ejecutivos de una firma alemana subsidiaria de dicha fábrica realizan su trabajo con la misma dedicación y falta de conciencia que pondrían en la fabricación de juguetes u otro tipo de producto. Son los mismos técnicos que, después de su jornada laboral, llegarán a sus casas, besarán a sus mujeres, jugarán con sus hijos y verán televisión mientras las bombas que ayudaron a fabricar destrozan cuerpos a miles de kilómetros de distancia, en Vietnam. Sólo a partir de la enajenación, de la alienación del sujeto, es como el mundo capitalista, parece afirmar Farocki, puede sostener sus altos estándares de producción. La guerra como producción y consumo; Fuego inextinguible es, en ese sentido, uno de los más fuertes alegatos que se hayan filmado en contra del genocidio vietnamita (Instituto Goethe).
Fines de la década del sesenta, mientras la guerra en Vietnam sigue. El film debe ser explícito, urgente, quemante como el napalm. Cuáles son los efectos a partir del impacto. El film no muestra una sola imagen de los destrozos pero explica con un énfasis pedagógico hasta llegar a las causas del problema, su fabricación. Farocki tenía entonces veinticinco años y desde su óptica marxista procuraba determinar las causas materiales de los hechos (Seminarios Dodecá).
Hilo DXC: Inextinguishable Fire (Harun Farocki, 1969) VHSRip VOSI+SE

- Imágenes del Mundo y Epitafios de Guerra (Bilder der Welt und Inschrift des Krieges). (RFA, 1988) [B/N, 75 m.].
Ficha técnica. Dirección y Guión: Harun Farocki. Fotografía: Ingo Kratisch. Montaje: Rosa Mercedes, Harun Farocki. Animación: Irina Hoppe. Sonido: Klaus Klingler. Producción: Harun Farocki filmproduktion.
Sinopsis. En 1944, las fotos aéreas del servicio de información del ejército norteamericano permitían distinguir los campos de exterminio nazis, pero los analistas no podían identificarlos, al desconocer su existencia. Farocki analiza (cuestiona) el potencial informativo de las imágenes, planteando el hecho de que sólo vemos (identificamos) lo que reconocemos.
Comentario. Producción, registro y consumo son las tres pautas del mercado que también regulan las posibilidades de visibilidad del cine. La imagen y su producción: eso es lo que aparece en "Imágenes del Mundo..." . La historia de la fotografía aérea contada a partir de su acto de instrumentación como herramienta de espionaje, registro y control de los bombardeos. La Imagen y la Guerra entrelazadas mortalmente. (Instituto Goethe)
Un documental poco frecuente, cuyas líneas narrativas o se perciben desde el comienzo sino que van armándose de a poco, con el objetivo fijo de analizar lo que puede captarse desde el cielo. Al comienzo hay solo un mar sin cielo, pero luego se sabe que hay caminos que conducen a los epitafios: la historia de la fotografía , los bombardeos aéreos, el camuflaje bélico terminan en Auschwitz. Técnica, ciencia y observación, decisiones no tomadas. A la demolición emocional se puede llegar desde el extrañamiento. Y el film cierra la idea del sentido de la responsabilidad. (Seminarios Dodecá)
Hilo DXC: Images of the world... (Harun Farocki, 1988) VHSrip VOSI

Otros films de Harun Farocki:

- Las Palabras del Presidente (Die Worte des Vorsitzende). (RFA, 1969) [B/N, 2 m.].
Hilo DXC: Die Worte des Vorsitzenden (Harun Farocki, 1967) DVDrip VOSE
- Naturaleza Muerta (Stilleben). (RFA, 1997) [Color, 58 m.].
Hilo DXC: Still Life (Harun Farocki, 1997) VEng
- La Solicitud de empleo (Die Bewerbung). (RFA, 1997) [Color, 60 m.].
- Ich glaubte Gefangene zu sehen (Thought I Was Seeing Convicts). (RFA, 2000) [Color, 25 m.]. IMDb
Hilo DXC: I thought I was seeing convicts (Harun Farocki, 2000)
- Imágenes de cárcel (Gefängnisbilder). (RFA, 2000) [Color, 60 m.].
- Los Creadores de los mundos de compras (Die Schöpfer der Einkaufswelten) (RFA, 2001) [Color, 70 m.].

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[marlowe62]

6.1.1.4- Marlon Riggs.

Marlon Riggs (1957-1994).

Poeta, educador, realizador y activista gay. Produjo varios documentales para televisión. Entre sus películas figuran Color Adjustment, Anthem y No Regrets. Su último documental, Black is…Black Ain't ofrece un panorama sobre la situación de los afroamericanos, el racismo, el sexismo y la homofobia.


- Tongues untied (Lenguas desatadas / Tongues Untied: Black Men Loving Black Men). (Usa, 1990) [Color, 55 m.].
Ficha técnica. Dirección, Fotografía y Montaje: Marlon Riggs. Guión. Brian Freeman. Música: Alex Langford, Marlon Riggs. Producción: Marlon Riggs, Vivian Kleiman, Brian Freeman. Productora: Landmark Films. IMDb
Intervienen: Marlon Riggs, Michael Bell, Blackberri, Kerrigan Black, Bernard Branner, Ben Callet, Gerald Davis, Kenneth R. Dixson, Larry Duckette, Gideon Ferebee, Brian Freeman, Gene Garth, Essex Hemphill, A.J. Honey, Paul Horrey, David Hunter, Wayson Jones, David Barron Kirkland, Richard Medford, Cornelius Moore, Bryant Navy, Willi Ninja, Michael Otis, Bob Paris, Christopher Prince, Timothy Riena, Taalib-Din Shakir, Ron Simmons, Darnell Stephens-Durio, Robert D. Taylor, Britt Tennell, Arvid Williams.
Comentario. Manifiesto-ensayo sobre la identidad afroamericana y gay que reivindica el amor entre hombres negros como un acto revolucionario. Convertido ya en un clásico de la no-ficción contemporánea por su estructura compleja, el uso de actores y de material de archivo, la inclusión de poemas recitados por el poeta Essex Hemphill y fragmentos autobiográficos del director, fue objeto de numerosos ataques en el Congreso de Estados Unidos y fue censurado en la televisión pública norteamericana (DocumentaMadrid06).
Con su poesía, su testimonio personal y su performance, Tongues Untied muestra la homofobia y el racismo que deben enfrentar los gays afroamericanos. Con la ayuda de otros gays afroamericanos, en especial del poeta Essex Hemphill, Marlon Riggs celebra el amor entre hombres afroamericanos como un acto revolucionario. La película reúne secuencias de Hemphill recitando sus poesía y de Riggs contando la historia de su desarrollo, con escenas de hombres en situaciones sociales, y bailando. También cuenta con varios episodios cómicos, entre ellos, una visita al Instituto de Snap!tología; allí la gente toma clases para aprender a chasquear los dedos: el chasqueo para pedir bebida, el chasqueo de una diva, etc. El film cierra con obituarios de víctimas del Sida e imágenes de archivo del movimiento por los derechos civiles y de afroamericanos en la marcha del orgullo gay (Festival Internacional de Cine de Mar del Plata).
Hilo DXC: Tongues untied (Marlon Riggs, 1990) DVDRip VOSE

Otros documentales de Marlon Riggs.

- Color Adjustment (Usa, 1992) [Color, 88 m.]. IMDb
- Black is... Black Ain't (Usa, 1994) [Color, 87 m.]. IMDb

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[marlowe62]

6.1.2.- El “dogumentary” (documental Dogma).

Siguiendo la senda marcada por Dogma '95, Lars von Trier presentó a fines del 2002 “Dogumentary”, manifiesto que a través de nueve mandamientos pretende establecer una norma para la realización de documentales, propuesta que mantiene importantes semejanzas con Dogma.

“Dogumentary”, manifiesto para la realización de documentales.
Los Nueve Mandamientos.

1.- Deben darse a conocer todas las locaciones en el filme. (Insertando texto en la imagen. Esto constituye una excepción a la regla número 5. Todo texto debe ser legible).
2.- El comienzo del filme debe esbozar los fines e ideas del director. (Esto debe ser mostrado a los “actores” y técnicos del filme antes de iniciado el rodaje).
3.- El final de la película debe consistir en dos minutos de libre expresión por parte de la “víctima”, quien debe aprobar esta parte del filme terminado. Si ninguno de los colaboradores se opone, no habrá “víctimas”. Para explicar esto, se insertará un texto al final del filme.
4.- Todos los cortes en la edición deberán ir acompañados por 6 a 12 cuadros (entre un cuarto y medio segundo) en negro.
5.- La manipulación del sonido y/o la imagen no debe tener lugar. El filtrado, la iluminación creativa y/o efectos ópticos están estrictamente prohibidos.
6.- Pistas sonoras adicionales –música o diálogo- no podrán mezclarse con posterioridad al rodaje.
7.- La reconstrucción del concepto, así como la dirección de los actores, no es aceptable. Se prohíbe el agregado de elementos tales como los escenográficos.
8.- Todo uso de cámaras escondidas está prohibido.
9.- No debe haber nunca imágenes de archivo ni material usado para otros programas.

Lars Von Trier, Zentropa Real, mayo de 2001.
Dado a conocer oficialmente en noviembre de 2002.

“El Dogumentalismo revive lo puro, lo objetivo y lo creíble. Nos devuelve a la médula, a la esencia de nuestra existencia”. “El Dogumentalismo es una opción. Usted puede elegir creer en lo que ve en el cine y la televisión, o puede elegir el Dogumentalismo” (Lars von Trier).

- Cinco condiciones (De Fem Benspaend). (Dinamarca-Suiza-Bélgica-Francia, 2003) [Color, 88 m.].
Ficha técnica. Dirección: Lars von Trier, Jørgen Leth. Guión: Jørgen Leth, Lars Von Trier, Scott Kosar, Sophie Destin. Fotografía: Kim Hattesen, Dan Holmberg. Productora: Zentropa Real / Almaz Film Productions / Danish Film Institute / Eurimage / ICA Projects / Panic Productions / Wajnbrosse Productions. IMDb
Sinopsis: En 1967, Jørgen Leth realizó un cortometraje de trece minutos titulado “El ser humano perfecto”, en el que analizaba el comportamiento de las personas. Fascinado por el resultado, Lars Von Trier le invitó en el año 2000 a llevar a cabo juntos cinco variaciones sobre aquel asunto, planteándole otras tantas obstrucciones o condiciones que limitaban las posibilidades de rehacer la historia y definir a los personajes. Con ese procedimiento, los dos directores acaban poniendo en tela de juicio las convenciones del género documental y las características fundamentales de la creación cinematográfica. Las “5 condiciones” no fueron otra cosa que restricciones caviladas por Von Trier para incomodar a su amigo y poner a prueba su creatividad. Una vez más, Lars Von Trier filma y reflexiona sobre el cine y su ética. (Culturalia)
Hilo DXC: Cinco condiciones (Leth, Trier, 2003) DVDRip VOSE / VE

Enlaces relacionados.

- El ser humano perfecto (Det Perfekte menneske). (Dinamarca, 1967) [B/N, 13 m.].
Ficha técnica. Dirección: Jørgen Leth. Guión: Ole John, Jørgen Leth. Fotografía: Ole John, Henning Camre. Productora: Laterna Film. IMDb
Intervienen: Claus Nissen (El hombre perfecto), Majken Algren Nielsen (La mujer perfecta), Jørgen Leth (narrador).
Sinopsis. Una habitación blanca y vacía, dos actores y una voz en off que va indicando en qué consiste un humano perfecto para alguien que por primera vez en su vida se topa con uno: “así salta un humano”, “así se cae”, “esta es una oreja”, “esas son dos rodillas” y “¿qué estará pensando el humano?”.
Comentario: Cortometraje original de Jørgen Leth objeto de los 5 remakes u “obstrucciones”.
Hilo DXC: Det Perfekte menneske (Jørgen Leth, 1967) DVDripVOSE

NOTA. Los sufridos castellano hablantes no somos culpables de los retruécanos de la lengua del imperio, que determinan que las búsquedas de "documental dogma" se topen con documentales sobre perros (DOGumentary).

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[marlowe62]

6.2.- La revisión del documental de montaje.


6.2.1.- La deconstrucción del “cine efímero” (desmontaje documental).

Rick Prelinger.

Presidente del proyecto Internet archive, el mayor archivo libre de contenidos multimedia de la red. Archivista, escritor y cineasta, es el fundador de los archivos Prelinger (Prelinger archives), cuya colección de 51.000 películas educacionales, publicitarias, industriales y amateurs, recopilada durante 2 décadas, fue adquirida por la Librería del Congreso de EE.UU. en 2002. Previamente había cedido Internet archive 2.000 films de los archivos Prelinger para que se distribuyeran libremente en la red, con el objetivo de ser tanto consultadas, como descargadas o reutilizadas. En colaboración con Voyager Company, una pionera productora y editora de medios, Prelinger produjo 40 laserdiscs y CD-ROMs con el material de sus archivos, incluyendo “Ephemeral Films”, la serie “Our Secret Century” y “Call It Home: The House That Private Enterprise Built”, un laserdisc dedicado a la historia de los suburbios y la planificación suburbana.
Actualmente es miembro de la National Film Preservation Board representando a la Asociación de Archivistas de Imagen en Movimiento (Association of Moving Image Archivists), y presidente del Internet Archive y de la cinemateca de San Francisco.

- Panorama Ephemera. (Usa, 2004) [B/N-Color, 89 m.].
Ficha técnica. Dirección, Guión Montaje y Producción: Rick Prelinger. IMDb
Comentario: Collage de secuencias procedentes de distintos formatos del “cine efímero” (películas industriales, publicitarias, educativas y amateurs) que conforma un crítico retrato de la América del siglo XX.
Descarga directa: Internet Archive.
Hilo DXC: Panorama Ephemera (Rick Prelinger, 2004) VO

- The Atomic Cafe (El café atómico). (Usa, 1982) [B/N y Color, 88 m.]
Ficha técnica. Director: Kevin Rafferty, Pierce Rafferty, Jayne Loader. Montaje: Kevin Rafferty, Jayne Loader. Fotografía: Christopher Beaver, John Prusack, Kevin Rafferty, Bruce Schermer. Música: Eddie De Lange, Benny Goodman, Lionel Hampton, Franz Liszt, Modest Mussorgsky, Sid Robbin, Miklós Rózsa. Productora : The Archives Project Inc. IMDb
Comentario: Durante los momentos álgidos de la guerra fría surgió una amplia lista de filmes propagandísticos civiles y militares que tenían la finalidad de familiarizar al público con la idea de que la guerra nuclear era "natural", inevitable y que podía ser ganada, y que pretendían entrenar a la población para reaccionar en caso de un ataque nuclear, al tiempo que se sugería espiar a familiares y vecinos para detectar posibles actitudes antipatrióticas.
A finales de la década de los 70, el cineasta Kevin Rafferty, el documentalista Pierce Rafferty y la periodista Jayne Loader, creadores de la productora “The Archives Proyect”, realizaron un ambicioso trabajo de recopilación y selección de imágenes procedentes de lo que Richard Prelinger ha denominado “films efímeros” (que comprende los “géneros bastardos” de la producción educativa, corporativa o institucional, el reportaje industrial o promocional, la publicidad y la propaganda, así como los descartes y excedentes de productos ya en sí concebidos para una vigencia perecedera) generados por la propaganda oficial o semioficial durante la guerra fría y relacionados con la guerra nuclear.
El resultado abrió nuevas perspectivas dentro del género documental de compilación histórica, el “desmontaje documental”, enfocado hacia la utilización dialéctica de las imágenes, con el objeto de denunciar y poner en evidencia un determinado discurso oficial ya caduco mediante el procedimiento de mostrar las filmaciones que lo habían propagado.
Hilo DXC: The Atomic Cafe (1982) DVDRip VOSE

- Moeder Dao, de schildpadgelijkende (Madre Dao, con forma de tortuga). (Holanda, 1995) [B/N, 90 m.].
Ficha técnica. Dirección: Vincent Monnikendam. Montaje: Albert Markus. Productora: Zeitgeist. IMDb
Comentario. "Realizada a partir de un material preexistente aparentemente destinado al olvido o a la desaparición, las filmaciones realizadas por camarógrafos holandeses entre 1912 y 1933 en las colonias de los Países Bajos en el sudeste asiático, el antropólogo y documentalista Vincent Monnikendam concibe un film insólito, que expone de manera evidente la concepción racista y expoliadora con que su país dominó durante siglos a la población de Indonesia. [...]
Esos trabajos brutales y prácticamente inútiles a que son expuestos los aborígenes, esas impúdicas revisiones médicas que anticipan los horrores del siglo, esos sacrificios rituales con que los nativos parecen querer restaurar la relación con sus antecesores tienen en Monnikendam un observador privilegiado, que ha logrado con esas imágenes, a veces terribles, siempre hipnóticas, un film de una rara, dolorosa belleza. Si Madre Dao prescinde completamente de comentarios y se permite apenas el murmullo de algún poema o de una leyenda, es porque Monnikendam confía plenamente en la elocuencia de su material, que se apoya apenas en una imaginería sonora donde los ecos de alguna lejana melodía tribal se confunden con los ruidos metálicos, agobiantes del poder colonial".
- Luciano Monteagudo: “Madre Dao” o los horrores del hombre (blanco), Página/12.
- Luciano Monteagudo: “Un viaje de la tierra virgen a la explotación”, Página/12 (Entrevista con Vincent Monnikendam).
Hilo DXC: Moeder Dao (Vincent Monnikendam, 1995) VhsRip VO

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[marlowe62]

6.2.2.- El documental de "metraje encontrado" (found footage).

Este subgénero del cine experimental abarca aquellos trabajos elaborados total o parcialmente a partir de imágenes ya existentes, manipulados y remontados en muchos casos, con el fin de deconstruir los mensajes emitidos por el cine de Hollywood o por los medios de comunicación de masas. La utilización de metraje ajeno cuestiona además los conceptos de la autoría y de la propiedad intelectual; y como este tipo de apropiación es considerado un robo por la industria, sufre serias trabas para su distribución o su exhibición en televisión (Metrópolis).

6.2.2.1.- Jay Rosemblatt.

Jay Rosenblatt (New York, 1955).

Estudió Literatura y Psicología y se encontraba camino de iniciar su carrera como psicoterapeuta cuando se apuntó a un curso de super-8 y se enamoró del cine. Desde entonces ha realizado numerosas obras con metraje encontrado, partiendo sobre todo de imágenes procedentes de películas educativas y de material de archivo a las que convierte en mosaicos cinematográficos que son, a la vez, analíticos y poéticos.
“Restricted” (Restringido, 1999) es un buen ejemplo de la existencia de componentes psicológicos en los trabajos de Rosenblatt. Esta miniatura, creada en respuesta a una invitación de hacer una película que tratase sobre la memoria, el pecado y el deseo, y presentada como la parodia de un anuncio de Nike, trata sobre un conflicto intrínsecamente americano.
Muchas películas de Rosenblatt parten de una experiencia personal del artista, la cual, sin embargo, consigue llevar a un nivel universal. Así “The smell of burning ants” (Olor a hormigas quemadas, 1994), un ensayo experimental sobre la educación y socialización masculinas con sus componentes de crueldad, esta basado en un recuerdo de la infancia, evocado al ver imágenes de una pelea entre niños. Aunque la película es en su mayor parte autobiográfica, la narración en tercera persona la convierte en documento de una experiencia colectiva.
Uno de los subgéneros cinematográficos que ha hecho buen uso de metraje encontrado es el del documental falso. “Human Remains” (Restos humanos, 1998), una de las obras mas famosas de Rosenblatt, puede, a primera vista ser entendido como un documental falso, pero va mucho mas allá de éste. El trabajo se compone de retratos de cinco dictadores (Hitler, Mussolini, Stalin, Franco y Mao), tristemente famosos por las atrocidades cometidas. Sin embargo, en esta película de omisión sólo se habla de detalles mundanos de su vida personal, lo cual crea una fuerte disensión en el espectador.
“Prayer” (Oración, 2002) es la contribución personal de Jay Rosenblatt al proyecto “Underground Zero”, que reunió 65 trabajos de cineastas independientes invitados por Rosenblatt y el también realizador Caveh Zahedi a aportar sus reflexiones acerca de los acontecimientos del 11 de septiembre de 2001 y sus secuelas en EEUU. La iniciativa, según el artista, fue una reacción tanto ante los hechos mismos como ante el tratamiento unidimensional de estos por parte de los medios de comunicación.
El trabajo seguramente mas sentido de Jay Rosenblatt es “Phantom Limb” (Miembro fantasma, 2005). La película que toma su título del fenómeno que suelen experimentar personas que han sufrido una amputación, parte de la experiencia traumática que supuso para el artista la muerte de su hermano pequeño cuando eran niños. Pero incluso aquí Rosenblatt se resiste a limitarse a reflexiones sobre su pérdida y dolor personales; mas bien ha conseguido realizar un documental poético a través del cual esboza posibles caminos hacia la curación para todo aquel que ha sufrido una pérdida.
“I like a lot” (¡Qué rico está!, 2004) también es una película muy sentida y personal. Como todas las películas protagonizada por la hija del artista, está compuesta enteramente por material rodado y supone un buen contrapeso a los temas oscuros sobre los que habitualmente trabaja Rosenblatt: aquí la curación se produce a través de la risa (RTVE. Metrópolis, 10 Abril 2006).

- Human Remains (Restos humanos). (Usa-Dinamarca, 1998) [Color, 30 m.]
Ficha técnica. Dirección, Guión, Montaje y Producción: Jay Rosenblatt. Productora: Danish Film Institute.
Comentario: Human Remains se (de)construye a partir del montaje de imágenes de archivo de fragmentos biográficos y diarios personales del siglo XX: Hitler, Franco, Stalin, Mussolini y Mao. Se recogen, aislados, fragmentos y anécdotas de sus vidas. Se huye de su papel en la historia y se muestra la faceta más íntima. Desmitifica estos personajes y los acerca a la ciudadanía corriente. Mussolini tenía dos leones, a Franco le gustaba ver la televisión sentado en el sofá con su mujer, a Hitler le gustaba mucho la pornografía y, al igual que Mao, sólo tenía un testículo. El tono humorístico de la pieza es capaz de cautivar audiencias mientras posiciona en el terreno de la ironía los graves hechos históricos que protagonizaron estos personajes.
Web: jayrosenblattfilms (clips en formato quicktime).
Hilo DXC: Human Remains (Jay Rosenblatt, 1999)

Enlaces relacionados:

Las películas domésticas de Eva Braun (1933-45) VHSRip

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[marlowe62]

6.2.2.2.- Péter Forgács.

Al director de cine y videocreador húngaro Péter Forgács le gusta citar a el Tractatus Philosophicus de Wittgenstein cuando se le pregunta por su obra: “Todo lo que vemos podría ser de otra manera. Cualquier cosa que describimos podría ser también distinta”. Forgács ha ganado fama y reputación internacional por sus extraordinarias series de películas de recopilación a partir de materiales amateur rodados en Europa antes y después de la Segunda Guerra Mundial [...]. Es, sin duda, el representante más brillante de cuantos trabajan actualmente en el reciclado y reutilización de imágenes de la historia y, por ese camino, en una de las figuras más innovadoras de la vanguardia y la no-ficción (Punto de vista, 2006).

“No soy un documentalista, soy un arqueólogo de la memoria” (Péter Forgács).

- Egy úrino notesza - Privát Magyarország 8 (The Notes of a Lady. Private Hungary 8 / Hungría Privada, 8). (Hungría, 1994) [B/N-C., 49 m.].
Ficha técnica. Dirección: Péter Forgács. Montaje: Márta Révész. Música: Tibor Szemzõ. Producción: György Durst, Jolán Árvai.
Sinopsis. «We travel “a la rechereche du temps perdue” with Baroness Jeszenszky, and her forgotten Hungarian aristocrat film diary, from her Buda villa to their Castle in Tolna County. The reanimated images of the past enchant us, the estate, the park, the harvest, the servants, the travels, the dogs the neighbors visits, the peasants, the hunting, the marriage, or all the pomp. As red ivy shines the disappeared universe of the aristocracy from the scratchy films. The world of the aristocracy sank like an Atlantis when the Big World War burned the land and later the Communist nationalized what's left...» (forgacspeter, incluye clip introductorio)
Hilo DXC: The notebook of a Lady (Péter Forgács, 1994)

- Miközben valahol...1940-43 - Az ismeretlen háború (Meanwhile somewhere... 1940-43. An Unknown War series 5/3). (Hungría, 1994) [B/N, 52 m.]
Ficha técnica. Dirección y Producción: Péter Forgács. Montaje: Zsuzsa Gönczi. Música: Tibor Szemzõ. Productora: Hans Bosschert / La Camera Stylo / RTBF / BBSA / Hungarian TV1 /Duna TV
Comentario: Brillante trabajo de investigación en imágenes de archivo inéditas (sobre todo filmaciones domésticas) rodadas durante la Segunda Guerra Mundial. Con un lenguaje audiovisual cercano al minimalismo, del montaje emerge una clara imagen de la humillación y el sufrimiento que supuso la guerra. Destaca asimismo la pulcritud estética a la hora de combinar secuencias de diferentes lugares, momentos y personas (CCCB).

- The black dog. Stories from the Spanish Civil War (El perro negro. Historias de la guerra civil española). (Holanda-Hungría, 2004) (B/N, 84 m.)
Ficha técnica. Dirección: Péter Forgács. Montaje: Kati Juhász. Productora: Lumen Film Norte Prinsengracht. IMDb
Material original rodado por: Jose Ernesto Diaz Noriega, Joan Salvans i Piera, Ignacio Salvans i Piera, Modest Solsona, Isadoro Navarrete, Daniel Jorro, Jesus Visa, Juan Vallbona, Russell Palmer.
Comentario: Poético collage de películas caseras, registradas casi al descuido por artistas amateurs, Joan i Salvans y Joan Ernesto Díaz Noriega. Ernesto, estudiante de clase media de Madrid, sobrevive a la guerra; Joan, un industrial catalán, muere asesinado seis días después del estallido del conflicto. Sus filmes, sus historias, nos conducen a través de la España de los años 30 y 40. Estas películas se convierten en la original historia de una vida personal, que nos lleva a conocer el pasado oculto, los matices históricos, del desarrollo de la guerra. “El Perro Negro” establece en nosotros una profunda conexión entre la imaginación, la memoria, y nuestra mirada para con nuestra propia vida privada. (FICHLA 2006 / forgacspeter)
Enlace: Peter Forgacs - El perro negro (Historias de la Guerra Civil Española).wmv (captura del canal ARTE, en francés)

- Miss Universe 1929. Lisl Goldarbeiter - A Queen In Wien (Austria, 2006) [B/N, 70 m.].
Ficha técnica. Dirección y Guión: Péter Forgács. Montaje: Péter Sass. Música: Lásló Melis. Producción: Cesar Messemaker, Georg Misch, Ralph Wieser. Productora: Lumen Film / Mischief Films / For-Creation Bt. IMDb
Sinopsis: Un documental personal sobre la vida de Lisl Goldarbeiter, la primera y única Miss Universo austriaca, y de su primo Marci Tenczer, que mantuvo su cámara enfocada en ella durante toda su vida. Una película sobre fama internacional y amor eterno en la Viena de los años 30. (LaButaca / forgacspeter)

Otros films de Péter Forgács (filmografía completa: forgacspeter):

- A Bartos család - Privát Magyarország 1 (The Bartos Family - Private Hungary 1). (Hungría, 1988) [B/N, 60 m.].
- Polgár Szótar - Privát Magyarország 7 (Bourgeois Dictionary. Private Hungary 7). (Hungría, 1992) [B/N, 45 m.].
- Wittgenstein Tractatus. 7 video paragraph (Hungría, 1992) [B/N, 35 m.]. IMDb
Hilo DXC: Wittgenstein Tractatus (Péter Forgács, 1992) VHSRip VO
- The Danube Exodus (Péter Forgács, 1998) [B/N-Color, 60 m.]. IMDb
Enlace: Peter Forgacs - The Danube Exodus (1998).avi
- A Püspök kertje - Privát Magyarország 14 (The Bishop’s Garden - Private Hungary 14). (Hungría, 2002) [B/N, 56 m.].

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6.2.2.3.- Yervant Gianikian y Angela Ricci Lucchi.

Yervant Gianikian y Angela Ricci Lucchi constituyen una de las parejas de realizadores más importantes del cine documental y experimental de los últimos años. Desde mediados de la década del 70 hasta su más reciente trabajo, Ghiro Ghiro Tondo, han trabajado con distintos materiales de archivo (cinematográficos y de los otros: juguetes, fotos, etc.) para dar cuenta del inexorable fracaso de la humanidad en sus intentos por vencer a sus eventuales enemigos.
Sus comienzos fueron con una serie de cortometrajes donde experimentaban con los aromas, Cesare Lombroso, sull'odore del garofano (1976) o Cataloghi - non é altro gli odore che sente (1976), y con los cuales se detenían en el registro de colecciones de objetos propias y ajenas.
Pero con el hallazgo de un conjunto de películas en 9,5 mm (actualmente un formato poco común, introducido al mercado en el año 1922), Gianikian y Ricci Lucchi no sólo encontraron un depósito que haría las delicias de cualquier coleccionista, sino el camino que recorrerían con su obra en el futuro: el metraje encontrado o found footage como base y, como ubicación temática temporal, las dos grandes guerras y sus consecuencias.
Pero así como convirtieron los juguetes infantiles que aparecen frente a cámara en Ghiro Ghiro Tondo en una representación del horror, su capacidad para cargar de nuevos significados las imágenes del pasado -mediante exactas modificaciones de la velocidad, el agregado de música o simplemente refotografiando películas antiguas- las transforman en perfectas resonancias del presente. La Trilogía de la Guerra que componen Prigionieri della guerra, Su tutte le vette è pace y Oh! Uomo, comprime de manera clara sus intenciones y sus logros. Gianikian, de origen armenio, se formó como arquitecto en Venecia y Ricci Lucchi (italiana) estudió pintura en Austria con Oskar Kokoschka. Pero es el trabajo de mirar, seleccionar y agrupar de manera artesanal todo ese material fílmico, lo que los convierte, además, en arqueólogos, historiadores y artistas.
Los cuerpos y objetos que se registran en sus films se hallan, muchas veces, en el mismo estado de desintegración que el soporte fílmico que los contiene. Y como su interés no es el de aleccionar, sino el de explotar las posibilidades poéticas de las imágenes, finalmente terminan retratando la gran batalla que la humanidad nunca pudo vencer: la del tiempo (Leandro Listorti, “Los guerreros del tiempo”. BACIFI 10).


- Prisioneros de guerra, 1914-1918 (Prigionieri della Guerra). (Italia, 1996) [B/N, 62 m.].
Ficha técnica. Dirección, Guión, Fotografía y Montaje: Yervant Gianikian, Angela Ricci Lucchi. Productora: Museo Storico in Trento. IMDb
Sinopsis. Documental de montaje que compila material de archivo inédito (especialmente ruso y austro-húngaro) sobre los campos de prisioneros durante la PGM, analizando y comparando los informes cinematográficos militares de ambos bandos sobre las condiciones de vida de los soldados capturados, refugiados y huérfanos, reemplazando todos los intertítulos originales por otros que especifican la localización y la temática de las tomas. Primera entrega de la “Trilogia della guerra”, completada por Su tutte le vette è pace (1998) y Oh, Uomo! (2004).
Hilo DXC: Prigionieri della guerra (Gianikian, Ricci Lucchi, 1995)

- Sobre todas las cumbres está la paz (Su tutte le vette è pace). (Italia, 1998) [B/N, 71 m.].
Fiacha técnica. Dirección: Yervant Gianikian y Angela Ricci-Lucchi. IMDb
Comentario: Trabajando nuevamente con material de archivo del período mudo, esta segunda incursión de Gianikian y Ricci-Lucchi es una deconstrucción de imágenes de propaganda y exhibición de poder, procedentes de dos films realizados durante la Primera Guerra Mundial, a raíz del conflicto entre italianos y austrohúngaros en los Alpes. Los realizadores han recompuesto y coloreado esas imágenes, añadiéndoles una banda sonora musical creada en gran parte para esta película.
Enlace: Yervant Gianikian & Angela Ricci Lucchi - Su tutte le vette e pace 1998 TVRip CiNEMAGROTESQUE.avi

- Oh, Uomo! (Italia, 2004) [B/N, 71 m.]
Ficha técnica. Dirección, Guión y Montaje: Yervant Gianikian y Angela Ricci-Lucchi. Productora: Museo Storico di Trento. IMDb
Comentario: Este film concluye la trilogía sobre la Primera Guerra Mundial, dejando de lado los emblemas del totalitarismo para centrarse en el sufrimiento físico del individuo. A través de la representación de la violencia del hombre hacia el hombre, reelaborando nuevamente material de archivo de fines de los años 10 y comienzos de la década del 20, Gianikian y Ricci-Lucchi realizan un inventario anatómico de los cuerpos dañados de los soldados y examinan las consecuencias del conflicto en los niños.


- Inventario Balcánico (Inventario Balcanico). (Italia, 2000) [B/N, 63 m.].
Ficha técnica. Dirección y Guión: Yervant Gianikian, Angela Ricci Lucchi. Música: Djivan Gasparian. Productora: Biennale di Venezia Cinema.
Comentario. Partir de las historias “pequeñas”, aquellas registradas por cámaras pequeñas, improvisadas o amateur (en todo caso, no profesionales), para intentar una aproximación a las historias más “grandes”. Eso es lo que logra la pareja de realizadores Yervant Gianikian y Angela Ricci Lucchi, al reutilizar material filmado por camarógrafos anónimos, durante las décadas de 1920, 30 y 40, para explorar las masacres provocadas durante los enfrentamientos en la zona de la ex Yugoslavia. De esa manera, como en las anteriores Prigionieri della guerra y Su tutte le vette è pace, los horrores de la guerra dan forma a una magnífica y múltiple reflexión acerca del avance del tiempo, el retroceso de los cuerpos frente a la maquinaria tecnológica y el cine como escudo contra el olvido (Leandro Listorti, “Los guerreros del tiempo”. BACIFI 10).
Hilo DXC: Balkan Inventory + Nocturne (Gianikian/Ricci Lucchi 2000) TVRip VO

Otros films de Yervant Gianikian y Angela Ricci Lucchi.

- Dal Polo all'Equatore (Italia-RFA, 1987) [B/N, 96 m.] IMDb
Enlace: Yervant Gianikian, Ricci-Lucchi Angela - Dal polo all' equatore.AVI
- Lo specchio di Diana (Italia, 19986) [Color, 31 m.].
Enlace: Yervant Gianikian & Angela Ricci Lucchi - Lo Specchio di Diana 1996 TVRip CiNEMAGROTESQUE.avi
- Images d'Orient - "Tourisme vandale" (Immagini d'Oriente - "Turismo vandalo"). (Francia, 2001) [Color, 64 m.]
Enlace: Gianikian Ricci Lucchi - Immagini d'Oriente - 2001.avi
- Frammenti elettrici nº 5. Africa. (Italia, 2005) [Color, 30 m.]-
Hilo DXC: Frammenti elettrici n.5 (Gianikian & Lucchi) TVRip VO.
- Ghiro Ghiro Tondo (Italia, 2007) [Color, 61 m.]
Enlace: [DivX - ITA) Ghiro ghiro tondo (di Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, ITA 2007, TVrip).avi

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[marlowe62]

6.2.3. El cine de apropiación.

6.2.3.1.- Craig Balwin.

El realizador estadounidense Craig Baldwin (Oakland, California; 1952) se encuentra entre las figuras más destacadas del cine experimental contemporáneo, en particular entre aquellos artistas que realizan su obra dentro de los parámetros del found footage (metraje encontrado). Autor de un cine marcadamente politizado, donde la denuncia va de la mano con una muy ácida ironía, el cine de Baldwin también destaca por la maestría con la cual realiza un trabajo de montaje que habitualmente subvierte el sentido original de las imágenes que utiliza.
Graduado por la San Francisco State University en 1986, Baldwin trabajó allí bajo la supervisión del realizador experimental Bruce Conner, aunque confiesa que sus dos más poderosas influencias son las del documentalista Emile de Antonio y del politólogo y analista de los medios Noam Chomsky. Además de ello, reconoce tener deudas con el movimiento Beat estadounidense y, ya desde un punto de vista quizás más filosófico, con el Movimiento Internacional Situacionista, que dirigiera Guy Debord.
Aunque su primera película fue Wild Gunman (1968), no es sino hasta Flick Skin (1977) que Baldwin revela su inclinación por la manipulación de imágenes tomadas del archivo de la cultura popular y masiva. Por aquella época, mientras vivía encima de un teatro dedicado a la proyección de películas porno, Baldwin se dedicó a reunir trozos de película desechados por los proyeccionistas y que él recogía en los alrededores del teatro. En su trabajo como promotor destacan iniciativas como Other Cinema, programa de proyecciones que promueve el trabajo de cineastas que trabajan en el estilo del denominado “cine pobre”, y Other Cinema Digital, agrupación dedicada a promover el trabajo de cineastas experimentales, underground e independientes.
Sus obras más conocidas son Tribulation 99: Alien Anomalies Under America (1991), obra que le mereció ser ganador del premio Goldie otorgado por el diario San Francisco Bay Guardian, Sonic Outlaws (1995) y Spectres of the Spectrum (1999).
- “Para presentar a Craig Baldwin”. Miradas. Revista del audioviosual.


- Sonic Outlaws. (Usa, 1995) [Color, 87 m.]
Ficha técnica. Director: Craig Baldwin. Fotografía y Montaje: Bill Daniel Productora: Other Cinema. IMDb
Sinopsis. Documental dirigido por Craig Baldwin sobre el caso U2 vs. Negativland. En 1991 el grupo de rock Negativland, por aquel entonces en la discográfica SST, utilizó un corte de 20 segundos de “I Still Haven't Found What I'm Looking For” de U2 y ambos fueron demandados por Island, la discográfica de U2. La imagen “progre” de U2 sufrió un fuerte deterioro y Negativland tuvo oportunidad de sacar a la luz las experiencias de los músicos que juegan con sonidos encontrados, tengan o no copyright, como materia prima para nuevas obras (Ladrilio).
Comentario. Baldwin, que había trabajado con Negativland, montó un documental basado fundamentalmente en entrevistas alrededor del tema del copyright. Para Baldwin, practicante del found footage, el copyright constituye un modo de control que impide la posibilidad de volver a dar significado a las construcciones culturales heredadas (Miradas. Revista del audioviosual).
Hilo DXC: Sonic Outlaws (Craig Baldwin, 1995) VO

- Tribulation 99: Alien Anomalies Under America (Tribulación 99: anomalías extraterrestres debajo de los Estados Unidos). (Usa, 1991) [B/N-Color, 48 m.]
Ficha técnica. Dirección, Guión y Montaje: Craig Baldwin. Productora: Other Cinema.
Comentario: Una narración en off nos advierte y ofrece una detalladísima crónica de una supuesta invasión extraterrestre y su papel en las revoluciones, enigmas, complots entre gobiernos y desastres naturales del último siglo. Delante de nuestro ojos, en la pantalla, un montaje (término nunca tan oportuno) de segmentos de películas de terror, ciencia ficción, documentales, de dibujos animados, educacionales, noticieros y comerciales. Craig Baldwin creó este divertido frankenstein cinematográfico, que es al mismo tiempo una sátira conspirativa de la política interna y externa de los Estados Unidos, un verdadero trabajo de arqueología fílmica y un pilar en la tradición estética experimental de metraje encontrado. Una obra maestra del cine norteamericano de los últimos años. (Pablo Marín, "Found Footage - Craig Baldwin". La Región Central)
Enlace: Tribulation 99 - Craig Baldwin - 1992.avi
Enlace: Craig.Baldwin.-.Tribulation.99.Alien.Anomalies.Under.America.(1991).mpg

Otros films de Craig Baldwin.

- Wild Gunman (USA, 1978) [20 m.]. IMDb
Hilo DXC: Wild Gunman (Craig Baldwin, 1978) VO
- RocketKitKongoKit (Usa, 1986) [Color, 30 m.]. IMDb
Hilo DXC: Rocket Kit Kongo Kit (Craig Baldwin, 1986) VO
- ¡O No Coronado! (Usa, 1992) [B/N-Color, 40 m.].
Hilo DXC: O No Coronado (Craig Baldwin, 1992) VHSRip VO
- Spectres Of The Spectrum (Usa, 1999) [B/N-Color, 94 m.]. IMDb
Hilo DXC: Spectres Of The Spectrum (Craig Baldwin, 1999) VO
- Mock Up on Mu (Usa, 2008) [Color, 115 m.].
Enlace: mock upon mu.avi (sin confirmar)

6.2.3.2.- Brian Springer.

Brian Springer (1959) es un videoartista graduado en la Universidad Estatal de Nueva York, en Buffalo. Durante años ha centrado su trabajo en los medios de comunicación, especialmente en la promoción del acceso a las herramientas de producción y la creación de foros de discusión acerca de los medios. Hacia finales de los 80, durante su residencia en el Hallwalls Contemporary Art Center en Buffalo, comenzó a experimentar con las nuevas tecnologías de comunicaciones con el objeto de capturar las imágenes sin procesar trasmitidas vía satélite hacia las estaciones locales de televisión.
Bajo el seudónimo de Colonel Noonan , Springer emprendió un proyecto de investigación basado en esta práctica, con el objeto de desnudar los mecanismos televisivos de selección y contextualización de la información y también para desvelar los procesos de construcción y montaje del espectáculo televisivo y de las personas públicas que aparecen en él. A partir de esa actividad surgió el documental Spin, una obra de una hora de duración que condensa los momentos más reveladores de lo que él considera el permanente reality show que fueron las elecciones presidenciales norteamericanas de 1992 (Naranjas de Hiroshima).

- Spin. (Usa, 1995) [Color, 57 m.].
Ficha técnica. Dirección, Guión y Montaje: Brian Springer. Música: Aqua Velveeta. Producción: Wolfgang Podgorschek, Brigitte Prinzgau, Brian Springer. IMDb
Intervienen: Al Gore, Bill Clinton, Laura Bush, Jon Voight, George H. W. Bush, Pat Robertson, Larry Agran.
Sinopsis. Durante la campaña de las elecciones presidenciales de 1992 en Estados Unidos, Brian Springer rastrea las emisiones por satélite de las cadenas de televisión para capturar las imágenes en bruto de políticos y periodistas. El resultado es un profundo y revelador análisis del papel de la televisión como herramienta de control social y las prácticas de construcción (distorsión) mediática de la realidad política.
Hilo DXC: Spin (Brian Springer, 1995) VOSE

Otros films de Brian Springer.

- The Disappointment: Or, The Force of Credulity (Usa, 2007).


Enlaces relacionados

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- Illegal Art Exhibit collection (Usa, 2002).
Ficha técnica. Dirección: varios. Sponsor: Stay Free magazine's Illegal Art Exhibit.
Sinopsis: Each of these films is from Stay Free magazine's Illegal Art Exhibit, which critically examines the impact of copyright law on freedom of expression. The films include Todd Hayne's "Superstar"; Paul Harvey Oswald's "A Natural Thing"; "Black Thunder" by Bill Wasik, Eugene Mirman and Brian Spinks, Eric Fensler's "GI Joe PSAs"; Brian Springer's "Spin"; and Brad Neely's "Wizard People, Dear Reader".
Descarga directa: Internet Archive.
(Archivos independientes en formato mpg4 y Ogg de A natural Thing, Black Thunder, GI Joe PSAs y Spin)

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[marlowe62]

6.3.- ¿Quien mató a la mosca en la pared?


6.3.1.- La etnografía experimental.

6.3.1.1.- La revisión del discurso etnocentrista. Trinh T. Minh-ha.

- Reassemblage. (Senegal-Usa, 1982) [Color, 40 m.]
Ficha técnica. Dirección: Trinh T. Minh-ha. Producción: Trinh T. Minh-ha, Jean-Paul Bourdier. IMDb
Comentario: «Reassemblage es una reflexión sobre el cine etnográfico que explora el límite del modelo exposicional o interpretativo. Una voice over, poética y sugestiva, plantea cuestiones relacionadas con el trabajo etnográfico mientras la pantalla nos muestra imágenes de la vida cotidiana de un poblado en el Senegal. De este modo, la autora protesta contra el predominio de una ciencia que pretende agotar todos los campos del conocimiento y mostrarse como la única vía válida y certera de llegar a la verdad. Su reflexión crítica es un toque de atención contra esa unilateralidad, contra la ilusión de “neutralidad” científica. No pretende explicar nada de Senegal, no pretende describir nada de los peul o los bassari, solo expresar sus propios pensamientos sobre la función de la etnografía y de la antropología en el contexto de una sociedad mundial marcada por relaciones desiguales de poder. “No intento hablar sobre, tan solo hablar al lado de”». (Elisenda Ardèvol Piera: La mirada antropológica o la antropología de la mirada).

- Surname Viet Give Name Nam. (Usa, 1989) [Color, 108 m.]
Ficha técnica. Dirección, Guión, Montaje y Producción: Trinh T. Minh-ha. Fotografía: Kathleen Beeler. Productora: Idera Films. IMDb
Comentario: «En Surname Viet Given Name Nam utiliza el recurso de la entrevista para cuestionar la pretensión de “veracidad” de esta técnica y su capacidad de captar la propia expresión de los sujetos. Las convenciones del cine documental que demuestran la autenticidad de los hechos que presenta se pueden copiar perfectamente mediante la ficción. El espectador no tiene posibilidad de reconocer la diferencia. La película parece transcurrir en Vietnam y muestra a distintas mujeres campesinas vietnamitas hablando sobre su experiencia. La presentación de la película fue un escándalo, ya que al final de la proyección las “supuestas” campesinas eran estudiantes vietnamitas-norteamericanas, la película se había rodado en América y las respuestas a las preguntas habían sido escritas por la propia autora». (Elisenda Ardèvol Piera: La mirada antropológica o la antropología de la mirada).

6.3.1.2.- Forzando la realidad: el “observador participante”. Dennis O'Rourke.

- Cannibal Tours (The Conrad Package Tour). (Australia, 1988) [Color, 70 m.].
Ficha técnica. Dirección, Fotografía y Producción: Dennis O'Rourke. Productora: Institute of Papua New Guinea Studios. IMDb
Sinopsis. Dennis O’Rourke retrata a un grupo de turistas que visita Papúa Nueva Guinea, gracias a una excursión prepago, emulando a “El corazón de las tinieblas”. En un mundo cada vez más pequeño, la película cuestiona los motivos por los que las personas “civilizadas” quieren encontrarse con “lo primitivo”, revelando lo banales y falsos que pueden llegar a ser nuestros valores más preciados.
Comentario. «Cannibal Tours (1988) de Dennis O'Rourke, es una producción sobre un grupo de turistas occidentales que emprenden un viaje a través del río Sepik en Papua-Nueva Guinea. O'Rourke utiliza una metodología de filmación basada en la observación-participante, en el sentido de que la cámara interacciona con sus sujetos (turistas y ribereños) preguntándoles directamente sobre su experiencia del turismo, a la vez que los observa en su contexto y forma parte de ese contexto que observa. La cámara se comporta con los turistas como un turista más, mientras que, con los ribereños, busca la complicidad de quien conoce bien su lengua y su cultura. La cámara es cómplice tanto de los turistas como de los nativos, se identifica con ambos, y en la yuxtaposición de ambas voces -en el montaje-, el autor abre su propia reflexión sobre el turismo sin necesidad de recurrir a una voz narradora. Cannibal Tours descubre un viaje imaginario de los turistas hacia el pasado primigenio, hacia el paraíso perdido y hacia la “sociedad primitiva”; una ilusión que necesitan mantener y reforzar los propios nativos, ya que el turismo es una fuente de ingresos que no pueden despreciar, aunque sólo una parte muy pequeña vaya a sus bolsillos. Es el relato de un desencuentro cultural: la reconstrucción de un diálogo entre turistas y nativos que no se producirá nunca». (Elisenda Ardèvol Piera: La mirada antropológica o la antropología de la mirada).
Hilo DXC: Cannibal tours (Dennis O'Rourke, 1988) VOSE

- The Good Woman of Bangkok. (Australia-GB, 1991) [Color, 82 m.]
Ficha técnica. Dirección, Guión, Fotografía y Producción: Dennis O'Rourke. Montaje: Tim Litchfield. Productora: O'Rourke and Associates / Australian Film Comission / Chanel Four Films. IMDb
Comentario: Dennis O´Rourke, con 43 años y un matrimonio roto detrás, se desplaza a Bangkok para conocer a una prostituta y hacer una película. Aoi, caña de azúcar, trabaja como prostituta en las barras americanas de Patpong. La película registra la relación que se establece entre ellos. Un documental sobre la prostitución como metáfora del capitalismo, como metáfora de todas las relaciones entre hombres y mujeres, y sobre las tendencias voyeurísticas inherentes al hecho de hacer cine y de ver cine (MUSAC).

Otros films de Dennis O'Rourke.

- First Contact (Australia-Canadá-Usa, 1983) [B/N-Color, 58 m.]. IMDb
- Half Life (Half Life: A Parable for the Nuclear Age). (Australia, 1986) [Color, 87 m.]. IMDb
- Cunnamulla. (Australia, 2000) [Color, 82 m.]. IMDb
Hilo DXC: Cunnamulla (Dennis O'Rourke, 2000) VHSrip VO

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[marlowe62]

6.3.2.- El documental en primera persona.


6.3.2.1.- El cine autobiográfico.

Ross McElwee (Carolina del Norte, 1947) transgrede los dogmas del cine directo. El primero, que el autor debe ser invisible. Convertido en protagonista de sus documentales, el realizador camina en un sutil ejercicio de equilibrismo entre lo objetivo y lo subjetivo. “Yo busco un equilibrio de ritmo entre la mirada a mí mismo y al mundo exterior para no caer en la autoindulgencia. Pero me gusta la subjetividad y la uso cuando la necesito”.
Sin planes previos, cada proyecto está sometido al devenir de las circunstancias personales y familiares de McElwee. Con la película que lo hizo célebre en 1986, Shermans's March, quería analizar los efectos de las campañas del militar yankee en los Estados del Sur durante la guerra civil estadounidense. Pero, recién abandonado por su novia, acabó meditando sobre las relaciones amorosas. Time indefinite (1994) pretendía ser la crónica del matrimonio y nacimiento del primer hijo del cineasta, pero la muerte de su padre lo convirtió en un ensayo sobre el paso del tiempo. En Bright leaves (2003), su último documental hasta la fecha, McElwee quería explorar las raíces familiares de su bisabuelo, un magnate tabaquero que perdió su fortuna. Terminó por retratar los efectos sociales del consumo de cigarrillos. El sentido del humor alivia la gravedad de los temas. “Creo que el humor me permite afrontar situaciones que no son nada divertidas. No podría haber hecho documentales sin humor y creo que si no hubiera usado la primera persona en mis documentales, no podría haberlo utilizado” (Isabel Lafont, “El padre de Michael Moore”. El País, 09/02/2008).


- Sherman's March (Sherman's March: A Mediation to the Possibility of Romantic Love in the South During an Era of Nuclear Weapons Proliferation / La marcha de Sherman). (Usa, 1987) [Color, 157 m.].
Ficha técnica. Dirección, Fotografía y Montaje: Ross McElwee. Productora: First Run Features. IMDb
Intervienen: Ross McElwee, Patricia Rendleman (Pat), Burt Reynolds, Charleen Swansea.
Sinopsis: Cuando al documentalista Ross McElwee le deja su novia, éste decide seguir la ruta que trazaron las tropas del General Sherman hacia Atlanta durante la Guerra de Secesión. En su viaje, que acaba resultando divertidísimo, el cineasta indaga sobre el amor y el halo de misterio que rodea a las mujeres del sur (DocumentaMadrid06).
Comentario: Ross McElwee ha conformado en su obra, retratando su propia familia, una ácida radiografía del eterno sur de los EE.UU. Su proyecto de seguimiento del recorrido de la Gran Marcha del general Sherman durante la Guerra de Secesión desemboca en la búsqueda del verdadero idilio, de la cual emerge con humor y ironía, a través de les confesiones sexuales de ocho mujeres, el reflejo de un mundo atrapado entre la Guerra Civil, la desolación y la paranoia nuclear. Sherman´s March nos plantea: ¿se puede filmar la propia vida y vivirla al mismo tiempo? (CCCB).
Hilo DXC: Sherman's March (Ross McElwee, 1986) DVDrip VO

- 6 O'Clock News (Las noticias de las 6 / Six O'Clock News). (Usa, 1996) [Color, 90 m.]
Ficha técnica. Dirección, Guión y Montaje: Ross McElwee. Producción: Ross McElwee, Michael Sullivan. Productora: Channel Four Films / Homemade Movies. Episodio nº 135 de la serie de TV “Frontline”. IMDb
Comentario: ¿Quién no se ha preguntado alguna vez quiénes son aquellas personas que un buen día salen en las noticias? ¿Qué hacían antes de salir por la tele y qué se ha hecho de sus vidas después? Ross McElwee emprende en solitario, con la única compañía de su cámara, una gira por ciudades norteamericanas, grabando los informativos locales en busca de historias interesantes. Cuando alguna le llama la atención, va en su búsqueda y dedica unas semanas a sus protagonistas, rodándoles, profundizando en los retratos. La colección de personajes y fragmentos de informativos se mezcla con el crecimiento del hijo del director hasta formar un mosaico de historias que ponen en duda la construcción de la realidad que propone la televisión. (DocumentaMadrid06)

Otros films de Ross McElwee.

- Charleen or How Long Has This Been Going On? (Usa, 1980) [Color, 54 m.]. IMDb
- Time Indefinite. (Usa, 1993) [Color, 114 m.]. IMDb
Hilo DXC: Time Indefinite (Ross McElwee, 1993) DVDRip VO.
- Bright Leaves (Usa-GB, 2003) [Color, 107 m.]. IMDb
Enlace: Bright Leaves (Ross Mcelwee 2003).avi
- In Paraguay (Usa, 2008) [Color, 78 m.]. IMDb

- CUEVAS, Efrén y GARCÍA, Alberto N. (Eds.): Paisajes del yo. El cine de Ross McElwee. Navarra, Ediciones Internacionales Universitarias (EIUNSA), 2008; 344 pp.
- Ross Mcelwee / Homemade Movies Inc.

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- David Holzman's Diary (El diario de David Holzman). (Usa, 1967) [Color, 74 m.]. (Falso documental)
Ficha técnica. Dirección, Guión y Montaje: Jim McBride. Fotografía: Michael Wadleigh. Producción: Jim McBride. Productora: Paradigm.IMDb
Sinopsis: Un director amateur atormentado registra su vida durante una semana. La inestable relación con su pareja, sus impulsos voyeristas y sus tentativas vanguardistas con la cámara conforman un ácido autorretrato. Obra seminal del documental en primera persona y de la estética del fracaso.
Comentario: Primera película de Jim McBride, David Holzman's Diary (1967), citada a menudo como una influencia para otros realizadores, y protagonizada por L.M. Kit Carson (más tarde co-guionista de Paris, Texas), capta con gracia y aparente ligereza una serie de problemáticas mayores sobre la imagen en la era de la masificación de los medios de registro; algo que hoy no sólo está vigente sino llevado mucho más lejos.
Al quedar cesante, y además sentir que puede ser reclutado en cualquier momento para partir a Vietnam, Holzman se hace de una cámara y una grabadora sincrónica y decide cándidamente registrar su vida. Pregunta de base: ¿a quién le importa? Pero además en su vida no existe sólo él, sino otra gente, como su novia, que por lo tanto deben aparecer también. Quiéranlo o no. La cámara se transforma en agresión, en arma de posesión del otro. O de apropiación de un espacio –cuando Holzman sale a filmar su barrio neoyorquino- y testimonio de un tiempo.
Es la manía del momento por captarlo todo sin cuestionarse la utilidad y la legitimidad del gesto la que está satirizada en primer lugar. Pero también el status de la imagen y, por supuesto, su verosimilitud por la simple razón de aparentarse a un estilo asociado a la realidad o –aún más peligrosamente a partir de su nombre- la verdad (Mabuse).
Hilo DXC: David Holzman's diary (Jim McBride, 1967) DVDRip VO

- My Girlfriend's Wedding (Usa, 1969) [Color, 60 m.].
Ficha técnica. Dirección y Guión: Jim McBride. Fotografía: Michael Wadleigh. Montaje: Mike Levine, Jim McBride. Productora: Paradigm Pictures. IMDb
Intervienen: Clarissa Ainley (the girlfriend), Jim McBride.
Comentario. Aunque la cámara se sitúa más bien en tercera que en primera persona, My Girlfriend's Wedding es la revelación de algo completamente íntimo, como el diario de vida, sólo que con la connivencia total de los demás involucrados. La posición de McBride como cineasta y sujeto tiene su correlato en su posición dentro de la historia que cuenta. El cineasta había conocido muy recientemente a la británica Clarissa Ainley, que sería su pareja por varios años, cuando ella ya había planificado un matrimonio para obtener sus papeles y quedarse en los Estados Unidos. Así es que él decide documentar tanto el evento como su fascinación por Clarissa, que se devela frente a la cámara con total impudor (Mabuse).

- Pictures from Life's Other Side (Usa, 1971) [B/N, 45 m.].
Ficha técnica. Dirección y Guión: Jim McBride. Fotografía: Joe Ainley, Jim McBride. Montaje: Jack Baran, Jim McBride. IMDb
Intervienen: Clarissa Ainley Joe Ainley, Jim McBride.
Comentario. En Pictures from Life's Other Side de 1971, dos años después, la pareja ya consiguió que se les uniera Joe, el hijo de once años de Clarissa, en estado avanzado de embarazo. En plena era hippie, deciden buscar una forma alternativa de vida y parten a tientas a recorrer el país en auto tratando de dar con un lugar donde instalarse lejos de la gran ciudad.
Joe, que oscila entre la complicidad y la rebeldía, se transforma no sólo en figura central sino también en operador de buena parte del documental. Tanto el espectador como el niño participan de la intimidad de la pareja en una road-movie absolutamente personal pero fascinante tanto por su retrato de una cultura como de los personajes efectivamente seductores que resultan ser los tres protagonistas (Mabuse).

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- Diaries (1971-1976). (Usa, 1981) [Color, 200 m.].
Ficha técnica. Dirección, Guión y Fotografía: Ed Pincus. Montaje: Ed Pincus, Ann Schaetzel, Moe Shore. Producción: Ed Pincus.
Intervienen: Ed Pincus.
Sinopsis: Diaries (1971-1976) documents a turbulent five-year period in the life of the respected documentary filmmaker Ed Pincus. While he and his significant other attempt to live out the sixties ideal of free love and free expression, they face a number of surprising challenges, not the least of which being the shifting of public opinion about their ideals. He attempts to document the multi-faceted relationships all people share with one another, but his art suffers as life events lead to a surprising end to this period in his life (Perry Seibert, All Movie Guide).
Comentario. Diaries is a brilliant exploration of its author and subject. Ed Pincus documents his life as he transitions from the city back to nature strengthening his role as husband and father. Diaries is an honest and important film that defines autobiograhical filmmaking for the 70's. Ed Pincus utilized the single camera crew technology to make this film (IMDb).

- The Body Beautiful (GB, 1991) [Color, 23 m.].
Ficha técnica. Dirección y Guión: Ngozi Onwurah. Fotografía: Peter Collis. Montaje: Liz Webber. Producción: Kate Ogborn, Simon Onwurah, Lin Solomon. Productora: British Film Institute (BFI).
Intervienen: Brian Bovell (Youth), Maureen Douglass (Young Mother), Sian Martin ( Daughter), Madge Onwurah (Mother).
Sinopsis. Ngozi Onwurah's stark, at times somber, film documents a white mother who undergoes a radical mastectomy while her black daughter pursues her modeling career. The film traces the implications these two decisions have for both mother and daughter and the effect it has on their lives. In particular, both women struggle to deal with redefining their notions of body image and its attendant relations to sexual and racial identity. While the film does deal, explicitly and very well, with these theoretical concerns, it is also simply a film about a mother's love for her daughter and a daughter's passionate reciprocating care. It's a lot of material to handle in under a half an hour, but Onwurah's careful direction and editing enable The Body Beautiful to take it all on with an understated grace (Brian Whitener, All Movie Guide).
Comentario. An autobiographical, pseudo-documentary with re-enactments about director Ngozi Onwurah and her mother, Madge. The film is told from the perspective of Madge, and it examines her feelings about her own mastectomy and her feelings of inadequacy over her own body while at the same time exploring Ngozi's relationship with her mother. Examining such issues and body image (through Ngozi's mother's feelings about her own body and through Ngozi's job as a model) and racial identity (Ngozi was born to a Caucasian mother and African-American father), I thought it was a very sweet, beautiful film about the bond between a mother and her daughter as well as an examination of what it means to truly be a woman (IMDb).

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[marlowe62]

6.3.2.2.- El cineasta como recolector.

“Ser cineasta es ser espigador o espigadora por excelencia, aquel o aquella que recoge todos los trocitos de lo real, las briznas de realidad y que, después, tras el bricolage operado por la cámara y el montaje, debe devolverlos, listos para ser empleados de nuevo, con un nuevo sentido. Cada imagen se presenta entonces como un talismán inestimable que hay que preservar” .
- André Roy: “Agnès Varda. El arte de espigar y el bricolage de la realidad”. 24 images, nº 123 (septiembre 2005).

- Les glaneurs et la glaneuse (Los espigadores y la espigadora). (Francia, 2000) [Color, 82 m.]
Ficha técnica. Dirección: Agnès Varda. Fotografía: Stéphane Krausz, Agnès Varda. Música: Joanna Bruzdowicz, Georges Delerue, Isabelle Olivier, François Wertheimer. Producción: Agnès Varda. Productora: C.N.D.P., Canal+, Centre National de la Cinématographie (CNC), Ciné Tamaris. IMDb
Intervienen: Agnès Varda (La glaneuse), Édouard Loubet (Le chef-cuisinier), M. Legendre (Le producteur de pommes de terre), Bodan Litnanski (L’auteur du Palais idéal ), Macha Makeïeff, François Wertheimer.
Sinopsis. Por aquí y por allá, en Francia, Agnès se ha encontrado con espigadores, recolectores y gente que busca entre la basura. Por necesidad, puramente por azar o por obligación, esta gente recoge objetos de otros. Su mundo es sorprendente. Constituye un gran contraste con el mundo de los espigadores de ayer, de las mujeres campesinas que escarbaban para conseguir los pequeños granos de trigo que quedaban después de la cosecha. Patatas, manzanas y otros alimentos desechados, cosas sin dueño, relojes sin manillas, televisores, juguetes; éste es el menú de los espigadores de hoy. Pero Agnès es ella misma, también una especie de espigadora con su cámara, recogiendo imágenes para este documental tan personal. No hay límite de edad para la curiosidad. El mismo hecho de filmar es, de por sí, una forma de recolección.
Comentario. «Los espigadores y la espigadora se nos presenta como una propuesta única, que rechaza clasificaciones. Quienes pretendan ver un sus personajes reales y en su cámara ligera las huellas de un documental, están en su pleno derecho. Como también lo están los que prefieran entender la película como una road movie, en que el personaje principal (Agnés Varda) se busca a si misma a la vez que intenta comprender la sociedad en que vive. Porque ya desde el principio los títulos de crédito nos informan de que se trata de una película dirigida y narrada por Agnés Varda, y a lo largo del metraje ésta hace continuas alusiones a su persona, ya sea reflexionando sobre su vejez, ya sea mostrando el interior de su casa. Desnudando su intimidad, en definitiva.
Además está el discurso sobre la sociedad de consumo occidental. O más bien la sociedad del desperdicio consumista, ya que los espigadores a los que se hace referencia no son sino aquellos individuos (de los que la protagonista pasa a formar parte, y de ahí “la espigadora” del título) que viven, total o parcialmente, de las sobras de quienes tienen más de lo que pueden asimilar o necesitan. Algunos, por necesidad o voluntad propia, recogen la comida tirada por el suelo después de un día de mercado, o decoran su hogar con lo que para otros son trastos inútiles (como ese reloj de mesa sin agujas que Varda se lleva a casa). La mirada a todos ellos es curiosa y a la vez cómplice, nunca compasiva, ya que no hay nada de que avergonzarse; al contrario, son quienes tiran toneladas de patatas por ¡tener un tamaño demasiado grande para el mercado!, quienes deberían sentir oprobio.
La película mezcla el realismo con lo poético e incluso con apuntes de surrealismo. El estilo mezcla el realismo con lo poético e incluso ciertos apuntes de surrealismo; el lirismo con el documento social. Revolucionaria sin ser un panfleto, la película conduce su discurso a través de la reflexión y la sugerencia. Nos encontramos dentro de un proceso de comprensión (de su protagonista), no de un discurso formalizado. Por eso nada se da por sentado o se presenta de manera obvia, sino que las conclusiones deben ser extraídas por el espectador» (Jordi Codó, Encadenados).
Hilo DXC: Les Glaneurs et la glaneuse (Agnès Varda, 2000) DVDRip VOSE
Hilo DXC: Les glaneurs et la glaneuse (Agnes Varda, 2000) SATRip VOSE

- Les glaneurs et la glaneuse... deux ans après (Dos años después). (Francia, 2002) [Color, 93 m.)
Ficha técnica. Dirección, Guión y Producción: Agnès Varda. Fotografía: Stéphane Krausz, Agnès Varda. Música: Joanna Bruzdowicz, Georges Delerue, Isabelle Olivier, François Wertheimer. Productora: Ciné Tamaris. IMDb
Intervienen: Agnès Varda, Bodan Litnanski, Macha Makeïeff, François Wertheimer.
Sinopsis. Después del lanzamiento de su película “Los espigadores y la espigadora” Agnès Varda recibió una avalancha de cartas y regalos de todas clases: collages, postales de la famosa pintura de Millet, patatas en forma de corazón, etc. Con su cámara Mini-DV, Agnès Varda continúa el trabajo que comenzó en su primera película, agregando matices a su autorretrato, alcanzando una forma de rodaje maravillosamente liberadora y totalmente independiente.
Comentario. En “Dos años después”, Varda nos muestra qué ha sido de los personajes que protagonizaron el documental "Los espigadores y la Espigadora" (2000) en el que la autora seguía la pista de personas que aprovechaban lo que otros habían rechazado o abandonado y en el que además reflexionaba sobre su propia vejez. Y es que ella misma se define como una recolectora, una espigadora del espacio cinematográfico que deja la gran industria. Dos años más tarde, Agnès Varda visita de nuevo estos personajes y además, incluye otros nuevos que aparecen como consecuencia de la avalancha de cartas y regalos que provocó el éxito de la película anterior. Con la ayuda de su cámara mini DV profundiza en la vida de todos ellos y en su autorretrato personal seduciendo una vez más al público con su lúcida, sincera y totalmente libre denuncia de la sociedad de la opulencia.
Hilo DXC: Les Glaneurs et la glaneuse (Agnès Varda, 2000) DVDRip VOSE
Hilo DXC: Les glaneurs et la glaneuse (Agnes Varda, 2000) SATRip VOSE

- Sergio F. Pinilla: “El universo de Agnès Varda”. Cine para Leer.
- M. Torreiro: “Una verdadera lección de cine”. El País, 11/10/2002.

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[marlowe62]

6.3.3.- Los “personality films”.


6.3.3.1.- El cineasta frente a sí mismo.

“Para mi el montaje es el juego del cine, es dónde hago descubrimientos.
Mis filmes no se ensamblan a partir de ideas preconcebidas o construcciones apriorísticas.
Es como si comenzara con el lienzo en blanco, pongo algo y miro cómo queda.
Cada día cuestiono lo que hago, una y otra vez” (Alain Berliner).

Alan Berliner.

El cine de Alan Berliner] se caracteriza por su capacidad de combinar el cine doméstico, el cine de metraje, el documental personal y el ensayo audiovisual. Berliner se dio a conocer internacionalmente en 1986 con The Family Album, su primer largometraje documental, confeccionado con películas domésticas de más de 65 familias norteamericanas, rodadas entre 1920 y 1950. Después siguió investigando los temas familiares dedicando Intimate Stranger (1991) a la figura de su abuelo materno, enfrentándose a su padre en Nobody’s Business (1996), y reflexionando en torno a los nombres de las personas con The Sweetest Sound (2000). En su última película, Wide Awake (2006), la más personal de su filmografía, a través de un novedoso ensayo cinemático, Berliner analiza su propia obsesión con el insomnio y como éste ha afectado a su vida creativa y responsabilidades familiares. Además de su carrera como cineasta, Alan Berliner ha explorado otras posibilidades expresivas de la fotografía, del collage, del vídeo, de la imagen electrónica y de los nuevos medios informáticos e Internet, a través de instalaciones y exposiciones personales y colectivas (La Casa Encendida).


- Nobody Business. (Usa, 1996) [Color, 60 m.]
Ficha técnica. Dirección, Guión, Fotografía y Producción: Alan Berliner. Productora: Cine-matrix. IMDb
Intervienen: Alan Berliner, Oscar Berliner.
Sinopsis. Alan Berliner toma a su solitario padre como el protagonista de su conmovedor y elegante estudio de la historia y la memoria familiar. Lo que emerge es una biografía cinemática única que encuentra humor y patetismo en el torbellino de conflictos y afectos que unen padre e hijo. Al final, su complejo retrato es un encuentro de las mentes, donde el pasado se encuentra con el presente, donde generaciones chocan y donde los límites de la vida familiar son empujados, tirados, estirados, retorcidos y, sorprendentemente, a veces incluso reconciliados. (CinedeAutor)
Hilo DXC: Nobody's Business (Alan Berliner, 1996) DVDRip VOSE

Otros films de Alan Berliner.

- The Family Album. (Usa, 1988). IMDb
Hilo DXC: Family Album (Alan Berliner, 1986) VO
- Intimate Stranger. (Usa, 1991) [Color, 60 m.]. IMDb
- The Sweetest Sound (The Ultimate Name Game). (Usa, 2001) [B/N-Color, 60 m.]. IMDb
Hilo DXC: The Sweetest Sound (Alan Berliner, 2001) VO
- Wide Awake. (Usa, 2006) [Color, 79 m.]. IMDb
Hilo DXC: Wide Awake (Alan Berliner, 2006) DVDRip VO
Enlace alternativo: Wide Awake Insonia Alan Berliner Rtp2 Jpl Tvrip.avi

- Efrén Cuevas y Carlos Muguiro (eds.): El hombre sin la cámara. El cine de Alan Berliner. Navarra, Ediciones Internacionales Universitarias (EIUNSA), 2002; 240 pp.

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“Mayo de 1973. Me compro una cámara.
Quiero filmar yo mismo y para mí mismo. El cine profesional ya no me atrae.
Filmo día tras día en busca de otra cosa. Me interesa sobre todo el anonimato.
Necesito tiempo para aprender a hacerlo” (Diary, David Perlov).

David Perlov (1930-2003). David Perlov nació en Brasil, hijo de un mago de circo, y descubrió el cine en París gracias a la proyección de Cero en Conducta, de Jean Vigo. En la capital francesa fue ayudante de Herni Langlois, director de la Cinemateque Francaise, y dirigió sus primeros cortos. En 1958 se trasladó a Israel, donde revolucionó la idea del cine, especialmente del cine documental, hasta esa fecha vinculado a la propaganda institucional y sionista. Influenciado por la “Nouvelle Vague” francesa, dirigió su corto Jerusalem (1963), que fue premiado en el Festival de Cine de Venecia. Así inició una carrera como largometrajista trucada por las permanentes luchas contra la administración por tener el control y libertad sobre su trabajo. Asqueado, finalmente, decidió abandonar el cine profesional y abrir un nuevo camino, el de sus diarios filmados. Murió en 2003, después de haber recibido en 1999 el Premio Israel, la condecoración más alta del estado, que se entregaba por primera vez a un cineasta. Sus Diarios se presentaron en el Centro Georges Pompidou de París, en lo que constituyó una revalorización de su obra, en el otoño de 2005 (DOCS. Revista de Documental).

"Existe una forma de calibrar si un diario cinematográfico es sincero o deshonesto. Los buenos diarios no suelen reservarse ningún misterio. Desde el principio se abren por completo, sin postergaciones ni suspense. Cuando no nos entregan desde el primer plano toda su intensidad y razón de ser es preferible desconfiar y prever el engaño y el cálculo. El principio de los diarios de Perlov revela por entero su misterio. Recluido en su apartamento de Tel Aviv, hastiado de ver rechazados todos los proyectos que presenta ante las instituciones cinematográficas israelíes, Perlov decide filmar su vida desde las ventanas de casa. Un gesto de desesperación. Estamos en octubre de 1973 y se ha declarado la guerra del Yom Kippur. ¿Qué puede filmar un hombre en las habitaciones de casa y desde una ventana, mas allá de la cotidianidad anecdótica o el lento paso de los dias? En realidad, cosas demasiado pesadas y dolorosas de sostener" (Gonzalo de Lucas).

- Yoman (Diary). (Israel, 1983) [B/N-Color, 330 m.].
Ficha técnica. Dirección y Guión: David Perlov. Fotografía: David Perlov / Gadi Danzig, Yahin Hirsch, David Perlov, Joseph Zicherman. Montaje: Yaël Perlov, Jacquot Ehrlich, Noga Darevski, Yossef Greenfeld. Producción: Mira Perlov. IMDb
- Diary. Chapter 1 (1973-1977). (55 m.)
Sinopsis. El origen de todo: una cámara, una ventana, la familia Perlov, su mujer Mira y sus dos hijas, Yael y Naomi. El día de Expiación de 1973: el comienzo de la guerra de Yom Kippur. Las calles de Sao Paolo, el nuevo apartamento en Tel Aviv, el Muro de las Lamentaciones, el encuentro con Isaac Stern y el actor Klaus Kinski.
- Diary. Chapter 2 (1978-1980). (54 m.)
Sinopsis. Yael y Naomi tienen que alistarse en el ejército israelí, el director sufre insomnio, el cementerio de los Pioneros y una visita a Creta, junto con su mujer. Los dos solos. Y una canción: Angelitos Negros, que se va a repetir durante todos los diarios.
- Diary. Chapter 3 (1981-1982). (56 m.)
Sinopsis. Las grabaciones crecen en número, ¿qué hacer con ellas? Elecciones en Israel. Yael habla sobre el montaje. Un suicido. Y la primera manifestación contra la Guerra del Líbano. El dolor y la incomprensión de un conflicto.
- Diary. Chapter 4 (1982-1983). (58 m.)
Sinopsis. Un arcoiris se despliega durante la Guerra del Líbano. La lectura de Cien años de Soledad, de Gabriel García Márquez. El cumpleaños de Yael.
- Diary. Chapter 5 (1983 - 1). (55 m)
Sinopsis. París en agosto. El Centro Georges Pompidou, iglesias y sinagogas, y también Köln, Amsterdam y Londres, donde David enferma. Yael se convierte en ayudante del gran documentalista Claude Lanzmann en la película Shoah.
- Diary. Chapter 6 (1983 - 2). (56 m.)
Sinopsis. Regreso a Brasil. El barrio judío de Sao Paolo. Fawzi, un amigo libanés, el lugar de nacimiento en Río de Janeiro, una procesión en Ouro Preto, las ciudades de Aleijadinho: Tiradentes, Belo Horizonte y, al final del viaje, Lisboa. Lo vivido siempre nos acompaña.
Comentario. «¿Qué es lo que conduce a un cineasta a filmar su diario? ¿En qué momento cree percibir la fuerza visual y moral que rodea su cotidianidad, como para lanzarse a agarrar la cámara, con firmeza o indecisión, y filmar el inevitable devenir de los días, en su propia intimidad?
El realizador israelita de origen brasileño, David Perlov, estaba inmerso en un encargo para la televisión, sobre gente que recordaba los días de la Guerra de la Independencia de Israel, cuando decidió girar el eje de la cámara y encuadrar su propia vida. Intuyó que a partir de aquel momento el interés recaería en la autoafirmación identitaria, en el paso de la adolescencia al mundo adulto de sus dos hijas gemelas, y en los encuentros con amigos y viejos conocidos. La trascendencia de la individualidad entorno a cuestiones como la existencia, el exilio, la familia y la memoria, quedarían esbozados a modo de diario fílmico. Creando un texto audiovisual con voluntad comunicativa, un work in progress en su apreciación discursiva, David Perlov narraría los determinantes sucesos políticos de un país, abocado irremediablemente al conflicto bélico. Dejando atrás sus primeros filmes de ficción y los reportajes televisivos -siempre en 35 mm-, para descubrir, por primera vez, las cualidades del formato 16 mm; el autor se adaptaría a las nuevas condiciones técnicas, beneficiándose de la manejabilidad de los medios y de la posibilidad de establecer un estudio propio, para editar en moviola, a modo de oficio artesanal. A partir del año 1973 y hasta el 1983, dibujaría un recorrido autobiográfico asentado en la ciudad de Tel-Aviv, desplazado progresivamente hacia ciudades como Londres, París o Sâo Paulo; distribuyendo el metraje cronológicamente, en un montaje de seis capítulos, de aproximadamente 55 minutos cada uno, narrados incisivamente por su voz en off. [...]
Diario fílmico, home movie y diario de viaje, son enunciados que sirven para definir este híbrido que toma partido de uno mismo, de lo íntimo y de la familia, pero a la vez de lo público, del momento socio-político del propio país y de los viajes al extranjero» (Albert Alcoz. BlogsandDocs).
Hilo DXC: Diary 1973-1983 (David Perlov, 1983) DVDRip VOSE.

- My Stills 1952-2002 (Israel, 2003) [C. 62 m.].
Ficha técnica. Dirección y Guión: David Perlov. Montaje: Tamara Pilz-Hunter. Producción: Liran Atzmor.
Hilo DXC: My Stills 1952-2002 (David Perlov, 2003) DVDRip VO

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Lourdes Portillo.

Directora, productora y escritora nacida en México. Su propia identificación como chinana ha hecho que sus creaciones exploren la experiencia latina-chicana en el mundo. En el campo audiovisual ha trabajado ampliamente en distintos formatos, experimentando con la fórmula documental hasta las propias fronteras de ese formato.
Entre sus producciones, destacan Las Madres: The Mothers of Plaza de Mayo (Lourdes Portillo y Susana Blaustein Muñoz, 1986), sobre la lucha por la justicia de las Madres de la Plaza de Mayo, madres de los desaparecidos durante la dictadura argentina entre los años 70 y 80; La Ofrenda: The Days of the Dead (1988), sobre la fiesta del Día de Todos los Santos en México y EE.UU; Columbus on Trial (1992), documento experimental en forma de sátira de Cristóbal Colón y el Quinto Centenario, con el grupo de teatro latino Culture Clash; The Devil Never Sleeps (1996) que refleja las pasiones internas, odios y amores de una familia mejicana; Corpus a Home Movie for Selena (1997) que documenta la vida de Selena, una cantante tejana que fue asesinada por la presidenta de su club de fans; Señorita Extraviada (2001) sobre los asesinatos de mujeres en Ciudad Juárez ; y My McQueen (2004) documental sobre la influencia del cineasta Steve McQueen (Femiteca).
- The Films and Videos of Lourdes Portillo.

- El diablo nunca duerme (The Devil Never Sleeps. (Usa-México, 1994) [Color, 87 m.].
Ficha técnica. Dirección, Guión y Producción: Lourdes Portillo. Fotografía: Kyle Kibbe. Montaje: Vivian Hillgrove Gilliam. Productora: Xochitl Films, Corporation for Public Broadcasting. IMDb
Sinopsis: Lourdes Portillo vuelve a la tierra de su nacimiento para investigar las circunstancias de la muerte de su tío. Buscando pistas en ambos lados de la frontera y en su propia historia familiar, la realizadora no renuncia a las explicaciones más irracionales. Viejas historias de traiciones, pasión y visiones sobrenaturales surgen a medida que se adentra en la vida de una comunidad en el corazón de Méjico (MUSAC).

Otros films de Lourdes Portillo

- Señorita extraviada (Missing Young Woman). (Usa, 2001) [Color, 71 m.]. IMDb
Hilo DXC: Señorita Extraviada (Lourdes Portillo 2001) TVRip Esp

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[marlowe62]

6.3.3.2.- El narrador-protagonista.

Michael Moore (23 de abril de 1954. Flint, Michigan).

Activista político, periodista y cineasta estadounidense. Criado en el seno de una familia católica de origen irlandés, tras pasar brevemente por un seminario diocesano, se implicó en asuntos sociales y políticos desde su adolescencia, participando en la junta escolar de su instituto e integrándose en los Eagle Scouts, en donde denunció el proceder de varias empresas con poco respeto por el entorno natural.
Tras pasar por la Universidad de Michigan, Michael Moore abandonó sus estudios para trabajar como editor y redactor en “The Flint Voice”, convertida después en “The Michigan Voice”, publicación desde la cual dio inicio a su aguda capacidad como comentarista política. A mediados de los años 80 Moore pasó a ocuparse en San Francisco de la edición de “Mother Jones”, revista de la cual fue despedido tras rechazar la publicación de un artículo en contra de los sandinistas en Nicaragua escrito por Paul Berman.
A fines de los 80 dirige Roger and Me (1989), documental en clave de comedia que satirizaba el proceder de la General Motors tras cerrar varias de sus fábricas y despedir a miles de trabajadores en Flint, Michael Moore consiguió la relevancia en su país, logrando unánimes críticas favorables a su primer y punzante trabajo cinematográfico que había sido financiado con el finiquito otorgado por los propietarios de “Mother Jones” tras su despido. Posteriormente realizaría un documental para televisión sobre el mismo tema, "Pet sor Meat: The Return to Flint" (1992), corto que fue incluido en la película de episodios Two Mikes Don’t Make A Wright (1992). Un año antes había colaborado con Kevin Rafferty, Anne Bohlen y James Ridgeway en Blood in the face (1991), documental sobre grupos neonazis y racistas.
Operación Canadá (1994) fue su primera y única película de ficción. Protagonizada por John Candy y Alan Alda, el film era una comedia sobre las esperanzas de un presidente de los Estados Unidos por recuperar su nivel de popularidad dando inicio a una guerra fría contra Canadá.
El mismo año se emitió su satírico “TV Nation”, un programa de televisión que no obtuvo los resultados de audiencia esperados por lo que terminaría desapareciendo tras un breve tiempo en antena. Por el contrario y en 1996, Michael Moore, prosiguiendo sus habituales denuncias sociopolíticas, consiguió un gran éxito popular con la publicación del libro “Downsized This: Ramdom Threats From An Unarmed American”. En The Big One (1997) y aprovechando su gira de promoción del libro, Moore denunció la explotación de las multinacionales y las desigualdades económicas existentes en los Estados Unidos.
Tras realizar y escribir la serie “The Awful Truth” publicó el libro “Estúpidos hombres blancos” (2001) y alcanzó la fama internacional con su documental Bowling for Columbine (2002), una reflexión satírica sobre la posesión de armas y la violencia en su país que le granjeó el Oscar al mejor documental del año. Posteriormente publicaría el libro “¿Qué han hecho con mi país, tío?” (2004), retornando a la pantalla grande con Fahrenheit 9/11 (2004), un título que aborda una sátira contra el gobierno de la Administración de George W. Bush, en especial sobre la decisión de entablar un conflicto bélico en Irak. Su siguiente trabajo fue Sicko (2007), documental que aborda con una visión crítica el sistema de salud en los Estados Unidos (El Criticón).


- Roger and Me (Roger & Me. A Humorous Look at How General Motors Destroy Flint, Michigan (USA) / Roger y yo). (Usa, 1989) [Color, 85 m.]
Ficha técnica. Dirección, Guión y Producción: Michael Moore. Fotografía: Kevin Rafferty. Montaje: Wendey Stanzler. Productora: Dog Eat Dog Films, Center for the Alternative Media. IMDb
Intervienen: Michael Moore, Roger B. Smith (General Motors), Pat Boone, Ronald Reagan, Bob Eubanks.
Sinopsis. La pequeña ciudad de Flint, en el estado norteamericano de Michigam, vio nacer en 1908 a una compañía de coches llamada General Motors. Ochenta años más tarde, la pequeña compañía es un monstruo internacional de la fabricación de coches y Flint, una ciudad que vive íntegramente del dinero que deja la planta de producción que General Motors mantiene en el pueblo. La decisión del presidente de la compañía, Roger Smith, de cerrar la planta y trasladarla, provoca una auténtica catástrofe en el pueblo: el paro se multiplica, los negocios cierran, aumenta la violencia y la marginación. Michael Moore, un periodista insidioso y molesto, decide buscar a Roger Smith para pedirle explicaciones y contarle la nueva situación del pueblo (DocumentaMadrid06).
Hilo DXC: Roger & Me (Michael Moore, 1989) DVDrip VOSE

- The big one (El gigante). (Usa, 1997) [Color, 91 m.].
Ficha técnica. Dirección y Guión: Michael Moore. Totografía: Brian Danitz, Chris Smith. Música: World Famous Blue Jaystor. Productora: Dog Eat Dog Films / BBC / Mayfair Entertainment International. IMDb
Intervienen: Michael Moore, Phil Knight (Nike Chairman), Keith Peters (Nike Public Relations Director), Bill Clinton (Presidential Candidate), Steve Forbes (Presidential Candidate).
Sinopsis. Tras Roger y yo, en el que Michael Moore intentaba encontrar al presidente de la General Motors que acababa de cerrar una serie de fábricas, The Big One es una vuelta a Estados Unidos a la búsqueda de directores de grandes empresas que tienen unos beneficios considerables, pero en las que el trabajo cada vez es más precario. El director se enfrenta a muchas dificultades para encontrar a los directivos, que se siempre dicen no estar disponibles. Pero finalmente, podrá hablar con uno de ellos, Phil Knight, el presidente de Nike, una de las sociedades americanas más prósperas. El encuentro será una sorpresa para ambos...
Comentario. Aprovechando la gira de presentación de su libro “Downsize This!” por todo Estados Unidos, Michael Moore inicia una campaña de denuncia de la explotación infantil que practican en secreto e ilegalmente muchas multinacionales, como Nike. Siguiendo la fórmula que más tarde le haría famoso, Moore persigue a los directivos, les intimida y asalta con la presencia de la cámara y plantea esas preguntas incómodas que poca gente se atreve a hacerles (DocumentaMadrid06).
Hilo DXC: The Big One (Michael Moore, 1997) DVDRip VOSE

- Bowling for Columbine. (Usa-Canadá-RFA, 2002) [Color, 120 m.].
Ficha técnica. Dirección y Guión: Michael Moore. Fotografía: Brian Danitz, Ed Kukla, Michael McDonough. Música: Jeff Gibbs, Marilyn Manson, Fred Rogers. Productora: Dog Eat Dog Films / Salter Street Films. IMDb
Intervienen: Michael Moore, George W. Bush ( President of the United States), Richard Castaldo (Columbine victim), Charlton Heston (actor / NRA president), Marilyn Manson (entertainer), Evan McCollum (Lockheed Martin public relations), Timothy McVeigh (Oklahoma City bomber)
Sinopsis. Columbine High School es el colegio de Littleton, un pueblo del estado de Colorado donde los quinceañeros Eric Harris y Dylan Kelbold, en abril de 1999, tras jugar una partida en la bolera local, entraron armados hasta los dientes y mataron a tiros a 13 de sus compañeros antes de suicidarse. Bowling for Columbine aborda el tema del alma violenta de América. ¿Por qué 11.000 personas mueren cada año en Estados Unidos víctimas de las armas de fuego? Los “bustos parlantes” que gritan desde cada pantalla televisiva le echan la culpa a todo, desde Satán a los videojuegos. Pero ¿es tan diferente Estados Unidos de otros países? ¿Qué es lo que le diferencia de otros? ¿Por qué Estados Unidos se ha convertido en autor y víctima de tanta violencia? “Bowling for Columbine” no es una película sobre el control de la venta de armas, es una película sobre el asustado corazón de Estados Unidos y los 280 millones de norteamericanos felices de tener el derecho de poseer un arma constitucionalmente protegida. Un incisivo -cómico y trágico al mismo tiempo- estudio de la violencia y su directa relación con las armas de fuego, en que aparecen personalidades como Charlon Heston, George W. Bush y Marilyn Manson.
Hilo DXC: Bowling for Columbine (Michael Moore, 2002) DVDRip VOSE
Hilo DXC: Bowling for Columbine (Michael Moore, 2003) DVDRip Esp

- Fahrenheit 9/11 (Fahrenheit 911). (Usa, 2004) [Color, 122 m.].
Ficha técnica. Dirección y Guión: Michael Moore. Fotografía: Mike Desjarlais. Música: Jeff Gibbs. Productora: Dog Eat Dog Films. IMDb
Intervienen: Michael Moore, Ben Affleck, Stevie Wonder, George W. Bush, James Baker III (Former Secretary of State), Richard Gephardt (Congressman), Tom Daschle (Senator ), Jeffrey Toobin (Author of “Too Close to Call”), Al Gore (U.S. Vice President and Senate President), Condoleezza Rice (National Security Advisor), Donald Rumsfeld , Saddam Hussein, George Bush (Former U.S. President), Osama Bin Laden.
Sinopsis. Fahrenheit 9/11 toma como punto de partida la controvertida elección de George W. Bush en el año 2000 para seguir su ascenso de mediocre petrolero tejano a presidente de Estados Unidos y describir las oscuras relaciones de negocios entre su padre y la familia de Osama Bin Laden, poniendo de relieve que el poder y la riqueza del enemigo número uno de los estadounidenses han aumentado gracias a este vínculo. También se indaga sobre lo sucedido en Estados Unidos después del 11 de septiembre de 2001 y cómo la Administración de Bush utilizó el trágico ataque a las Torres Gemelas para su propio beneficio político.
Comentario. «Con su impresionante eficacia como demoledor discurso contra un adversario poderoso que no es otro que el propio Bush, “Fahrenheit 9/11" presenta algunos grandes logros, pero también no pocos problemas para cualquier espectador con un mínimo sentido cívico. [...] De ahí el tono, en ocasiones groseramente manipulador [...]. Astuta, valiente y atrevida, pero también vulgarmente manipuladora, la película quedará para la historia del cine más como un ejemplo sociológico de impacto mediático que como un documental riguroso, adulto y equilibrado» (M. Torreiro, El País).
«“Fahrenheit 9/11" es la continuación de la idea que fundamenta “Bowling for Columbine”, en la que exploré la expresión individual del miedo, hablé de cómo los individuos pueden ser engañados por las imágenes televisivas e intimidados por las armas. En “Fahrenheit 9/11", en cambio, hablo del miedo colectivo, de la histeria de masas que el poder logra crear para distraer a la opinión pública de los verdaderos problemas. Como George Orwell escribió en su novela 1984, el líder de un pueblo debe mantenerlo en un estado de temor permanente haciéndole creer que podría ser atacado en cualquier momento, renunciando a la libertad para poder vivir. Esto es lo que han hecho los estadounidenses en los últimos dos años y medio» (Michael Moore).
Hilo DXC: Fahrenheit 9/11 (Michael Moore, 2004) DVDrip VOSE
Hilo DXC: Fahrenheit 9/11 (Michael Moore, 2004) DVDrip Dual OGM
Hilo DXC: Farenheit 9/11 (Michael Moore, 2004) DVDRip Esp

- Sicko (Usa, 2007) [Color, 123 m.].
Ficha técnica. Dirección y Guión: Michael Moore. Fotografía: Christoph Vitt. Música: Erin O'Hara. Productora: Dog Eat Dog Films. IMDb
Intervienen: Michael Moore, Tony Benn, George W. Bush, Reggie Cervantes, Bill Clinton, Hillary Rodham Clinton, John Graham, William Maher, Richard Nixon, Linda Peeno.
Sinopsis. Michael Moore vuelve a la carga con un documental que denuncia el sistema sanitario norteamericano; un sistema que, al no existir la sanidad universal, excluye a 50 millones de norteamericano (que o bien no tienen seguro de salud privado o no pueden pagárselo) y que se basa en compañías privadas que buscan principalmente beneficios económicos y en aseguradoras que pagan bonos a los empleados que más rentabilidad les proporcionan al denegar prestaciones y reclamaciones a los asegurados.
Hilo DXC: Sicko (Michael Moore, 2007) DVDRip VOSE

Otros films de Michael Moore.

- The Awful Truth (Usa, 1999-2000) [Color, 2 temporadas, 24 capítulos). IMDb
Hilo DXC: The awful truth (Michael Moore, 1999) DVDrip VOSE
Hilo DXC: The Awful Truth (Michael Moore, 1999) TVrip ES
- Captain Mike Across America (Slacker Uprising). (Usa, 2007) [Color, 102 m.]. IMDb
Hilo DXC: Slacker Uprising (Michael Moore, 2008) DVDRip VOSE
- Capitalism: A Love Story (Usa, 2009) [Color, 127 m.]. IMDb

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[marlowe62]

Nick Broomfield (Londres, 1948).

Estudió Leyes en Cardiff y Ciencias Políticas en la Universidad de Essex y posteriormente cine en la National Film and Television School, con el profesor Colin Young, quien tuvo una gran influencia sobre su trabajo, animándole para que hiciera una observación participativa y presentándole a Joan Churchill, con la que rodó varias películas.
Originalmente estuvo influido por el estilo observacional de Fred Wiseman, Robert Leacock y Pennebaker, antes de variar, en parte de forma accidental, hacia el estilo más personal por el que se le conoce. En 1988, mientras estaba rodando Driving Me Crazy, una película completamente fuera de su control, Nick decidió colocarse a sí mismo y al productor de la película en la historia, como una forma de que aquel trabajo tuviera sentido. Este experimento le llevó a una mayor sensación de libertad, a partir de los límites del cine observacional y a un tipo de cine más investigador y experimental.
Su filmografía se compone de Juvenile Liaison (1976), Tattooed Tears (1978), Soldier Girls (1981), Chicken Ranch (1983), Lily Tomlin (1986), Driving Me Crazy (1988), Diamond Skulls (Cuerpo de élite, 1989), The Leader, His Driver and the Driver’s Wife (1991), Aileen Wuornos: The Selling of a Serial Killer (1992), Monster in a Box (1992), Tracking Down Maggie: The Unofficial Biography of Margaret Thatcher (1994), Biggie and Tupac (2002), Aileen: Life and Death of a Serial Killer (2004), Ghosts (2006) y Battle for Haditha (2007). Para la televisión ha dirigido Heidi Fleiss: Hollywood Madam (1995) y His Big White Self (2006).

Mucho antes de que Moore impusiera que “el documentalista es la estrella”, Broomfield ya llevaba décadas poniéndose frente a la cámara como parte integral de la historia verdadera a descubrir. Este recurso es para Broomfield un acto de rebeldía contra “esa omnipresente y autorizada voz de los locutores de la BBC y la dialéctica incomprensible de esos documentales de los sesenta”.

- Heidi Fleiss: Hollywood Madam (Heidi Fleiss: La Madam de Hollywood / La Madame de Hollywood). (Usa-GB-Canadá-RFA, 1996) [Color, 107 m.]
Ficha técnica. Dirección: Nick Broomfield. Guión: Martyn Burke. Fotografía: Paul Kloss. Montaje: Susan J. Bloom. Música: David Bergeaud. Producción: Nick Broomfield. Productora: InPictures / Lafayette. IMDb
Intervienen: Nick Broomfield (narrador), Madam Alex, Corinne Bohrer (Actor), Mike Brambles), Cookie, Elisa Fleiss, Heidi Fleiss, Jason Fleiss, Jessie Fleiss, Kim Fleiss, Paul Fleiss, Shannon Fleiss, Gaby , Daryl Gates (Los Angeles Chief of Police), Ron Jeremy, Ivan Nagy, Victoria Sellers, Susie Sterling, Jim Wakefield.
Sinopsis. A documentary crew from the BBC arrives in L.A. intent on interviewing Heidi Fleiss, a year after her arrest for running a brothel but before her trial. Several months elapse before the interview, so the crew searches for anyone who'll talk about the young woman. Two people have a lot to say to the camera: a retired madam named Alex for whom Fleiss once worked and Fleiss's one-time boyfriend, Ivan Nagy, who introduced her to Alex. Alex and Nagy don't like each other, so the crew shuttles between them with "she said" and "he said." When they finally interview Fleiss, they spend their time reciting what Alex and Nagy have had to say and asking her reaction. (IMDb)

- His Big White Self (GB, 2006) [Color, 94 m.].
Ficha técnica. Dirección: Nick Broomfield. Fotografía: Joan Churchill. Montaje: Peter Churchill. Producción: Nick Broomfield. Productora: Lafayette Film. IMDb
Intervienen: Nick Broomfield, Anita Meyer, J.P. Meyer, Eugene Terre'Blanche.
Sinopsis. Desde 1991 al 2001, el Movimiento de Resistencia Afrikaner (AWB), liderado y fundado por el policía Eugène Terre'Blanche, sembró una cruenta política de terror en Sudáfrica: intentó asesinar a Nelson Mandela antes de que fuese elegido presidente, asesinó al segundo mando del gobierno de Mandela y escampó más de ciento veinte bombas en escuelas, aeropuertos, trenes y estaciones de autobús, en los años previos a las primeras elecciones democráticas multirraciales en Sudáfrica, en el 1994. Terre'Blanche, “el Líder”, y sus seguidores postulaban por la negación del voto a la mayoría negra y eran defensores acérrimos del sistema del Apartheid. El Líder veía el final del Apartheid como una rendición al Comunismo y amenazaba con el estallido de una guerra civil si el presidente FW de Klerk negociaba su fin con Nelson Mandela. A lo largo de este período, Terre'Blanche encabezó una protesta con víctimas mortales durante el mitin que el partido de De Klerk hacía en el feudo de la supremacía blanca, Ventersdorp, conocido como la Batalla de Ventersdorp. Terre'Blanche lideró también el asalto armado en el World Trade Centre de Kempton Park mientras se negociaba el fin del Apartheid en frente de la permisividad de la policía blanca.
Nick Broomfield quiso hacer un documental sobre “el Líder” en 1991, llamado The Leader, His Driver and the Driver's Wife (El Líder, su chofer y la mujer de éste) donde el director británico intentó entrevistar, sin éxito, a Terre'Blanche. El film resultó, finalmente, una lucha personal del director para conseguir entrevistarlo. La figura del Líder y el Movimiento quedó retratada a través de sus seguidores más cercanos. En His Big White Self, Broomfield vuelve a Sudáfrica para entrevistar, esta vez sí, a Eugène Terre'Blanche después de que éste haya salido de la prisión después de seis años de condena por delitos comunes. ¿Tiene Eugène Terre'Blanche remordimientos por el incontable número de víctimas de los atentados cometidos por su organización durante el período en en el cual la mayoría negra asumió el poder? Broomfield desde Sudáfrica quiere conocer la respuesta (Cines Verdi).
Enlace: His Big White Self - Nick Broomfield (2005).avi

Otros films de Nick Broomfield.

- The Leader, His Driver and the Driver's Wife (GB, 1991) [Color, 85 m.]. IMDb
Enlace: Nick_Broomfield-The_Leader-(1991).avi
- Aileen Wuornos: The Selling of a Serial Killer (GB, 1992) [Color, 87 m.]. IMDb
Enlace: Nick Broomfield - Aileen - The Selling Of A Serial Killer.avi
- Tracking Down Maggie: The Unofficial Biography of Margaret Thatcher (GB, 1994) [Color, 87 m.]. IMDb
- Fetishes (GB, 1996) [Color, 84 m.]. IMDb
Enlace: Fetishes.1996.Nick.Broomfield.Documentary.Xvid.by.Wicker_Man.avi
- Kurt & Courtney (¿Quién mató a Kurt Cobain?). (GB, 1998) [Color, 95 m.]. IMDb
Hilo DXC: ¿Quien Mató a Kurt Cobain? (Broomfield, 1998) DVDRip VOSE
- Biggie and Tupac (GB, 2002) [Color, 108 m.]. IMDb
Enlace: BIGGIE.AND.TUPAC.2002.Broomfield.divx505.poopface.avi
- Aileen: The Life and Death of a Serial Killer (GB-Usa, 2003) [Color, 89 m.]. IMDb

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“El documental se ha convertido en el último bastión de la libertad de expresión, el único acceso a la información y a la verdad, porque en los medios toda esa información es diluida por distintas influencias” (Morgan Spurlock).

- Super Size Me. (Usa, 2004) [Color, 100 m.).
Ficha técnica. Dirección: Morgan Spurlock. Fotografía: Scott Ambrozy. Montaje: Stela Georgieva y Julie ‘Bob’ Lombardi. Música: Steve Horowitz y Michael Parrish. Producción: J.R. Morley, Dave Pederson, David Pederson, Morgan Spurlock, Heather M. Winters. Productora: The Con / Studio On Hudson. IMDb
Intervienen: Morgan Spurlock, Bridget Bennett, Dr. Lisa Ganjhu, Don Gorske, Dr. Daryl Isaacs, Alexandra Jamieson (Morgan's Girlfriend), Dr. David Satcher, Dr. Stephen Siegel.
Sinopsis. Morgan Spurlock investiga la epidemia de obesidad que sacude Norteamérica experimentando en su propio cuerpo los efectos de la comida basura, sometiéndose a un régimen de alimentos McDonald‘s tres veces al día durante un mes. Spurlock se realizó chequeos médicos antes y durante el experimento que determinaron un alarmante aumento de los niveles de colesterol y sodio. Mientras su salud y su estado físico y emocional se deterioraban progresivamente realizó una serie de esclarecedoras entrevistas con los profesionales médicos y sanitarios, ejecutivos de publicidad y márketing y adolescentes norteamericanos. La película estudia asimismo el horror de los programas de alimentación escolar, de las depauperadas clases de salud y educación física, de las adicciones alimentarias y de los drásticos métodos que utiliza la gente para adelgazar y recuperar la salud.
Comentario. “El valor de Super Size Me va más allá de una simple revelación contada a través de un excelente montaje. Lo mejor de la película es su valentía [...]. Super Size Me es un golpe contra toda la cultura americana del comportamiento, contra su sistema de alimentación en los colegios públicos y contra la era del marketing y la publicidad”. (Javier Ocaña, El País)
Hilo DXC: Super Size Me (Morgan Spurlock, 2004) DVDRip VOSE

Otros films de Morgan Spurlock.

- Where in the World Is Osama Bin Laden? (Francia-Usa, 2008) [Color, 90 m.]. IMDb
Hilo DXC: Where in the World is Osama Bin Laden? (2008) DVDRip VOSE
- 30 Days. (Usa, 2005) [Color, 12x60 m.]. IMDb
Hilo DXC: 30 Days (Morgan Spurlock, 2005) TVRip Esp (Serie TV, 12 capítulos)

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[marlowe62]

6.4.- ¿Verdadero o Falso?
La ruptura de las fronteras entre realidad y ficción.

6.4.1.- El documental reconstruido / dramatizado.

Errol Morris (Long Island, New York; 1948).

«Licenciado en filosofía y notable realizador publicitario, es autor de una producción de carácter documental, ocho largometrajes y una serie de televisión, centradas en torno a testimonios de sujetos reales. Narraciones en primera persona en las que, como memorable retratista de la excentricidad, una suerte de cineasta-detective, presenta dispositivos que le permiten indagar, fragmentar y completar desde particulares situaciones hasta memorias ajenas, concibiendo un conjunto de originales relatos biográficos que cuestionan la noción misma de verdad asociada tradicionalmente a la categoría de no ficción .[...]
El empleo de referentes fílmicos genéricos (incluso de imágenes extraídas de otras películas), las reescenificaciones dramatizadas, la fragmentariedad como superación del aparente estatismo del close-up, la importancia de la banda sonora musical, la combinación de los materiales más diversos (home movies, noticiarios, material de archivo) rompen con los recursos tradicionales del documental testimonial, del docudrama y de la tradición documentalista más purista, en cierto modo refractaria a la inclusión de la no ficción en las categorías artísticas, estilizando la narración. [...]
Los dos primeros largometrajes, Gates of heaven (1978) y Vernon, Florida (1981), remiten todavía a modelos de corte observacional, subrayados por el premonitorio cultivo o querencia por criaturas peculiares, el comienzo de una cartografía de seres extraños imbricados en narraciones sazonadas por buenas dosis de humor y patetismo, que mezclan la paciencia y perspicacia del realizador para estructurar tratados cercanos al absurdo existencial. [...]
El extraordinario éxito de The thin blue line (1988), intensa y elaborada introspección en la dudosa maquinaria pericial y los entresijos de la representación, se convierte, además, en uno de esos contados casos en los que un relato fílmico interviene aportando pruebas y contribuye a modificar la realidad [...]. Cineasta en extremo coherente, toda la sucesión de títulos estimulantes posteriores, Fast, Cheap & Out of control (1997), Mr. Death (1999), The Fog of War. Eleven lessons from the life of Robert S. McNamara o la serie First Person (2000-2001), presentan a un autor en el que la estilización deliberada, la depuración de materiales y la estructura medida de la narración parecen redescubrir o unir alternativas fuera de toda ortodoxia» ( José Manuel Sande: “Errol Morris. La construcción del sujeto”. Blogs&Docs, 3 abril 2008).

«Errol Morris lleva años buceando en el documental. Desde su debut en 1978 con Gates Of Heaven, el realizador no ha dejado de explorar el terreno con una gracia poco común para contar historias. Adalid del juego de percepciones, en sus obras todo sufre una constante sensación de inversión.
El realizador extrae tanto partido al punto origen que le intriga, que según se desarrolla, el espectador ve cómo el documental se ramifica, no sólo temáticamente, si no formalmente. Falso documental, thriller, surrealismo o acción se entremezclan en su obra gracias a un original uso del punto de vista, a poco frecuentes emplazamientos de cámara y a un novedoso a la par que engañoso sistema de narración que diluye ágilmente la frontera entre realidad y ficción mediante la disolución de los límites de la representacion (real) documental.
Para ello inventa una serie de recursos cinematográficos innovadores. El más famoso es el Interrotron, sistema de cámara que empezó a desarrollar para su tercera película The Thin Blue Line, y que perfecciona para su serie documental First Person. Básicamente se trata de un procedimiento en el que Morris ubica encima del objetivo de la cámara un mónitor con su propia imagen mientras interroga al entrevistado. De este modo se asegura de que éstos se dirigen directamente al monitor, mirando frontalmente a la cámara, captando así, tanto Morris como el público, una inmediatez mayor en el contacto con el personaje» (Blog GDO).

“Creo que el cinema vérité ha hecho retroceder al cine documental veinte o treinta años. Consideran el documental como una sub-especie del periodismo…No hay ninguna razón por la que los documentales no puedan ser tan personales como el cine de ficción y llevar la marca de quienes los realizan. La verdad no viene garantizada por el estilo o la expresión. No viene garantizada por nada” (Errol Morris).

- The Thin Line Blue (La delgada línea azul). (Usa, 1987) [Color, 103 m.]
Ficha técnica. Dirección y Guión: Errol Morris. Fotografía: Robert Chappell, Stefan Czapsky, Ned Burgess, Phillipe Carr, Peter Sova. Montaje: Paul Barnes. Música: Philip Glass. Productora: American Playhouse / Channel 4 Television Corporation / Third Floor Productions. IMDb
Intervienen: Randall Adams, David Harris, Gus Rose (Homicide Detective in Dallas), Jackie Johnson (Homicide Detective in Dallas), Marshall Touchton (Homicide Detective in Dallas), Dale Holt (Internal Affairs Investigator in Dallas), Sam Kittrell (Police Detective in Vidor), Edith James (Defense Attorney), Dennis White (Defense Attorney), Don Metcalfe (The Judge).
Sinopsis. Randal Adams, un vagabundo de 28 años, fue acusado en 1976 del asesinato de un policía en Dallas y condenado a muerte. Las únicas pruebas en su contra fueron aportadas por David Harris, un joven de 16 años con el que había compartido una noche de cervezas y marihuana. Randal afirmaba haberse ido a dormir pronto al motel, con su hermano, mientras que David Harris aseguró que siguieron la juerga hasta que un policía les obligó a detener el coche. En ese momento, y según Harris, Adams sacó una pistola y disparó al policía. Usando reconstrucciones, entrevistas, una siniestra banda sonora y técnicas dramáticas propias del thriller, Morris consiguió trazar un perfil del verdadero asesino, Harris, demostrar la inocencia de Randal Adams y construir lo que él mismo llamó “el primer thriller de no ficción” (DocumentaMadrid06).
Hilo DXC: The Thin Blue Line (Errol Morris, 1988) DVDRip VOSE

Otros films de Errol Morris.

- Gates of Heaven (Usa, 1978) [Color, 85 m.]. IMDb
Hilo DXC: Gates of Heaven (Errol Morris, 1978) DVDrip VOSE
- Vernon, Florida (Usa, 1981) [Color, 55 m.]. IMDb
Hilo DXC: Vernon, Florida (Errol Morris, 1981) DVDrip VOSE
- A Brief History of Time (GB-Japón-Usa, 1991) [B/N-Color, 80 m.]. IMDb
Hilo DXC: A Brief History of Time (Errol Morris, 1991) DVDRip VO
- Fast, Cheap & Out of Control (Usa, 1997) [B/N-Color, 80 m.]. IMDb
- Mr. Death: The Rise and Fall of Fred A. Leuchter, Jr. (GB-Usa, 1999) [Color, 91 m.]. IMDb
Hilo DXC: Mr. Death (Errol Morris, 1999) DvdRip VOSE
- First Person (Usa, 2000-01). Serie TV, Episodios: “Stairway to Heaven”, “The Little Grey Man”; “ The Parrot”. IMDb
- The Fog of War: Eleven Lessons from the Life of Robert S. McNamara (Rumores de guerra). (Usa, 2003) [Color, 95 m.]. IMDb
Hilo DXC: The Fog of War (Errol Morris, 2003) DVDRip VOSE
- Standard Operating Procedure (Usa, 2008) [Color, 116 m.]. IMDb
Hio DXC: Standard Operating Procedure (E. Morris, 2008) DVDRip VOSE

6.4.2.- El “mockumentary” (falso documental).

El falso documental se estudia en un capítulo independiente. En éste sólo figura un listado de los títulos más significativos del género.

- Culloden. Peter Watkins (GB, 1964) [B/N, 69 m.].
- The War Game (El juego de la guerra). Peter Watkins (GB, 1965) [B/N, 47 m.]
- Vérités et Mensonges (Fraude / F for Fake). Orson Welles (Francia-RFA-Irán, 1974) [B/N-Color, 85 m.].
- This Is Spinal Tap. Rob Reiner (Usa, 1984) [Color, 82 m.].
- Forgotten Silver (La verdadera historia del cine). Peter Jackson (Nueva Zelanda, 1996) [B/N-Color, 53 m.].
- Best in Show (Very Important Perros). Christopher Guest (Usa, 2000) [Color, 100 m.]
- La Commune (Paris 1871). Peter Watkins (Francia, 2001) [B/N-Color, 345 m.].
- Opération lune (Operación Luna / Dark Side of the Moon). William Karel (Canadá-Francia, 2002) [Color, 52 m.].
- CSA: The Confederate States of America. Kevin Willmott (Usa, 2004) [B/N-Color, 89 m.].
- Never Been Thawed. Sean Anders (Usa, 2004) [Color, 87 m.].

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[marlowe62]

6.5.- El mestizaje
(Fórmulas míxtas, inclasificables e imprescindibles).

- Anna: Ot shesti do vosemnadtsati (Anna 6-18 / Anna: From Six Till Eighteen). (Rusia-Francia, 1994) [B/N-Color, 100 m.]
Ficha técnica. Dirección: Nikita Mikhalkov. Guión: Nikita Mikhalkov, Sergei Miroshnichenko. Fotografía: Vadim Alisov, Elizbar Karavayev, Pavel Lebeshev, Vadim Yusov. Montaje: Eleonora Praksina. Música: Eduard Artemyev. Producción: Nikita Mikhalkov, Michel Seydoux. Productora: Caméra One / Trite Productions. IMDb
Intervienen: Anna Mikhalkova, Nadezhda Mikhalkova, Nikita Mikhalkov.
Sinopsis: Un tranquilo día de verano, en una gran casa rodeada por los bosques de pinos, Anna, una niña de 6 años, responde a preguntas sencillas y complicadas a la vez: “¿Qué es lo que más te gusta?, ¿qué es lo que más temes?…” Esto ocurría en el verano de 1979. El famoso director Nikita Mikhalkov seguirá haciendo las mismas preguntas a su hija durante los siguientes 12 años.
Comentario. Anna es un inteligente documental que combina imágénes domésticas (la realización de home movies estaba prohibida en la URSS; las tomas se rodaron de forma clandestina, pero con un equipo profesional) y secuencias de “cine efímero”. Nikita Mikhalkov sienta a su hija Anna de seis años delante de la cámara para hacerle varias preguntas sobre sus gustos, miedos y deseos y realiza esta misma operación año tras año, hasta 1991, cuando ella cumple 18 años. Durante el proceso de montaje, alterna las imágenes de las entrevistas con secuencias de actos propagandísticos del régimen o tomas de los noticiarios televisivos, de tal suerte que para el espectador, el crecimiento de la pequeña y los cambios en la complejidad de sus respuestas, marchan paralelamente a la agonía del régimen soviético.
Hilo DXC: Anna (Nikita Mikhalkov, 1993) DVDRip VOSE

- Brother's Keeper. (Usa, 1992) [Color, 104 m.].
Ficha técnica. Dirección: Joe Berlinger, Bruce Sinofsky. Fotografía: Douglas Cooper, Richard Hissong. Montaje: Joe Berlinger, Bruce Sinofsky. Música: Molly Mason, Jay Ungar. Producción: Joe Berlinger, Bruce Sinofsky. Productora: American Playhouse / Hand to Mouth Productions. IMDb
Intervienen: Connie Chung, John Teeple, Delbert Ward, Lyman Ward, Roscoe Ward.
Sinopsis: Los hermanos Ward viven en una granja de Munnville, en el condado de Madison (New York), en la miseria. Tras la muerte del hermano mayor, las autoridades detienen a Delbert Ward, de 59 años, como sospechoso, y es llevado a juicio acusado de asesinato en segundo grado. Durante el proceso se desata una sorprendente ola de solidaridad con la familia por parte de una comunidad rural que que rechaza la injerencia en sus asuntos de la policía y los fiscales de la gran ciudad.

- Capturing the Friedmans (Usa, 2003) [Color, 107 m.]
Ficha técnica. Dirección: Andrew Jarecki. Fotografía: Adolfo Doring. Montaje: Richard Hankin. Música: Andrea Morricone. Producción: Andrew Jarecki, Marc Smerling. Productora: HBO Documentary / Notorious Pictures. IMDb
Intervienen: Arnold Friedman (Father), Elaine Friedman (Mother), David Friedman (Eldest Son), Seth Friedman (Middle Son), Jesse Friedman (Youngest Son), Howard Friedman (Arnold's Brother), John McDermott (Postal Inspector), Frances Galasso (Director Sex Crimes Unit, ret), Joseph Onorato (Assistant District Attorney), Abbey Boklan (Judge).
Sinopsis. A primera vista, los Friedman parecen una típica familia americana. Judíos de clase media-alta, él es un reconocido profesor, ella es ama de casa, y viven con sus tres hijos en Great Neck (Long Island). Un Día de Acción de Gracias, mientras la familia se prepara para la cena, la Policía irrumpe en su casa, la registra de arriba abajo y detiene a Arnold, el padre, y a su hijo de 18 años, Jesse. Ambos salen de casa esposados entre una nube de periodistas, focos, cámaras y camiones apostados en su jardín. Padre e hijo son acusados de pederastia. La familia proclama su inocencia, pero los Friedman se convierten en blanco de la ira de sus vecinos
“Capturing the Friedmans” explora la tragedia de una familia acomodada de Long Island, los Friedman , cuya vida se hundía en la tragedia cuando en 1987 el padre y el hijo menor fueron encarcelados acusados de pederastia. Los medios de comunicación americanos se volcaron en el caso, pero son los videos caseros de los propios Friedman los que capturan la realidad del auténtico drama: la doble moral de la sociedad y el cuestionable sistema legal existente. Opera prima del realizador, obtuvo el Gran Premio del Jurado del Festival de Sundance y, para Jesse Friedman, el hijo que cumplió trece años de prisión, resulta ser el verdadero juicio que nunca tuvo.
Comentario. «Andrew Jarecki compone un film-documental cuya principal vía de narración son las diversas imágenes filmadas en video casero tanto por parte del mayor de los hermanos, David Friedman, como del propio padre, un reputado profesor que impartía clases de piano e informática privadas, durante las cuales, supuestamente, se dieron parte diferentes violaciones a los alumnos que participaban en ellas; dichas imágenes de archivo se mezclan con diferentes entrevistas a gente relacionada con el caso, ya sean familiares, vecinos, algunos de los jóvenes maltratados, y funcionarios relacionados con la investigación y el juicio. [...] no existe en ningún momento de la obra ningún tipo de indicio que lleve a la manipulación, más allá de la veracidad de los comentarios que realizan los retratados, aunque la información que se va desgranando a medida que avanza el film es gradual, logrando picos de auténtico desgarro, confiriendo así a la obra un tempo de ficción, muy diferente de lo que hubiera sido si se explica todo en los primeros minutos de la cinta» (Alejandro G. Calvo, “De ratones y de niños”. Miradas de Cine).
Hilo DXC: Capturing the Friedmans (Andrew Jarecki, 2003) DVDRip VOSE

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[marlowe62]

Tras una larga pausa, ya está lista la segunda versión ampliada de la filmografía del Documental actual. Se han quedado fuera muchos títulos y autores, pero creo que el texto esboza una panorámica bastante amplia del heterogéneo y difícilmente clasificable cine documental contemporáneo.

Los hilos de ambas versiones van a coexistir de momento, ya que al suprimir el primero se eliminarían los enlaces de descarga de archivos y subtítulos (reemplazados aquí por enlaces internos a los respectivos hilos en DXC) y las respuestas de los usuarios.

Un saludo.