Still Point (Barbara Hammer, 1989) VHSRip VO

[V]

Still Point
(Barbara Hammer, 1989)

Director:
Barbara Hammer

Info:
http://spanish.imdb.com/title/tt0098388/

Duracion: 9

Pais: USA
Idioma: Ingles

Datos tecnicos:

Format : AVI
Format/Info : Audio Video Interleave
Format/Family : RIFF
File size : 119 MiB
PlayTime : 9mn 17s
Bit rate : 1787 Kbps
StreamSize : 1.14 MiB
Writing application : VirtualDubMod 1.5.10.2 (build 2540/release)
Writing library : VirtualDubMod build 2540/release
Video #0
Codec : XviD
Codec/Family : MPEG-4
Codec/Info : XviD project
Codec settings/PacketBitStream : Yes
Codec settings/BVOP : Yes
Codec settings/QPel : No
Codec settings/GMC : 0
Codec settings/Matrix : Default
PlayTime : 9mn 17s
Bit rate : 1666 Kbps
Width : 544 pixels
Height : 400 pixels
Aspect ratio : 4/3
Frame rate : 25.000 fps
Resolution : 8 bits
Chroma : 4:2:0
Interlacement : Progressive
Bits/(Pixel*Frame) : 0.305
StreamSize : 111 MiB
Writing library : XviD0039
Audio #1
Codec : MPEG-1 Audio layer 3
Codec profile : Joint stereo
PlayTime : 9mn 17s
Bit rate : 113 Kbps
Bit rate mode : VBR
Channel(s) : 2 channels
Sampling rate : 48 KHz
Resolution : 16 bits
StreamSize : 7.49 MiB
Writing library : Xing (new)

Capturas:







Enlace (Gracias al ripeador):
Barbara.Hammer.-.Still.Point.1989.VHSRip.XviD-CiNEMAGROTESQUE.avi

[SolPolito]

Ya no se pone enlace a la página original del mensaje?
Lo digo por si allí se pone algo mas de INFO.
Saludos

[V]

En el hilo de Cine-Clásico no viene más información, sólo el mensaje que reproduzco.

Buscando:

Barbara Hammer
cinovid | IMDb | Experimental Cinema | Vimeo

Still Point
cinovid | Cine-Clásico| KaraGarga

Barbara Hammer | 1989 | 8 minutes | COLOR/B&W | SILENT

Rental Format(s): 16mm film, 24 fps

STILL POINT whirls around a point of centeredness as four screens of home and homelessness, travel and weather, architecture and sports signify the constant movement and haste of late twentieth century life. "At the still point of the turning world, that's where the dance is," wrote T.S. Eliot in Burnt Norton, the Four Quartets. Hammer seeks a point of quiet from which all else transiently moves.

Award: Women in Film Award, Atlanta Film and Video Festival

Exhibition: MIX NYC: NY Lesbian & Gay Experimental Film/Video Festival; Rocky Mountain Film Study Center; Utah Media Arts Center; Judge's Show, Ann Arbor Film Festival; Judge's Show, Big Muddy Film Festival.

U.S.A. / 9 min. / 1989
mono / colour & b/w

“‘Still Point’ serves as Barbara Hammer’s definitive reassessment of 70’s cultural feminism. She literally places side-by-side the romantic image of her companion walking and stretching under the sun in a landscape and the gritty realism of a methodical garbage picker on the street of New York city, pushing a shopping cart and moving on to the next waste container. Our world view must encompass both realities, the film indicates. Privilege can’t obscure vision.” - Chick Kleinhans, The Film/Video Showcase Presents the Films of Barbara Hammer

EXHIBITION FORMATS

• 16mm

GENRE

• experimental
  queer

CATEGORY

• political/social activism
  Queer/Bi/Trans
  work by/about women

• Entrevista a Barbara Hammer
  
  A principios de los '70, no existía el cine lésbico en EEUU y la realizadora se propuso ocupar esa falta con un activismo enérgico para que los derechos de los gays se extendieran a todas las minorías, en tanto que su sensibilidad artística la volcó a la abstracción y a la experimentación.
  
  Por Nicolás Aponte A. Gutter y Patricio Pomares.
  
  TEXTURAS EN RESISTENCIA
  (fecha de realización: Abril 2005)
  
  Descubrió su pasión por filmar cuando su maestro de pintura le advirtió que estaba tratando de pintar el movimiento, aconsejándole que pintara una película virgen y la proyectara. Fue amor a primera vista. Al mismo tiempo descubría su sexualidad lesbiana. Ambos hechos marcaron significativamente la obra y vida de Barbara Hammer. En aquel momento, a principios de los '70, no existía el cine lésbico en EEUU y la realizadora se propuso ocupar esa falta con un activismo enérgico para que los derechos de los gays se extendieran a todas las minorías, en tanto que su sensibilidad artística la volcó a la abstracción y a la experimentación. Interesados por su valiosa y prolífica obra, durante su visita a Buenos Aires, nos embarcamos juntos en un viaje en tren hacia Tigre, invitados muy amablemente por la realizadora.
  
  
  ¿Qué parámetros determinan que una película se considere un film gay o un film lésbico?
  
  Esta pregunta es muy complicada. Probablemente se podría responder de varias maneras. Una manera es, si el director es gay, lesbiana, bisexual o transexual entonces el film lo será; la otra forma sería algo más personal… Cuando yo me descubrí lesbiana desarrollé mi propia cultura de lesbiana, que no es igual que la cultura gay o la cultura de los transexuales, bisexuales o heterosexuales. Entonces pude crear representaciones de dicha cultura en mis films. Por consiguiente, eso sería un film lésbico.
  
  Ahora, ¿puede un hombre heterosexual hacer un film lésbico? Cuando tratan de hacerlo deben contratar a un consultor, una lesbiana que les dice como es la cultura lesbiana. En mi opinión, uno no puede tomar un guión heterosexual, con una narrativa heterosexual, creado por heterosexuales y luego poner dos mujeres dentro, pues seguirá siendo una película heterosexual con personajes lesbianas.
  
  
  En Resisting Paradise, History Lessons, Devotion —A film about Ogawa Productions—, por citar algunos de tus films, se advierte un tono militante muy marcado, un compromiso social muy fuerte. ¿Considerás que uno tiene que tener algo para decir antes de hacer una película?
  
  ¡No, para nada! Puedes sólo experimentar, puedes sólo tomar cuadros y ponerlos en el film. Esa es la manera en que uno encuentra algo nuevo. No se logra pensando, se logra metiendo la mano en el film, haciendo cosas locas, probando y si no resulta como lo hiciste lo probás de otra manera. Esa es la manera divertida de hacer cine y es eso lo que hice en Resisting Paradise por ejemplo, cuando armé unas pequeñas bolsitas de plástico y puse en ellas agua, aceite y colores. Las puse delante de la cámara, comencé a retorcerlo y sólo filmé los colores que iban de un lado para el otro. Por ejemplo también cuando realicé un filtro de varios colores, entonces lo movía instintivamente frente al lente durante la escena y cambiaba los colores. Esto es sólo jugar, jugar y nunca saber si eso va a llegar a estar en el film porque, como uno puede llegar a encontrar algo nuevo sólo pensándolo, seguramente si uno es brillante puede llegar a pensar algo nuevo. Pero yo no, yo lo hago a través de mi cuerpo y mis sensaciones, no pre-conceptualizando. Claro que un hecho significativo como la guerra de Kosovo de inmediato me llevó a cambiar mi trabajo, pues al principio Resisting Paradise sólo se trataba de un experimental sobre la utilización de la luz en la pintura. Pero el tema de la guerra vino después, no estaba pensado de antemano.
  
  
  Con esta forma tan lúdica de construir… ¿Cómo trabajás en la etapa de edición? ¿Cuándo decís “hasta aquí”?
  
  Es un proceso bastante intuitivo. Cuando puedo sigo trabajando hasta que pienso “esto es lo mejor que puedo sacar” y cuando llego a ese momento me harto y no puedo trabajar más. En History Lessons, en cambio, me forzaron a terminarla porque querían exhibir la película y pienso que podría haber hecho algo mejor. La película que estoy haciendo ahora la estoy editando desde hace ya ocho meses y todavía no encontré la mejor manera. Pero me gusta la idea de que cada corte sea un shock a la emoción. Por ejemplo, en mis primeros films, cuando filmaba en Super 8 y luego iba a revelar e imprimir, en ese momento, el de imprimir, trabaja con mis emociones y si lo que imprimía me hacia llorar o me provocaba sensaciones, sabía que estaba bien y si no sabía que era sólo un ejercicio.
  
  
  También existe en tus films una gran impronta plástica, con diversidad de formas, de colores y de texturas, muchas veces cercanas a un estilo que podríamos definir como “collage en movimiento” y que colocan al espectador ante un viaje de expresiones y relaciones.
  
  La razón por la que uso muchas texturas en mis films es porque soy una persona sensible. Cuando veo algo como puede ser un techo (señala por la ventana del tren) lo siento en mi cuerpo, miro esos cielos y mis ojos se conectan con mi sentido del tacto. No todo el mundo tiene esta sensibilidad, esta manera particular de ser para con el mundo, pero yo siento lo que veo. La vida está llena de texturas que filtramos a través de los sentidos. Entonces trato de darle esas texturas al espectador para que pueda sentir algo en su cuerpo, no quiero que sea algo que sólo lo piense, esa es mi idea y por ello lo materializo plásticamente de esa forma.
  
  
  Tus películas son muy personales. ¿Trabajas con alguien más?
  
  Trabajo con una cineasta independiente, en donde yo tengo control sobre lo que filmo, el diseño y la edición, pero como no siento que tenga mucho talento a la hora de diseñar sonido contrato siempre a alguien que diseña el sonido para mis películas y que, luego de que hablamos y nos ponemos de acuerdo, pone toda su creatividad, aunque yo le pago por lo que hace y es por eso que en términos de copyrights la música aparece como mía. Sólo en tres películas trabajé con colaboración desde el principio hasta el final del film y fue muy divertido. Si puedes encontrar a alguien con el que funciones es siempre muy divertido.
  
  
  ¿Pensás que se puede transmitir esta manera tan singular de hacer cine?
  
  Sería fantástico enseñarlo y sería muy divertido hacer ejercicios. Yo doy una clase en donde se enseña algo parecido. El ejercicio está destinado a crear imágenes para luego sentirlas en nuestro cuerpo. Acuesto a todos los alumnos en el suelo y les dibujo una línea alrededor del cuerpo, a modo de contorno. Luego les hago un pequeño ejercicio de meditación para que puedan entrar en sus cuerpos y comiencen a ver diferentes cosas en sus ojos, en sus caras, en sus pechos, en sus manos… los llevo por todo su cuerpo. Luego les pido que lo recuerden y que abran los ojos, que se levanten del suelo y que dibujen con el lápiz -en ese cuerpo que dibujaron en el suelo- las imágenes que vieron. Algunas veces cuando enseño esto ponemos todos los cuerpos alrededor de la sala y estos cuerpos comienzan a transformarse en sus propios guiones. ¿Cuál es el resultado? En la mayoría de los casos no da como resultado un buen film, pero sirve para darles la confianza de que tienen algo que contar, tienen sus propias ideas. Y esa es la idea del por qué hago ese ejercicio. Además, cualquiera puede tomar la clase.
  
  
  ¿Cuál sería para vos una buena pedagogía para enseñar cine? ¿Cuál sería para vos un buen docente?
  
  Un buen maestro de cine es uno que reconoce las diferencias entre los alumnos de la clase y los empuja a realizar proyectos a su propia manera y con su propio estilo, no el que impone una estructura. El cine es un arte plástico, puede cambiar tanto como nosotros podemos cambiar. Somos personas plásticas, podemos crecer, somos maleables y eso es maravilloso. Entonces el cine puede ser como nosotros, pero si en todos los cines de la “calie corientes” se exhibe exactamente lo mismo, entonces seremos como secretarios de un film y no artistas. Si hacemos lo mismo todos estaríamos repitiendo una forma que deviene en una fórmula que está destinada a agotarse. Argentina puede crear y de hecho ha creado -creo yo- un cine independiente que es único en el mundo, es un cine que puede ir a Berlín, que puede ir a Cannes, que puede ir a Nueva York, que puede ir a cualquier lugar, porque las distintas películas han logrado una unificación estética actuando a modo de lo que lograban ya hace tiempo las películas de Taiwán, Hong Kong, Corea del Sur: una nueva estética. No puedes ser un maestro si exiges la repetición de una forma vieja o la misma forma. Si se enseña de esta manera Argentina no tendrá nada que ofrecerle al mundo, más que una copia de Hollywood.
  
  
  Acerca de Barbara Hammer
  
  Nace en Hollywood en 1939. Realizadora independiente que comenzó a filmar alrededor de los 30 años y desde entonces ha realizado más de cincuenta obras experimentales en 16mm, 8mm y Súper 8mm y más de veinte en video, por las que ha recibido numerosos premios y reconocimientos internacionales.
  
  Su trilogía de ensayos fílmicos documentales sobre historias homosexuales —Nitrate kisses (1992), Tender fictions (1995) y History lessons (2000)— es considerada un clásico del cine acerca del tema de referencia y ha recibido numerosos premios.
  
  En 2000 fue honrada con el premio Frameline por realizar un aporte significativo al cine lésbico. La nombraron Radcliffe Fellow del Instituto Radcliffe de Estudios Avanzados de Harvard de 2001 a 2002. Obtuvo un MA en cine en la San Francisco State University y realizó cursos sobre estudios digitales multimediales en el American Film Institute. Sus films están incluidos en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York y del Centro Georges Pompidou de París.
  
  Entre su filmografía se destacan los largometrajes Resisting Paradise (2003), History lessons (2000), Devotion —A film abaout Ogawa Productions— (2000), The Female Closet (1998), Tender fictions (1995), Out of South Africa (1994), Nitrate kisses (1992) y los cortometrajes Endangered (1988), Place Mattes (1987), No No Nooky T.V. (1987), Optic Nerve (1985), Tourist (1984-5), Doll House (1984), Parisian Blinds (1984), Our Trip (1980), Sync Touch (1980), Double Strength (1978), Multiple Orgasm (1976), Women I Love (1976), Superdyke (1975), Menses (1974), Dyketactics (1974), entre otros.
  
  Para más Información acerca de la realizadora:
  http://www.barbarahammerfilms.com/

[SolPolito]

Muchas, gracias. Por la cumplimentada.