Cine realizado por mujeres

[adrian mole]

Que no feministas, no son palabras sinónimas, que sean o dejen de ser feministas no les otorga ningún valor cinematográfico extra, como mucho se lo puede quitar sin son maniqueas y panfletarias, exactamente igual que sucede con los directores machistas, la gran mayoría, antes de nada aclarar que no considero que haya un cine masculino o un cine femenino, o que las mujeres tengan una forma de ver la vida distinta o una sensibilidad especial, hay mujeres sensibles y bastas como una arao, como cualquier hombre, como mucho son más generosas, y eso no lo considero una virtud.

Lo que es una evidencia es que el cine hecho por mujeres es prácticamente desconocido y ninguneado sistemáticamente, con argumentos tan peregrinos como que no existe ninguna mujer a la altura de Dreyer, Bresson o Godard, nos ha jodido, Bresson sólo hay uno, y si fuera mujer se llamaría Bressona, y el caso es que no me cuesta imaginármelo con falda y sujetador, o que todas las directoras son lesbianas y sólo hacen películas para lesbianas, prejuicio que que casualidad no existe con los directores homosexuales, y el ramillete es extenso: Murnau, Cukor, Pasolini, Visconti, Syberberg, Fassbinder, Gus Van Sant, François Ozon, Almodóvar y un larguísimo etcétera, por lo visto la diferencia estriba en que éstos directores consiguen trascender su homosexualidad y hacen historias de amor universales, por lo visto el amor entre mujeres es más local, o será más bien que el cine realizado por homosexuales no deja de ser una cosa de hombres, y no se sienten excluidos, amenazados.

Y si tenemos que hablar de un criterio puramente estadístico, si comparamos el número de películas realizadas en la historia del cine por hombres y eliminamos las películas mediocres o malas directamente no queda otra que concluir que la calidad media del cine realizado por mujeres es muy superior al de los hombres, queda la duda de que si hubiesen habido más mujeres directoras el porcentaje hubiera subido o hubiera bajado, en mi opinión hubiera subido porque otro de los inconvenientes que tienen que sufrir las mujeres directoras es la falta de continuidad, lo que las impide crecer en su oficio, el cine sigue siendo un territorio machista, únicamente en los terrenos de la animación, de los cortos y de los documentales hay cierta igualdad de oportunidades y básicamente porque no son comerciales y dependen más de la autofinanciación que otra cosa, el día que las mujeres tengan el mismo acceso a la financiación que los hombres les auguro un periodo bastante largo de ostracismo, y me parece justo, como mínimo 100 años.

Sólo he escogido 14 para que cuando os pregunten:

¿A qué no hay cojones de decir 10 películas buenas realizadas por mujeres?,

podáis contestar con altaneria, soltura, y cierta sobradez.

El criterio de selección ha sido totalmente subjetivo, sólo he incluido películas que me han gustado mucho, que sé que voy a volver a ver muchas veces, y que están disponibles en la red,
si echáis de menos algunas directoras y películas muy conocidas y reconocidas no es casualidad,
es completamente deliberado, al menos yo no las echo de menos, no he pretendido hacer una lista representativa, ni histórica, sólo personal, estrictamente criterio propio.


1-FUNCIÓN DE NOCHE / ODDS OF RECOVERY / DANS MA PEAU


Función de noche. Josefina Molina


La película más honesta, emocionante, desgarrada y arriesgada que se ha hecho nunca en éste país, y con gran diferencia sobre la segunda la mejor película realizada nunca por una mujer en España, el resto por comparación no merecerían llamarse películas.

Sólo es comparable en grandeza con “Juguetes rotos” de Summers, “Bodas de sangre” de Saura y “El desencanto” de Chavarri, mucho más que una película, mucho más que un documento, mucho más que una reflexión sobre el papel de la mujer durante el franquismo al nivel de “Usos amorosos de la posguerra española” de Gaite, sobre la crisis de la mediana edad.

Nadie en éste país, ni fuera de él, ha exhibido, ha expuesto, su vida, sus sentimientos, sus debilidades, sus miedos, sus frustraciones, sus complejos, de forma tan visceral, tan cruda,
nadie se ha desnudado tanto ante una cámara, y sin red, como lo hace Lola Herrera en ésta película, ni tan siquiera Cassavetes ni Bergman, un verdadero exorcismo a pecho descubierto.

Otro claro ejemplo de que cuando el cine español se quita los complejos de inferioridad y se deja llevar roza cotas sublimes, que algún descerebrao haya hablado de “Función de noche” como una anticipación del docudrama o de programas televisivos del tipo Gran Hermano es para meterle en la cárcel con cadena perpetua, decir memeces no debería salir gratis, hay personas que en lugar de ojos tienen pies, y con durezas.



Odds of recovery. Su Friedrich


Pocas personas, por no decir ninguna, consiguen trascender sus propias enfermedades y hacer algo constructivo, creativo con ellas, muchos escriben libros, diarios, hacen películas hablando de sus experiencias pero lo hacen con la distancia, la serenidad, la soberbia del superviviente que conceden la salud recobrada, o filman su propia degeneración como forma de exhibicionismo, de desesperado egocentrismo.

Su Friedrich no, Su Friedrich convierte sus enfermedades en cine desde el presente, utilizando sus enfermedades como una forma de expresión más, no como algo al margen de la vida, observándose a sí misma sin poner distancia sino acercándose más,
sin condescendencia, sin heroísmos narcisistas, con sentido del humor, algo que ningún enfermo está en condiciones de hacer, no hay mayor tirano de uno mismo, y de los demás, que un enfermo.

Su Friedrich se rodea de vida, y extrae belleza, cine, de su propia desesperación, otro ejercicio de honestidad cinematográfica bastante inviable en el caso de un director, hombre.



Dans ma peau. María de Van


Una película en apariencia gratuita, cruel, extraña, enfermiza, repugnante, masoquista,
pero que cualquier persona que haya tenido, o tenga, un complejo, es decir, todo el mundo, comprenderá a la perfección y se sentirá identificado, reflejado, tocado.

Una película sobre el odio a uno mismo, sobre el odio a tu propia vida, a tu propio cuerpo, y la solución más cómoda, más fácil, más comprensible, la autodestrucción,
el lado más oscuro del alma humana, del cuerpo humano, a plena luz del día,
honestidad brutal.




2-WANDA / TESTAMENT / OLD JOY / AT LAND



Gelsomina ataca de nuevo


Wanda. Barbara Loden.

La película más importante, más grande, y la mejor, de la historia del cine independiente americano, y una de las diez mejores de la historia del cine americano en general, y no exagero ni un fotograma, y sí, realizada por una mujer, una mujer que la dirige, que la escribe y que la interpreta de forma magistral, con una precisión y profundidad deslumbrantes, y con bastante más talento que las casi siempre mediocres Akerman, Denis, Potter o Kawase.

Totalmente incomprensible que ésta película no figure en todas las historias del cine en un lugar destacado y que no sea de obligado visionado, ni Bresson, ni Dreyer, ni Rossellini, ni Godard, ni Kiarostami, ni Cassavetes, ni Altman, ni Fassbinder, ni Tsai Ming Liang, ni Hsiao Hsien, ni Aoyama hubieran podido realizarla, ni tan siquiera soñarla.

Hablar de su argumento, o de su forma, sería faltarle al respeto.

Especialmente recomendada para todos aquellos gilipollas que opinan que las mujeres son incapaces de asimilar la forma, una road movie existencial de aliento Walshiano (“El último refugio”) no exenta de humor negro, que deja en pañales a Monte Hellman, Jim Jarmusch, Vincent Gallo y Gus van Sant, entre muchos otros.

Testament. Lynne Littman


¿Hay algo más terrorífico que ser una ama de casa con tres niños?
¿Algo más terrorífico que tener un marido en apariencia adorable que no hace absolutamente nada?

Si nos atenemos a la lectura superficial de la historia estaríamos hablando de una película
que trata sobre el miedo a cualquier agente externo, pero no,
trata sobre la figura del padre ausente, presente, sobre los hombres encantadores de serpientes,
sobre los padres flautista de Hamelin, no hace falta estar ausente para no estar presente,
no hace falta estar solo para sentirse solo, no hace falta tener motivos para tener miedo,
el miedo, la vida, la muerte, habitan dentro, y se transmiten a los demás por simpatía,
por antipatía, la gran película sobre las secuelas del 11-S con 25 años de antelación,
si ésta directora hubiera dirigido "La guerra de los mundos" sería la mejor película de la historia del cine.

Es difícil prescindir de la figura mítica, no real, falsa, del papá Dios, del papá Estado, del hombre como figura protectora, pero hay hay que aprender a hacerlo y salir adelante por uno mismo,
por una misma, Dios ha muerto, el padre ha muerto, pues uno menos.

Una película durísima sin el menor aspaviento, obra maestra absoluta.



Old joy. Kelly Reichardt


A la búsqueda del tiempo perdido de soltero,
la típica huida hacia atrás de los hombres cuando los compromisos te agarran por los huevos,
y en lugar de afrontarlos prefieres meter la cabeza debajo del sobaco, dentro del útero materno,
lo que en occidente se podría denominar budismo de postal.

Si a esto le sumamos el odio generalizado de los amigos a las novias,
que tiene bastante de homosexualidad latente, y no tan latente,
tenemos esa vieja despreocupación, esa vieja alegría adolescente,
que a partir de los 30 resulta bastante forzada, ridícula.

Película americana que nos redime de todas las Gerry´s last days, galladas desplumadas,
y atardeceres amanecidos del mundo, se puede hacer un ejercicio cinematográfico arriesgado,
profundo, sin necesidad de tomar al espectador por idiota, sin necesidad de hipnotizarlo,
de aturdirlo, de anestesiarlo, de atontarlo con la steady-camama.

En definitiva una película de adolescentes crepuscular,con el poso del mejor cine asiático.



At land. Maya deren


Precursora de muchas cosas, no todas ellas buenas, como por ejemplo el videoarte, que ya hasta su propio nombre resulta ridículo, también el exceso de egocentrismo en el cine, y en algunas ocasiones una más que manifiesta pretenciosidad, características éstas redimidas por un desbordante talento, una desbordante imaginación, una desbordante libertad, y una desbordante capacidad para jugar con el lenguaje cinematográfico.

La Figura más respetada, conocida, y reivindicada del cine realizado por mujeres, verdadero icono de la independencia en el cine, si hubiera sido fea habría tardado más años en ser aceptada, por duro que suene oirlo.

Casi toda su obra es muy recomendable, siempre se suele mencionar “Meshes of afternoon” que es una obra que ha influenciado a directores como David lynch, en concreto su película “Carretera perdida”, pero yo me quedo con “At land”, una verdadera escuela de cómo romper raccords (continuidades) espacio temporales.





3-DAGUERREOTYPES / LA FELICIDAD / CLEO DE 5 A 7



Daguerreotypes. Agnes Varda


Una película crepuscular, sobre un mundo a punto de desaparecer,
que ya ha desaparecido, el de las personas sencillas.

Si fuera sólo un documental tendría cierto valor antropológico,
que no cinematográfico, como el panfleto "Los espigadores y la espigadora",
pero "Daguerreotypes" es mucho más, es un ejercicio de cine puro,
de imágenes congeladas de un pasado que se resiste a ser presente,
imágenes fantasma más reales que cualquier ficción.

Una serie de instantáneas que juntas crean un verdadero álbum de familia,
que Varda convierte en parte de nuestro álbum de familia.


La felicidad. Agnes Varda


Cioran distingue entre la música de Bach que denomina vertical,
porque va dirigida al cielo, y la música de Mozart, horizontal,
escrita desde el cielo.

Varda escoge la música de Mozart, con motivo, porque cuando se está en el cielo,
sólo puede pasar una cosa, darse la ostia, caerse.

Al contrario de lo que puede parecer al principio, “La felicidad” no es una película horizontal, es una película vertical, hacia abajo, y la música de Mozart actúa como contrapunto, a la manera de Brassens, que es homenajeado en la película, es decir,
con apariencia de jovialidad pero con un poso de profunda amargura, de profundo cinismo.

Algún superficial puede decir que Varda utiliza los hallazgos cromáticos de su maridito Jacques Demy, que por cierto de originales tiene lo justo, los colores primarios ya estaban inventados, que se lo digan a Minelli, pero en este caso la gallina es antes que el huevo, detrás de toda gran directora hay un hombre acojonado.

Resumiendo, que la felicidad es empalagosa, y que a diario, empacha, y cansa.


Cleo de 5 a 7. Agnes Varda


La respuesta de Varda a “A bout de souffle” de Godard, las dos películas siguen a un personaje sin aliento, en la de Varda porque no puede respirar, aunque lo intenta, y en la de Godard porque no quiere respirar, porque no le da la gana.

Diferencias entre Godard y Varda:

Si Godard hubiera dirigido “Cleo de 5 a 7” la hubiera protagonizado Anna Karina, y sería, o querría ser, prostituta, en ningún caso una mujer independiente de profesión artística, sería igual de superficial y caprichosa que Cleo pero Karina se pasaría el día haciendo mohines y poniendo pucheros para conseguir esos caprichos, en ningún caso se los compraría por sí misma como Cleo, que apareciera una taxista en lugar de un taxista ni lo contemplamos.

Lo que no cambian son los hombres, en una película de Godard en Karina sólo verían una mujer bella, exactamente lo mismo que ven en Cleo, bueno no todos, me olvidaba del soldado, aunque solo en parte, lo que no sería ningún inconveniente para el personaje de Karina, que solo buscaría la admiración y la aprobación de los hombres gracias a su belleza, y lo que es aún peor, que eso la llenaría, en cambio Cleo no busca que la admiren, busca que la quieran, ahí es nada la diferencia.

Para terminar con la comparación una pregunta test:

¿El siguiente diálogo pertenece a una película de Godard o a “Cleo de 5 a 7”?

“Creo que el cariño es necesario, pero es mejor hablar.”




4-ISHTAR / LOVE SERENADE / KAMOME SHOKUDO



Ishtar. Elaine May


Película que en su día fue bautizada como la peor de la historia del cine (y que injustamente supuso el final de la carrera como directora de Elaine May, autora a reivindicar), y que como buen adolescente inconsciente me encantó, como el hombre es el único animal que tropieza dos veces en la misma película la he vuelto a ver, y me ha vuelto a encantar, al contrario que “The life aquatic” de Wes Anderson, aquí la parodia de géneros funciona a la perfección, y con un humor bastante más marciano que el de Anderson, formalmente la directora se limita a ilustrar con brillantez un guión disparatado firmado por ella misma sin interferir en la historia ni estar presente en cada plano, cosa que parece relegada a la historia en el cine actual en el que parece que si no se te ve no existes, y que mejor manera de hacerse ver que mover la cámara como un sonajero, cada vez estoy más convencido de que la cámara transparente del cine clásico es lo más difícil que existe y “los nuevos lenguajes” un recurso para inútiles y para vagos, por mucho que nos lo vendan como cine no narrativo, concepto que no existe porque en cuanto enciendes la cámara ya estás narrando, no existen ni nuevos ni viejos lenguajes, sólo existe una cámara y el mundo, nada nuevo bajo el sol.

Volviendo a la película, Dustin Hoffman y Warren Beatty se salen, no solo componen una pareja de freakies increíbles mezcla de Faemino y Cansado y el dúo sacapuntas, sino que además se ríen de sí mismos y de sus respectivas carreras, sobretodo Warren Beaty que demuestra tener unas dotes para la comedia a la altura de Bill Murray, no perderse los modelitos de Dustin, ni Paco Clavel el día del orgullo gay.

Por si necesitáis más estímulos, la tercera pata de la película es Isabelle Adjani, preciosa de por sí, y que con turbante es inquietante, si a todo esto le añadimos una trama de espionaje digna de los Monty Python y unas surrealistas canciones interpretadas por ellos mismos, el gazpacho está servido, y puede que repita.



Love serenade. Shirley Barrett


Una tragicomedia romántica marciana sin estridencias del tipo mira que raro soy me llamo David Lynch o Wes Anderson, no hay nada más raro que lo cotidiano.

A destacar el genial trabajo interpretativo del cuarteto protagonista, y la increíble selección musical.

Una película sobre la visión, cínica, masculina, de algunos hombres, de una gran mayoría de hombres, del amor libre, que como era de esperar coincide con el sexo libre, y sobre la visión, romántica, femenina, de algunas mujeres, de una gran mayoría de mujeres, del amor libre, que como era de esperar no existe, como tiene que ser,
el amor nunca es libre, el amor es una decisión libre entre dos personas que hay que apechugar, con gusto, de por vida, de por vidas.

"La libertad robusta
sólo la sentiréis encadenados
aprisionados
casi ahogados
en los brazos de quien amas y te ama".

Gloria Fuertes.




Kamome Shokudo. Naoko Ogigami


Sólo una directora japonesa podía combinar una comedia extremadamente sencilla,
con una forma extremadamente compleja, sin que cante.

“Kamome Shokudo” mezcla unos personajes entrañables que parecen sacados de “Doctor en Alaska” con una forma digna de una película de Kaurismaki, y lo hace con una facilidad, una felicidad, hace tiempo desterradas del cine, una película que reconcilia con la vida al más nihilista.

Un canto de amor a la amistad, a la vida, en minúsculas.




5-ORIANA / EL DANZÓN / LA CIÉNAGA / XXY



Oriana. Fina Torres


Una película de fantasmas, de ecos del pasado que se escapan al presente, o al revés,
porque al igual que Bresson en “Una mujer dulce”, Fina Torres no emplea flash-backs,
se limita a actualizar el pasado, a renovarlo, a hacerlo presente, eternamente presente,
sin transiciones, o al revés.

La mezcla perfecta entre Marcel Proust y Juan Rulfo, hay muertos, imágenes pasadas,
más presentes, más vivas, que muchos vivos, toda la película tiene una atmósfera extraña, de tiempo detenido, borrado, como de sueño en duermevela,
como “Picnic at Hanging Rock” de Peter Weir, como “Solaris” de Tarkovsky,
como “Cumbres borrascosas” de Emily Brönte.

Una película de terror, sin terror,
no hay nada que dé más miedo que quedarse detenido, retenido, anclado,
en un momento determinado del pasado, mientras el presente vuela,
a la búsqueda del tiempo recobrado.

La obra maestra del cine hispanoamericano,
la más bella historia de amor jamás contada.



El danzón. María Novaro


A pesar de cierta torpeza formal, característica inherente a todo el cine mexicano, y que en este caso, y en casi todos, lejos de molestar es un acierto más que otorga a la película una humanidad, una verdad, lejos de virtuosismos formales estúpidos y vacíos tipo “Copacabana” de Rejtman, “Tango” de Sally Potter, o cualquiera de los cromos folklóricos de Carlos Saura, exceptuando “Bodas de sangre”, hay películas que tienen más valor humano que cinematográfico, sin que eso suponga una merma de valor, por suerte el cine, el arte, es mucho más que forma aunque desde luego tenga una importancia capital, y desde luego que ésta película es una de ellas, el cine no es siempre bigger than life.

Forma aparte, que se adapta como un guante, como un zapato de raso, al contenido, un contenido que roza lo trascendente desde la más pura de las inmanencias, una transmutación que opera a través del danzón, un baile tan esencial, simple y sencillo, que provoca una comunión perfecta entre cuerpo y alma, una comunión que roza el éxtasis místico, el transporte al otro lado, como el baile giratorio de los derviches o la movilidad interna del Chi-Kung.

O en otras palabras, el baile no como forma de expresión, o como forma de vida, sino como religión.


La ciénaga. Lucrecia Martel


Cuando la vida se estanca, lo mejor es tumbarse en la cama.

Contra el bochorno cotidiano, la resistencia pasiva.

El estoicismo hedonista, morboso, incetuoso, húmedo,
de los argentinos, de los españoles.


XXY. Lucía Puenzo


"La ciénaga" y ésta película, casualmente dos óperas primas que van a lastrar el resto de sus carreras porque superarlas, o igualarlas, va a ser muy complicado, me están haciendo tragarme a paletadas todas mis palabras sobre el cine argentino actual, aunque para ser honestos casi todo el resto me sigue pareciendo una mierda, aún así ya es más de lo que puedo decir del cine actual español, desaparecido en combate.

Miedo da pensar el culebrón que hubiera parido, de parida, Almodovar con los mimbres de ésta película, todo lo contrario que hace Lucía Puenzo tratarlo con toda la naturalidad del mundo,
con la sabiduría, la profundidad, del cine japonés y de las primeras películas de Ang Lee.

Película fácil de entender includo para los no entendidos, yo me entiendo.




6-STRUGGLE / HOTEL / LA HISTORIA DEL CAMELLO QUE LLORA




Struggle. Ruth Mader


Si se llamara Haneke la conocerían en todo el mundo, como se llama Ruth Mader,
o a lo mejor su verdadero apellido es Jelinek, la conocen en su casa a la hora de cenar.

El fabuloso mundo de los adultos y sus satisfacciones diarias,
a Amelie en ésta película se le borraba su sonrisa de mema en cinco minutos,
en comparación Bresson es la alegría de la huerta,
de mayor no quiero ser austriaco.


Hotel. Jessica Hausner


El exceso de forma en una película puede ser debido a dos causas, una a razones meramente estéticas o de pretenciosidad, como podría ser "El custodio", que adolece de un innnecesario exceso de forma, o para crear un efecto de extrañeza, de quiebra de la realidad, como sucede en las mejores películas de Lynch, y en "Hotel", Jessica Hausner gracias al exceso de forma extrae de la nada, de la vulgar rutina de una empleada de hotel, una película ambigua, misteriosa, fascinante, y no es fácil, exactamente con los mismos mismos mimbres Lucrecia Martel naufraga con "La niña santa", Austria es la reserva zen de occidente, sus sucursal en las tinieblas.


La historia del camello que llora. Byambasuren Davaa


La diferencia entre una película buena y una normalita o mediocre,
es tan sutil como la diferencia entre lo verdadero y lo falso,
"La historia del camello que llora" lo es, "El perro mongol" no.

En apariencia las dos deberían serlo porque tienen casi exactamente los mismos elementos:
la misma directora, una historia sencilla, y una familia mongol,
pero el camello funciona y el perro no.

En el perro hay imágenes bellas, pero no necesarias, en el camello sí,
en el perro la emoción es forzada, deliberada, buscada, en el camello no,
en el perro hay un guión demasiado evidente, visible, en el camello no,
en el camello está el mejor Yimou, el mejor Kiarostami, en el perro no.

Nunca te introduces dos veces en el mismo río, ni tan siquiera en el desierto.






7-WHEN THE DAY BREAKS / PALABRAS PALABRAS PALABRAS / SOUTH OF SOUTH / I BASILISCHI



When the day breaks. Wendy Tilby y Amanda Forbis


Una maravillosa reflexión sobre los sutiles hilos que separan, que unen,
la vida de la muerte, la tragedia de lo cotidiano, lo conocido de lo desconocido.


Palabras palabras palabras. Michaela Pavlatova


Una genial interpretación sobre el valor de las palabras, por supuesto sin una sola palabra.


South of south. Tan Chui Mui


O lo prodigioso es lo cotidiano.


I basilischi. Lina Wertmuller


La “Calle Mayor” del cine italiano, su “Entre visillos”,
un trozo de vida, cinematográfica,
sin las estridencias habituales de Wertmuller.


8-EL PRÍNCIPE ACHMED / PERSÉPOLIS / SNEHULAK



El príncipe Achmed. Lotte Reiniger


Una de las pocas obras maestras clásicas de la animación que lejos de perder capacidad de fascinación con los años lo va ganando, y con unas simples siluetas, de forma artesanal, la animación con la llegada de los ordenadores se ha convertido en una gran mentira, como todo el arte digital, que es de todo menos arte, y mucho menos digital, el único dígito que se utiliza es para encender y apagar el ordenador, el verdadero autor, una especie de deus ex-
Machina, por los cojones.



Persépolis. Marjane Satrapi


La hija bastarda de Reiniger, “Maus” ya demostró que un personaje dibujado puede ser más emocionante que cualquiera real, lo único real son los sentimientos, las personas sólo somos simples espectros de carne y hueso.

Una silueta tiene más relieve que cualquier objeto tridimensional, no hay nada más profundo que una línea, la emoción no se consigue dimensionando sino aplanando, la realidad no es en colores, el blanco y negro tiene más matices, no hay color más luminoso que el negro.

En cuanto a la película, una genial forma de mezclar la Historia con la historia,
de hacer política de los sentimientos.



Snehulak. Hermina Tyrlova


Una lección de sencillez que deja a la altura del betún toda la basura que se hace actualmente con ordenador, lana y talento, ¿alguien da más?.





9-DISCO PIGS / CLUBBED DEATH / NET SMERTI DLJA MENJA



Disco pigs. Kirsten Sheridan


La version actualizada de “La reina de las nieves”,
como la hubiera realizado Luhrmann,
con Kay y Gerda convertidos en dos enanos hijos de puta,
brutalmente bella.


Clubbed death. Yolande Zauberman


No hace falta perderse para estar perdido.
No hace falta quedarse dormido para no estar despierto.

No hace falta adoptar la distancia del psicópata para filmar la marginación,
como hace Pedro Costa.
No hace falta convertir en héroes a los marginados,
ni convertirlos en hojas parroquiales andantes como hace Ken Loach.

No hace falta descender a los infiernos sin un poquito de amor,
a tus personajes, sin tratarlos de forma compasiva, condescendiente.
Hace falta reír, aunque sea por miedo.



Net smerti dlja menja. Renata Litvinova


Se tiende a asimilar que las mujeres son unos seres frágiles, débiles, sensibles,
unas pequeñas piezas de porcelana que siempre están a punto de romperse, e incapaces de romper un plato, pero para variar solo es una fantasía masculina que nos interesa mantener para sentirnos superiores, poderosos, que ya hace falta ser penosos.

Por suerte la realidad lo desmiente, e igual que existen directores como Hanecke, Balabanov, o Lars Von Trier que son unos verdaderos hijoputas, también existen directoras que lo son, y hablo de hijaputas, no de provocadoras, que van de provocadoras, como es el caso de Doris Wishman, Breillart, Denis, Asia Argento, o todo el grupito, cada vez más numeroso, que utiliza el sexo como forma de escándalo, de provocación, de supuesta provocación, porque una de las condiciones necesarias de la provocación es molestar, irritar, y la provocación sexual a los hombres no les molesta, todo lo contrario, les pone, y a las mujeres les resbala, así que creyendo que provocan lo único que hacen es seguirles el juego, y llevarlo al único terreno que les interesa, el sexo, cualquier psicoanalista aficionado podría afirmar que éstas directoras sufren el complejo de envidia de pene, o que lo único que buscan es el reconocimiento masculino, otra forma de misoginia muy extendida.

No es el caso de Litvinova, que es una verdadera hijaputa, y con la apariencia ideal de una tacita de porcelana, Litvinova se ríe de sí misma, de su belleza, de su profesión de actriz, y lo hace haciendo un documental del tipo: ¿Qué fue de...?, centrado en viejas estrellonas cinematográficas del periodo comunista, y lejos de hacerlo desde la admiración y el respeto, lo hace desde el desprecio, y el cinismo, sin disimulos,
con par, de ovarios.





10-WRONY / DEMI TARIF / Y AURA-T-IL LA NEIGE A NOEL / LA MANZANA




Wrony. Dorota Kedzierzawska


Directores que hayan sabido reflejar, y reitero lo de reflejar, no utilizar,
el mundo de la infancia se pueden contar con los dedos de una mano:

"¿Dónde está la casa de mi amigo?" de Kiarostami, "El globo blanco" de Panahi,
"Sean" de Arlick, "Beppie" de Keuken, "Ten minutes older" de Frank,
"Nobody knows" de Kore Eda, "Demi tarif" de Le Besco,"La habitación silenciosa" de Heer,
"Mongolian ping pong" y "Camino a casa" de Yimou,

bueno corrijo, con los dedos de dos manos, lo habitual es utilizarlos como reclamo,
como señuelo, como niños viejos, como adultos disfrazados de niños,
niños de verdad, niños tontos, están casi inéditos en el cine.

Con maravillosas excepciones como ésta, dos niñas y una directora acompañándolas,
sin molestarlas, no deja de ser paradójico que los niños de éstas películas,
sólo puedan ser niños cuando la figura de los padres está ausente,
los adultos contaminan todo lo que tocan, con su presencia, con su ausencia.



Demi tarif. Isild Le Besco


"El verano de los niños no sólo huele a hierba,
a lilas y a piedras calientes, como los mayores piensan a veces.
También hay un hedor dulce a pájaro muerto
y al aire cerrado del sótano lleno de trastos viejos,
a ese viejo frío que te envuelve cuando entras para ver lo que se oculta al fondo
de la oscuridad."

Inger Edelfelt


Versión ciudad.



I aura-t-il la neige a Noel. Sandrine Veysset


"El verano de los niños no sólo huele a hierba,
a lilas y a piedras calientes, como los mayores piensan a veces.
También hay un hedor dulce a pájaro muerto
y al aire cerrado del sótano lleno de trastos viejos,
a ese viejo frío que te envuelve cuando entras para ver lo que se oculta al fondo
de la oscuridad."

Inger Edelfelt


Versión campo.



La manzana. Samira Makhmalbaf


La sombra de Kiarostami es alargada, y la de De Sica más todavía,
que se lo digan al propio Kiarostami, así que nada que objetar a Samira,
como diría Cela, cada cual lleva la antorcha tan lejos como puede.

Como buena película neorrealista, el argumento se puede resumir en un par de líneas, y como buena película neorrealista con eso no estarías diciendo absolutamente nada.

Menos es más, una manzana y una cámara, para qué más.




11-HARLAN COUNTY U.S.A / CHILDREN UNDERGROUND / 3 ROOMS OF MELANCHOLIA / DIARIO A MIS HIJOS



Harlan County U.S.A. Barbara Kopple


El equivalente en grandeza a "Wanda" en el campo del documental.

Comparar con cualquiera de las teletiendas de Roger Moore o Sistiaga para constatar hasta que punto el género documental ha degenerado hasta convertirse en un espectáculo circense más,
sin trapecistas ni equilibristas, sólo payasos, sin puta la gracia.

"Los camaradas" de Monicelli a ritmo de blues minero.



Children underground. Edet Belzberg


De nuevo la constatación de que algunos padres, y una gran mayoria de adultos,
son unos verdaderos hijos de puta, y que en esas circunstancias, algunos niños,
los cinco protagonistas de este documental, prefieren vivir en la calle
en unas condiciones lamentables antes que convivir con semejantes monstruos.

Un documental brutal y sobrecogedor que con buen criterio de la directora
recoge sus extremos más duros y violentos sin intervenir,
lo contrario hubiera sido dar una coartada al espectador para sentirse redimido.

Y para variar las críticas en lugar de centrarse en los adultos hijos de puta
que salen en el documental se centran en la directora, como siempre matar al mensajero,
actitud hipócrita, farisea, cobarde, de muchos espectadores que quieren ver un documental
sin sentirse implicados, tocados, saliendo indemnes como si fuera una ficción más.

Éste tipo de espectadores después de ver el documental van a salir jodidos, que se jodan.



3 rooms of melancholia. Pirjo Honkasalo


Ningún niño debería sufrir, nunca.

Ningún niño debería llorar de impotencia,
como lo hacen los niños de éste documental.

Ninguna religión, ninguna ideología, ningún adulto,
debería utilizar, manipular, a los niños.

Nadie, nada,
debería impedir a un niño ser un niño.


Diario a mis hijos. Marta Meszaros


El diario siempre ha sido considerado como una de las formas más eminentemente femeninas de escritura, como si eso existiese, como única forma de huida de la opresión y la sojuzgación del hombre, ya que otro tipo de escrituras o formas de expresión estaban vetadas para las mujeres, el argumento tiene su parte de verdad con todas las excepciones masculinas del mundo, aunque en la actualidad ya no se sostiene, ahora todos estamos sojuzgados por nosotros mismos y por nuestro entorno, y escribir un diario es una forma de huir muy socorrida, terapeútica, y mucho más barata que un psicoanalista.

Dicho lo cual, también existe el diario cinematográfico, con dos vertientes, el de ficción y el documental, un subgénero cada vez más extendido, por puro egocentrismo y falta de talento narrativo, y no narrativo, que ha dado muy pocas obras dignas de llamarse tal, destacaría "Historias del cine" de Godard, a pesar de su molesta omnipresencia automasturbatoria, "Las largas vacaciones" de Keuken, "Odds of recovery" de Su Friedrich y "El huso del tiempo" de Kondratiuk, por el lado de los malos diarios destacaría las pijaditas de Sadie Benning casi tan esperpénticas como las tomaduras de pelo de su padre, se ve que viene de familia.

"Diario a mis hijos" pertenece a la primera categoría, a la de los buenos diarios, de ficción, los que trascienden lo personal, lo sentimental, lo anecdótico, y se centran en las imágenes, en su poder evocador, transformador, por si mismas, con la apoyatura de la palabra pero sin ser su único sosten, como uno de los alicientes principales de los diarios es poder leerlos, verlos, a escondidas, no adelanto nada.



12-THE HITCH-HIKER / LOS VIGILANTES DE LA NOCHE / BIG / AMIGAS CON DINEROT



The Hitch-Hiker. Ida Lupino


Se suelen destacar muchas películas dirigidas por mujeres únicamente por su singularidad, únicamente por el hecho de haber sido dirigidas por mujeres al margen de su calidad cinematográfica, por haber sido, o ser, excepciones dentro de una industria copada casi en exclusiva por hombres, el hecho de que una película sea la primera película dirigida por una mujer en cualquier cinematografía no deja de ser un mero dato histórico que no indica más que eso, una fecha, la fecha de incorporación de la mujer al cine, reivindicar esas películas al margen de su valor cinematográfico no le hace ningún favor a las mujeres, todo lo contrario, es un simple corporativismo estúpido que sólo provoca relegar al cine dirigido por mujeres a un gueto destinado a mujeres integristas, razón por la cual no estoy de acuerdo con los festivales feministas ni los destinados al cine homosexual y de lesbianas, y en general a todos los festivales temáticos que se convierten en un sumidero de películas que no tienen acomodo en ningún lado en la mayoria de los cosas por razones más que justificadas, la única utilidad que tienen es la de la visibilidad, la de hacer visible películas que de otro modo serían invisibles, que no es poco, pero solo hay que ver los palmarés de estos festivales para confirmar que los premios se los llevan películas que ya han sido premiadas en otros festivales no temáticos, estrictamente por sus cualidades cinematográficas, por lo que la utilidad de estos festivales es más que limitada, sentirse parte de una minoría viste mucho.

No es el caso de Ida Lupino, un auténtico oasis dentro del cine clásico americano, por razones estrictamente de valor propio, de talento cinematográfico, y no por cuestiones de género, que si se llamara Joseph. H. Lewis, Ulmer o Hellman, figuraría como unas de las grandes artífices de la mejor serie b americana, la que supuso la verdadera nouvelle vague del cine moderno, y no la francesa precisamente, que se limitó a ser una vulgar traslación mitificada e intelectualizada con grandes dosis de infantilismo , de egocentrismo, y de falta de talento en la mayoria de los casos con gloriosas excepciones.

Al margen del talento formal que demuestra Ida Lupino, secundada por uno de los más geniales directores de fotografía del cine americano, Musuraca, supone una rareza dentro del cine negro por la no utilización de la mujer como un objeto decorativo más para levantar la película, Ida Lupino al contrario que la mayoria de los directores americanos que seguían a pies juntillas las premisas de Fuller de lo que debería ser una película: un revólver, una mujer y un coche, suprime directamente la figura de la mujer para centrarse únicamente en la historia sin distracciones de índole erótico, estético, decorativo, que es para lo único para lo que les servían las mujeres a los directores del cine clásico, no es obligatorio hablar de mujeres, mostrar mujeres, o hablar mal de los hombres, por el simple hecho ser una mujer directora, muchas feministas equivocan la justa búsqueda de la igualdad de derechos con el odio al contrario, al diferente, al supuestamente diferente, al enemigo, al hombre, la empatía, ponerte en el lugar del otro, la universalidad, es una de las características principales de toda gran obra de arte, que los dos personajes femeninos más potentes de la literatura española sean la tía Tula de Unamuno, y la viuda de Mario de Delibes es una riqueza, por mucho que moleste a las feministas cabestros, que desmonta de forma radical todas las estúpidas y limitadoras teorías sobre la existencia de una escritura, ya sea literaria, cinematográfica o de cualquier otro orden, especificamente femenina, se escribe con la mano, no con la polla o el coño, e Ida Lupino tiene una manos firme, y segura.



Los vigilantes de la noche. Kathryn Biegelow


A años luz de cualquiera de las ñoñeces sin talento de Tarantino y Rodríguez,
más inquietante, misteriosa y extraña que una película de David Lynch,
más profunda e inteligente que una de Tarkovski, más romántica que una de Luhrmann,
más moral que una de Ford o Ozu, y todo ello con la envoltura de una película de vampiros,
la oscuridad camina hacia la luz.


Big. Penny Marshall


El ser humano es el ser más estúpido de la creación,
quiere todo lo que no puede tener, y una vez que lo tiene deja de quererlo,
cuando eres pequeño quieres ser mayor, y cuando eres mayor te arrepientes de haberlo querido.

Como la película no la dirige un hombre, lo primero que siente Tom Hanks no es ganas de follar,
lo primero que siente es miedo.

Como la película la dirige una mujer, un niño con cuerpo de adulto sigue siendo un niño,
como en la vida real.

Una reflexión sobre la inmadurez, la irresponsabilidad, el egoismo, el infantilismo,
de los hombres, hecha desde el cariño, camuflada en una reflexión sobre la infancia,
sobre lo fácil que es perderla gracias al amor,
y por encima de todo una película sobre la amistad, el niño Curro y el Lupas de "Mi primer pecado" de Summers versión americana.

"-¿Qué tiene de especial?
-Es un hombre adulto."

A ver que mujer aguanta a ese "hombre adulto" más de 3 años sin hablar de responsabilidad y compromiso, ninguna.


Amigas con dinero. Nicole Holofcener


Y al borde de la menopausia, periodo de la vida de las mujeres invisible en el cine,
por lo visto otros periodos dan más morbo, debe ser que donde hay sangre hay alegría.

Al margen de esto una genial película coral, bastante más profunda y sutil que una de Altman,
Woody Allen, P.T. Anderson o Winterbottom, sobre las relaciones de pareja, sobre su imposibilidad,
sobre la amistad entre mujeres, sobre su imposibilidad,
sobre la amistad entre hombres, sobre su ambiguedad.



13-DAMNED IF YOU DON´T / VIRGIN MACHINE / MAYHEM / OLYMPIA



Damned if you don´t. Su Friedrich


O cualquier cosa es bella fuera de su contexto.

Un canto de amor, fetichista, a las monjas, y su erotismo latente,
los ángeles también tiene picores,
“Rose Hobart” con hábito, “Narciso Negro” nunca fue tan blanco.

Sólo sobra la escena sexual del final, como sobra en todas las películas,
sugerir, no mostrar.



Virgin machine. Monika Treut


Si Fassbinder hubiera sido mujer y se hubiera enamorado de Guy Maddin,
su primer hija se habría llamado Monika Treut.

Una película sobre la supuesta liberación sexual de las mujeres,
que supuso un alivio sexual para los hombres, un ensayo, en el sentido de boceto,
y en el sentido más convencional de estudio, sobre las raíces químicas del amor,
sobre sus raíces antropológicas.

Una búsqueda de una propia forma de entender el amor, desligada de la tradicionalmente impuesta por los hombres a machamartillo, nunca mejor dicho.

Una búsqueda del amor romántico a través del amor sexual,
de la propia identidad sexual a través de la figura materna,
y como toda búsqueda de forma anarrativa, a base de vísceras,
de retazos, de intuiciones, de imágenes atropelladas,
cine en estado bruto, que no amateur,
cine de transgresión sin necesidad de transgredir nada.

En definitiva, una parodia de la forma de entender el amor de los hombres,
que como toda buena parodia se ajusta más a la realidad que la propia realidad.



Mayhem. Abigail Child


La máquina de luz y sonido que en Tsecherkassky se queda
en una simple maquinita de videojuegos Atari, Abigail Child la pone en marcha,
por fin una digna sucesora de Maya Deren, y con un petardo en el culo.



Olympia. Leni Riefenstahl


Sólo por la increible secuencia inicial, que contiene la sucesión de encadenados ,más fluida y elegante de la historia del cine, y por los planos de las estatuas que parecen estar vivas sin necesidad de efectos estroboscópicos discotequeros Val del Omar, merecería un lugar destacado en la historia del cine, del cinematógrafo, pero es más, mucho más.

Supuestamente habría que condenar el resto porque supone una exaltación de los ideales fascistas,
como si el deporte de competición, y las olimpiadas, no fueran la deificación fascista del cuerpo humano, del triunfo de la voluntad, es difícil pensar que un deportista profesional no comparta muchos de los valores nacionalsocialistas porque parecen un manual de entrenamiento para deportistas, y no hay nada más elitista que un deportista de élite, valga la redundancia.

Las olimpiadas se pueden entender como una glorificación del esfuerzo humano, de su voluntad, o como una exhibición de poder, de personas que se consideran superiores a los demás, Riefenstahl se queda con esta interpretación, y no es una elección descabellada, ya se sabe que la humildad es uno de los rasgos principales de los deportistas, por los cojones, menos mal que en el cuerpo humano todo tiende a caerse con los años, y cuanto más alto más vertiginosa la caida, angelitos.

Una verdadera exhibición de recursos plásticos, de montaje, una constatación del potencial perdido del cinematógrafo, que levante la mano a quien no le entren ganas de levantar la mano después de verla.

Qué pérdida de tiempo el deporte, y que cansino.







14-ALGO PARA RECORDAR / VIDAS PRIVADAS / LE LLAMAN BODHI / ALL OVER ME



Algo para recordar. Nora Ephron


¿Una comedia romántica?
¿No serás maricón?

Si a todos los hombres a los que les gusta esta película fueran homosexuales,
el heterosexual sería una especie en vías de extinción.

Pero "Algo para recordar" no es una película romántica cualquiera,
es una película romántica manierista, metacine del bueno, del que apenas se ve.

El manierismo consiste en subvertir el cine clásico, sus reglas, sus convenciones,
sin hacerlo de forma evidente como las vanguardias históricas, el cine experimental,
o las nuevas olas, mejor dicho marejadillas, se trata de pequeñas rupturas,
rupturas provocadas por condensación, no por desaparición, vulgarmente llamado ironía,
distancia, desnudar los elementos del cine clásico hasta dejarlos en el chasis,
hasta hacerlos visibles, reducirlos a su mínima expresión hasta conseguir que por sustracción
sean más visibles, más exagerados, pasar del cine invisible del cine clásico al cine visible,
desnudo, del cine moderno, pero visible con velo, sin exhibicionismos posmodernistas steady-cam,
de forma sutil, para comprender la diferencia a efectos prácticos ver las dos versiones de "Sublime obsesión" realizadas por Stahl y Sirk, y jugar a buscar las diferencias.

La clave para que una película manierista sea una obra maestra es que a la vez funcione como película clásica, y "Algo para recordar" funciona a la perfección como comedia romántica, y a mayores te ofrezca un plus, un plus de análisis, de distancia, haciéndote disfrutar de la película de forma consciente inconscientmente, y no es fácil, la gran parte del supuesto cine de autor actual es un cine hiperconsciente, que se queda en la mera superficie, que no va más allá de su propia consciencia, es un cine de autómatas para autómatas.

"Algo para recordar" utiliza el manierismo de una forma muy inteligente, rizando el rizo,
para desvelar los mecanismos del cine clásico emplea la película "Tú y yo" de McCarey, la obra maestra del cine romántico de todos los tiempos, que a su vez es una versión manierista de la película original en B/N rodada también por McCarey, y lo hace de forma tan visible que no se ve,
si a eso le sumamos una selección musical exageradamente romántica con todos los tópicos amorosos de las películas románticas, que de tan exagerada actúa de contrapunto, no queda otra que concluir que estamos ante una de las mejores comedias románticas de todos los tiempos, y una de las obras cumbre del manierismo cinematográfico a la altura Douglas Sirk, ahí es nada.



Vidas privadas. Jill Sprecher


La felicidad es un culo de mal asiento que cuando se asienta suele ser en el retrete,
la suerte amarga más que un dulce.

"Delitos y faltas" de Woody Allen sin coartadas intelectuales, con complejo de culpa judeocristiana, como tiene que ser.

Un tratado sobre la felicidad, desde un punto de vista jansenista,
escrito por Cioran.



Le llaman Bodhi. Kathryn Bigelow


Hay dos tipos de rebeldía ante la vida, ante la muerte,
la forma activa, y la pasiva,
aunque de lejos puedan parecer muy distintas, de cerca son exactamente iguales.

Tanto el exceso de actividad como la pasividad absoluta son estados anómalos de vida,
huidas, rebeliones contra la normalidad, contra lo establecido.

La diferencia entre un surfista y un ermitaño es nula,
la misma diferencia que existe entre un pez y un árbol,
es simplemente una cuestión de energía, de como canalizarla,
hacia fuera o hacia dentro, el cine de acciín la canaliza hacia fuera,
el cine contemplativo hacia dentro.

La elección es simple o cuerpo o alma,
o "Le llaman Bodhi" o "Le llaman Budha".



All over me. Alex Sichel


La violencia existe, es un hecho,
y hay tres formas de abordarla cinematograficamente:
limitándose a reflejarla sin tomar parte, reflejándola sin complacencia, afrontándola,
y glorificándola, lo habitual es la tercera, desde Scorsese a Tarantino pasando por la escuela de los directores pederastas americanos, escuela que se está extendiendo como la peste por toda hispanoamérica, sobretodo Argentina, y que ya está llegando a España con fervor preadolescente,
y respaldada por el aparato crítico, el microaparato crítico.

"Todo sobre mí" está dentro de la segunda categoría, que refleja la violencia de las calles sin complacencia, denunciándola, aunque de sobra sepamos que en la realidad esa denuncia conllevaría una brutal venganza, pero mejor con los pies colgando que de rodillas.

El lesbianismo existe, es un hecho,
y hay tres formas de abordarlo cinematograficamente:
limitándose a reflejarlo sin aspavientos, con naturalidad, tratándolo como algo diferente, haciendo hincapié en las diferencias, en lo exótico, como supuesta denuncia y que generalmente se queda en el mero sensacionalismo, o glorificándolo, la mayoría de la veces de una forma morbosa y superficial, lo habitual es la tercera, películas con escenas morbosas de sexo entre mujeres, que no lesbianas, las hay a miles, y en la práctica totalidad se reduce a una especie de apretón lésbico que por mañana se las pasa, escenitas que lejos de reivindicar, o hacer visible, la normalidad del lesbianismo solo sirven para afianzar la teoría machista todavía muy extendida de que el lesbianismo no existe, que sólo es un refugio de mujeres frustradas, resentidas con los hombres y mal folladas.

"Todo sobre mí" está dentro de la primera categoría, la de tratar lo que es normal con total normalidad.

Resumiendo: Una historia de amor y/o amistad, para denunciar la figura ausente de los padres,
y el desamparo de los adolescentes, naúfragos de vocación.




Como podéis comprobar hay absolutamente de todo, desde el mal denominado cine de autor, el autor siempre es el espectador, hasta el cine comercial, aunque todo el cine es comercial en potencia, nadie, a menos que sea gilipollas, millonario, o autista, no quiere recuperar su inversión y tener un público, pasando por el cine experimental, el cine de género, el cine underground, el cine documental y el cine de animación, y lo mejor de todo es que no ha sido para nada deliberado, lo que demuestra que el cine dirigido por mujeres es tan rico, variado, y ecléctico, sino más, que el cine realizado por hombres, más de un neardenthal no va a tener más opción que caerse del burro, que salir de la caverna, que mirar el cine realizado por mujeres, y a las mujeres, con los mismos ojos que ve el de los hombres, a los hombres, en lugar de verlas con el ojo del culo, con el nabo.


http://cinelacion.blogspot.com/

[alcayata]

Buena lista Adrian. pero hay muchas mas de las que citas. Entre ellas margaret von Trotta y una española de los cincuenta que estaba casada con un fotografo de mi pueblo.Quiz.

www.hayquevivirla.blogspot.com

[KTCProducciones]

esto escribió Adrian Mole:
...que la escribe y que la interpreta de forma magistral, con una precisión y profundidad deslumbrantes, y con bastante más talento que las casi siempre mediocres Akerman, Denis, Potter o Kawase.


perdona pero decir que Kawase es mediocre es no tener ni puñetera idea de donde se tiene el propio trasero.
Esto lo escribí yo.

[zeppogrouxo]

Ktc, para citar lo que otro forero ha escrito tan sólo tienes que apretar el botón de citar del post que quieras (a la derecha).
En cuanto al otro comentario tan sólo decir que en DXC está totalmente prohibido faltar al respeto a otro forero por el simple hecho de no estar de acuerdo con él. Tan sólo modera un poco tus modos, Ktc.

Gracias y un saludo.

[hattusil]

Hombre, hay cosas que sí, pero lo de la Ephron no tiene nombre. A mi me parece más un pestiño nostálgico con McCarey sobrevolando que una manierismo que desvele los secretos del cine clásico...

Por lo demás, me tranquiliza que no hayas metido por ahí a Mira Nair y echo en falta a dos mujeres:
- Isabel Coixet, que aunque asumo que haya gente que no la soporta, para mi tiene valores que justificarían su inclusión.
- Y especialmente Catherine Breillat, por su exploración física y metafísica del cuerpo y el alma femenino.

Pero bueno, sólo es una opinión. Y que conste que algunas ni las había "leído nombrar" y algunas de tus afirmaciones (tan tajantes) no las comparto, pero me parece una interesante reivindicación y una base de datos de la que tirar para ir completando nuestra limitada visión del cine (y a veces de la vida).

Un saludo.

[KTCProducciones]

No trataba de faltar al respeto a nadie, simplemente es una forma de hablar. Si alguien se ha visto ofendido por tal declaración, le ruego que me perdone. No volverá a pasar. Amen.

Pero sigo diciendo que calificar a Kawase de mediocre es algo muy.... mediocre.

¿Decir que Kawase es mediocre no es faltar al respeto a Kawase?

[zeppogrouxo]

Gracias KTC.

¿Decir que Kawase es mediocre no es faltar al respeto a Kawase?

Mientras no se registre en DXC no,

[KTCProducciones]

Gracias KTC.

¿Decir que Kawase es mediocre no es faltar al respeto a Kawase?

Mientras no se registre en DXC no,

OK, y si se registrase... ¿Cómo se supone que sabrías que está registrada?

[botibol]

Me he topado con este post haciendo una búsqueda sobre otro asunto y me ha resultado una recopilación con bastante interés. La selección pillando un poco de todos lados (o "ecléctica" si quieres) es una buena idea, y el tono cáustico y muy personal para describir las pelis también me gusta. Me ha encantado encontrar la olvidada y maravillosa Love Serenade y la reivindicación-nunca suficiente- de la alucinante Wanda. Me pillo un montón de pelis que no conocía, empezando por las comedias de Naoko Ogigami y continuando por las dos que mencionas junto con Demi-Tarif, que tienen muy buena pinta y quizás las pueda incorporar a esta filmografía.

Un saludo adrian mole, y me apunto tu http://cinelacion.blogspot.com/ a marcadores.