60º Edición de la Berlinale (2010): crónicas

[Sarmale]

60 años de la Berlinale

CINE-BERLINALE
Berlinale festeja cumpleaños como festival atípico y políticamente incorrecto

Nuria Vicedo
Berlín, 10 feb (EFE).- Sesenta ediciones, 15.000 películas y un
sinnúmero de memorables momentos del celuloide hilvanan la historia
de la Berlinale, que este año conmemora su 60 aniversario
consolidado como el exponente más atípico de la tríada de grandes
festivales europeos, que completan Cannes y Venecia.
La incorrección política y la rebeldía "berlinalera" han marcado
la trayectoria de un festival surgido de la militancia anticomunista
de las potencias aliadas, que en 1951 instauraron con él en el
sector occidental de Berlín un atractivo aparato de
contra-propaganda frente a la República Democrática Alemana (RDA).
Aislado en el corazón de la RDA, la isla democrática que fue
Berlín Occidental se sirvió de la Berlinale para proyectar películas
occidentales, apenas a unos kilómetros de la aún invisible línea
divisoria que les separaba del "otro" Berlín y sólo dos años después
de sobrevivir al bloqueo soviético que los aisló de los aliados.
El infame Muro de Berlín, que marcaría durante décadas la vida de
la ciudad, se construiría diez años después.
Las autoridades germano-orientales no tardaron en reaccionar y en
crear su propia variante comunista, con el Festival de las Películas
Democráticas del Pueblo, que pronto cayó en el olvido.
El cariz político del festival, que no ha abandonado a la
Berlinale durante sesenta años, se suma a su carácter atípico: se
celebra en las últimas décadas durante el severo invierno berlinés
alejado del halo de exclusividad y del imperativo de elegancia de
sus competidores.
Romy Schneider, Cary Grant, James Stewart y Sophia Loren
encabezaron la interminable lista de estrellas del celuloide que han
caminado sobre la alfombra roja del festival, que en su 60 edición
recibirá a una nueva generación de bellos de la gran pantalla como
Leonardo DiCaprio, Ewan McGregor y Renée Zellweger.
Madonna, The Rolling Stones y Patti Smith pusieron en las últimas
ediciones la banda sonora de la Berlinale, tras unos años en los que
actores como Richard Gere y George Clooney aprovecharon la tribuna
del festival para atacar a la administración de George W. Bush.
El compromiso político es, año tras año, marca registrada de
parte de las películas a competición del festival que, en 1970,
vivió uno de sus escándalos más sonados: el jurado en pleno abandonó
la Berlinale, tras el pase de una película considerada
antiamericana, en plena guerra de Vietnam.
"O.K." de Michael Verhoeven, que narraba la violación de una niña
vietnamita por parte de soldados estadounidenses, sacudió el
festival y nueve años después los países del bloque comunista
protestaron airadamente por el excesivo americanismo de "The Deer
Hunter" con Robert De Niro en el cartel.
La apertura hacia el antiguo enemigo soviético se profundizó con
el inicio de su desmantelamiento con la primera película soviética
en 1974 -"Contigo y sin ti" de Rodion Nachapetow- y un año más
tarde, la primera cinta germano-oriental entró a competición.
La historia de Berlinale se ha escrito al compás de los nuevos
tiempos y también la Guerra de Irak y las consecuencias de los
atentados de septiembre de 2001 dejaron su impronta en el festival.
De "In this world" sobre la guerra de Afganistán, con la que
Michael Winterbottom se alzó con el Oso de Oro en 2003 al documental
"Standar Operating Proceedure" de Errol Morris, sobre las torturas
en la cárcel iraquí de Abu Ghraib, la Berlinale ha demostrado su
afinidad con los cineastas comprometidos.
Winterbottom es uno de los ganadores del Oso de Oro que repiten
este año en la competición oficial, junto a otros grandes del cine
contemporáneo como Zhang Yimou y Roman Polanski.
Rainer Werder Fassbinder, Ingmar Bergman y Jean-Luc Godard
también entraron en el Olimpo del festival berlinés a lo largo de
seis décadas, que también dejaron resquicios a la frivolidad, con
Jack Nicholson con el trasero al aire o el Oso de Oro de 2001 a
"Intimacy" del francés Patrice Chéreau, acusada de pornográfica.
La nieve y las gélidas temperaturas que azotan Berlín no serán
impedimento para los centenares de periodistas que cada febrero
toman las inmediaciones de la Postdamer Platz, ávidos de buen cine,
a los que la Berlinale espera con 400 nuevas películas para brindar
por su aniversario. EFE

[Sarmale]

CINE-BERLINALE/CONCURSO (Previsión)
Berlinale se volcó en Polanski a través de McGregor y Brosnan

Gemma Casadevall
Berlín, 12 feb (EFE).- La Berlinale se volcó hoy en arropar a
Roman Polanski, en arresto domiciliario en Suiza por su deuda
pendiente con la justicia de EEUU, y recibió su "The Ghost Writer",
película a competición por los Osos, como un homenaje al genio
ausente.
La Berlinale necesitaba un trío de astros sobre su alfombra roja
y hoy lo tuvo -Ewan McGregor, Pierce Brosnan y Olivia Williams-. Un
buen thriller político con la CIA como malversora de políticos de
por sí manipulables, es algo que siempre viene bien a un festival.
Y, encima, Polanski lleva el áurea del escándalo permanente: un
buen cóctel mediático para animar la segunda jornada del festival,
tras la moderación inaugural de ayer con la china "Tuan Yuan".
"Es un maestro, el maestro que extrae de nosotros el máximo
rendimiento artístico", sentenció McGregor, para deshacerse en
elogios a un director que "a veces atentó contra mi ego de actor,
otras fue como una madre", y acabar proclamando: "amo a Roman".
"Trabajar con él es algo intenso, muy intenso, como lo ha sido
toda su vida", secundó Brosnan, quien recordó la "consternación" que
le produjo la noticia de su detención, el año pasado, de "alguien
que es padre y esposo, como yo".
El equipo de "The Ghost Writer" parecía accionado por el consenso
de deshacerse en elogios sobre Polanski, como director, y no entrar
en materia, más que de refilón, en el asunto de sus cuentas con la
justicia de EEUU por la presunta violación de una menor en 1977.
"No comentaré la situación de Roman. Este no es el sitio ni el
momento. Pero el hecho de que no esté aquí, presidiendo esta
conferencia, entre nosotros, es algo muy raro para todos", resumió
Robert Harris, autor del best-seller en que se basa el filme.
En el momento de su detención, el año pasado, la película estaba
prácticamente acabada, aunque parte de la pos-producción tuvo que
realizarse estando ya Polanski en arresto domiciliario en su chalet
suizo. "Teníamos que acabar el filme como fuera, para estar aquí, en
la Berlinale, aunque fuera sin él", afirmó Harris.
"The Ghost Writer", con un McGregor metido a escribidor de las
memorias de un ex premier británico empantanado en el escándalo del
secuestro de presos de Al Qaeda y un Brosnan jugando a un "soy y no
soy" Tony Blair, fue recibido como lo que es: un buen film, de un
maestro de la dirección, basado en un best-seller con garra.
A McGregor, con su cara de nene simpático que descubre lo que no
debe en cuanto se aburre en una habitación cerrada, el papel le
viene como anillo al dedo. Brosnan se coloca a medio camino entre el
pseudo-Blair que siempre supo en qué se metía y por qué y el ex
James Bond que aún no abandonó esa pose. Y Williams es la esposa
fría, que prefiere seguir manipulando a hacer estallar un matrimonio
que seguramente jamás funcionó.
Zarpazos de ironía -"estoy rodeado de pacifistas que quieren
asesinarme", suelta McGregor, acosado por manifestantes encrespados
por las mentiras de Irak a las puertas de la fortaleza del premier-,
una casa lujosa de piedra natural y maderas selectas en el mejor
estilo "Bauhaus" y, finalmente, la maestría que nadie se atrevería a
discutirle a Polanski.
Otro escritor muy distinto al que interpreta McGregor es el que
centró la otra película a concurso: Allen Ginsberg, el poeta cuyo
famoso "Howl" -"Aullido"- llevó a su editor ante tribunales por
publicar algo considerado para la moral pública de los EEUU en los
50 como "obsceno".
Tanto o más imposible que explicar en prosa un poema parece lo de
tratar de llevarlo al cine. Rob Epstein lo intenta, con James Franco
interpretando al poeta que quiso ser el nuevo Keruac y que deleitó a
a la generación "beat" con recitales de poesía tachada de obscena.
El film recurre a varios escenarios y técnicas: del blanco y
negro entre aromas de cigarrillos y jazz al diván del psicoanalista,
al cómic como recurso para plasmar los delirios dichos obscenos de
Ginsberg, a sus sucesivos novios y novias, más el proceso al editor,
donde defensa y fiscalía suben al estrado a críticos y estudiosos,
en pos de la verdad y nada más que la verdad sobre qué es poesía.
El "Howl" de Ginsberg quedó engullido por el despliegue de
Polanski. Si en la jornada inaugural, a René Zellweger, miembro del
jurado, le correspondió "salvar" el honor de la alfombra roja con su
sobredosis de encanto -y escote- bajo la nieve, hoy el trío de
actores de "The Ghost Writer" se adueñó de la Berlinale. EFE

[Sarmale]

González-Sinde apunta a Berlinale como plataforma de lanzamiento del cine español

González-Sinde (que es la ministra de Cultura de España) ha realizado esas declaraciones a EFE hoy, durante su visita a las dependencias del Mercado de Cine Europeo que tiene lugar en Berlín, con motivo de la celebración del festival de cine que la capital alemana acoge durante estos días.

El stand de las producciones españolas en la Berlinale está situado en el área central del edificio, algo que la ministra ha agradecido, ya que Berlín "se está convirtiendo en uno de los mercados más importantes para la cinematografía española".

Para González-Sinde, la Berlinale destaca, además de por ser uno de los festivales de cine más reconocidos a nivel mundial, por tener ese punto "exigente y riguroso" en la calidad de las películas que se proyectan.

"Es una apuesta por un cine de calidad a la vez que de autor, donde España siempre ha tenido mucha cabida", ha afirmado, para recordar a continuación que, "sin ir más lejos, el año pasado ganó el Oso de Oro una coproducción hispano-peruana" (La teta asustada).

Aunque como ministra sus tareas estos días por Berlín son otras, González-Sinde no es la primera vez que acude a la Berlinale, festival en el que ha llegado a participar con la película "Las razones de mis amigos", de la que fue guionista.

Tras un encuentro esta mañana con el director del festival, Dieter Kosslickk, la ministra ha recorrido las principales instalaciones de la Berlinale situadas alrededor de la Postdamer Platz.

Además, según ha indicado, con motivo de la presidencia española de Unión Europea, aprovechará su visita para reunirse esta tarde con su homólogo alemán, Bernd Neumann, y hacerle partícipe de las propuestas de cultura de España para la Unión.

González-Sinde permanecerá en Berlín hasta mañana por la mañana, cuando volverá a Madrid, un día antes de la celebración de la gala de los premios Goya, a la que asistirá por primera vez como ministra de cultura, después de que en las últimas ediciones ocupara el sillón de presidenta de la Academia del Cine Español.

"El trabajo de ministro es tan exigente y apasionante que no extraño mis labores en la academia del cine, aunque tengo una especial identificación por el sector", ha señalado.

"Veo todo el cine español que puedo, pero las funciones del ministerio me restan tiempo para poder ver más todavía", ha manifestado González-Sinde, para vaticinar que en los premios Goya del domingo se espera un duelo entre "películas potentes". EFE

[Palahniuk]

No se puede lanzar la nada...

[Sarmale]

Yo estoy completamente de acuerdo con esto.
Un colega mío, que trabaja en la Filmoteca, me decía: "¿No te gusta el cine español?". Y demonios, le respondí: "Pero tú eres de esos que piensan que el cine español es una maravilla y yo soy de las que no dividen los cines (europeo, español, americano, japonés)... y el español, salvando ciertas cosas, es de los tirando p'abajo de la lista. Creo que eres más generoso con las pelis españolas de lo que lo serías con cualquier blockbuster americano..."

[Piripiflautico]

Un cine de calidad a la vez que de autor...no confundir con el cine de autor a secas, claro, que no sabemos qué tendrá pero no calidad.

Nuestra Ilustrísima Ministra de Cultura.

[Sarmale]

¿Es Ilustrísima o Excelentísima?

[Piripiflautico]

Creo que lo segundo, pero de todas formas yo no me sé el tratamiento correcto, he puesto Ilustrísima porque tan preclara consideración acerca de la naturaleza del cine la hace merecedora de tal trato por lo menos.

[Sarmale]

La podríamos llamar hasta Ilustrada...

[Sarmale]

CINE-BERLINALE/CONCURSO (Previsión)
Skarsgard levanta la Berlinale como ex preso y objeto sexual todoterreno

Gemma Casadevall
Berlín, 15 feb (EFE).- El cine escandinavo levantó hoy la jornada
de la Berlinale con "En ganske Snill Mann" -"A Somewhat Gentle Man"-
un film armado sobre el talento de Stellan Skarsgard, convertido en
un asesino, ex preso y objeto sexual todoterreno, capaz de arrancar
la risa con las más imposibles escenas de sexo.
Las tres películas a competición del día -la noruega, dirigida
por Hans Petter Moland, la austríaca "Der Räuber", sobre un
atracador de bancos, más la japonesa "Caterpillar", con un soldado
que regresa a casa sin brazos ni piernas- hacían temer un lunes
cinematográficamente farragoso.
Moland marcó la diferencia, con un Skarsgard muy a lo Kaurismaki,
que exprime el humor más "extra dry" de una historia en que uno no
sabe si alegrarse o compadecer al héroe por sus éxitos sexuales.
Lo primero que descubre tras doce años entre rejas es que fuera
no le dejarán ni siquiera fumar en un café y el habitáculo que le
buscan sus gangsteriles ex compañeros no es mejor que su celda. En
lugar de carcelero, estará ahora a manos de una desabrida casera,
más que fea y con un desaforado apetito sexual.
Deberá compaginar semejantes placeres con su trabajo en el taller
mecánico, amén de pagar las deudas a su antigua banda.
No importa: Skarsgard puede con todo. El actor sueco, una
autoridad en casa y a escala internacional, al que tanto se ha visto
en "Breaking the Waves" o "Dancer in the Dark" como ejerciendo de
"pirata del Caribe" o en "El exorcista", le corresponde hacer alarde
de versatilidad con la casera, la ex esposa y la chica del taller.
Skarsgard nunca falla, mientras Moland sorprende al espectador
dando con la puerta de salida adecuada, justo cuando más de uno
empieza a plantearse cómo saldrá airoso de tanto enredo.
Por segunda vez a competición en la Berlinale tras su "Beautiful
Country" de 2004, Moland se llevó la primera ovación real de un
festival necesitado de sus propios ídolos europeos y no de los que
le llegan precocinados de otras cinematografías.
Compartió jornada con otro filme ex carcelero, "Der Räuber" -"El
atracador"-, también cimentada en el trabajo de un protagonista,
Andreas Lust, pero de dinámica diametralmente opuesta.
Se basa en una historia real, convertida en novela por Martin
Prinz y llevada al cine por el austríaco Benjamin Heisenberg.
El filme, de co-producción alemana, llegó a la Berlinale como
primera aportación del cine anfitrión, lo que es un arma de doble
filo. Por un lado, mucha expectativa; por otro, pocas benevolencias.
Lust traza un más que correcto trabajo alrededor del corredor de
fondo, que se ha entrenado en el patio del penal y en la cinta sin
fin de fitness de la celda para la maratón.
Nunca estuvo en mejor forma, pero no es ésta la única rutina que
mantuvo entre rejas: es persona de ideas fijas, que tampoco dejó de
lado su pasión por el atraco.
Su ex preso no es el de Skarsgard, aunque ambos sean igual de
parcos en palabras. Al atracador no se le escapó -ni hizo escapar-
la menor sonrisa, todo respira tensión, sin que Heinsenberg dejé
entrever trasfondos.
"No nos interesaba el espejo psicológico o biográfico, saber qué
le acciona a correr, a atracar, qué plan tiene o no tuvo en la
cabeza, en qué va a emplear ese dinero o por qué fue a parar a la
cárcel. Quisimos retratar el rostro y el metabolismo del
maratoniano, la disciplina que aplica a todo", explicó Heisenberger.
Algunos reprocharon al filme la ausencia de tales trasfondos, que
acaban bloqueando toda empatía; otros valoraron el perfil que traza
del atracador que devora kilómetros y cajas fuertes; los más, el
buen manejo de la cámara, con una escenas de persecución policial
basadas en la sutileza y la multiplicidad de perspectivas.
"Caterpillar", de Koji Wakamatsu, parte de un argumento terrible
-el soldado más que condecorado que retorna a casa como un pedazo de
carne que nunca podrá valerse por sí mismo- y es realmente terrible.
El director trata de compilar en un ser todos los crímenes del
Japón aliado de Hitler, más los 60 millones de muertos de la Segunda
Guerra Mundial, más el martirio que deberá soportar la esposa, a la
que ya esclavizó el marido cuando tenía brazos y piernas.
El efecto es de castigo: al personaje, que sólo alcanzará a
arrastrarse como una oruga; y al espectador, que asiste al empeño
por concentrar todo el horror de la guerra en un solo mutilado. EFE
gc/jcb/mlr

[Sarmale]

CINE-BERLINALE/LATINOAMÉRICA (Previsión)
México revoluciona la Berlinale a golpe de cortometraje y de nuevos talentos

Nuria Vicedo
Berlín, 15 feb (EFE).- La película mexicana "Revolución"
protagonizó hoy la jornada de la Berlinale, fuera de competición,
con una serie de diez cortos de una nueva y pujante hornada de
cineastas, encabezados por Carlos Reygadas, Fernando Eimbcke, Diego
Luna y Gael García Bernal.
El filme mexicano marcó una jornada de fuerte sabor
latinoamericano en la que se estrenaron "Besouro" (Brasil) de Joao
Daniel Thikomiroff y la argentina "Por tu culpa" de Anahí Bernerí.
En el año en que se conmemora el centenario de la Revolución
Mexicana -que depuso la dictadura de Porfirio Díaz-, diez exponentes
de la nueva narrativa cinematográfica reflexionan sobre el estado
del país, un siglo después, y sobre "si en realidad hay algo que
celebrar", explicó en rueda de prensa el productor, Pablo Cruz.
Un niño al que se impone a golpes la fe cristiana, un nieto de
Pancho Villa que se ve utilizado por la política, un emigrante que
quiere ser enterrado en su patria y una cajera de supermercado que
cobra su sueldo en vales de compra son algunos de los rostros de
"Revolución", proyectada en la sección Berlinale Special, que se
estrena en México el 20 de noviembre.
Mariana Chenilla, Amate Escalante, Rodrigo García, Fernando
Naranjo, Rodrigo Plà y Patricia Riggen completan la selección de
nuevos talentos escogidos para profundizar en "si la revolución
sirvió de algo", según Cruz.
García Bernal explicó que los únicos parámetros de los cineastas
fue que abordaran, desde un punto de vista contemporáneo, "dónde
queda la revolución hoy" y que se hiciera en menos de diez minutos.
Explicó que los realizadores optaron por "hacer preguntas más que
dar respuestas" y plantear el interrogante de "qué país queremos
ser", en lugar de realizar un "ejercicio revisionista" sobre los
acontecimientos del pasado.
En declaraciones a Efe, el también actor, que verá por primera
vez el conjunto de trabajos esta noche, expresó su deseo de que el
"juego de malabares" que supone unir diez trabajos "levante y agite
un debate necesario" a través de una "alquimia perversa".
Su cortometraje aborda la exaltación de la bandera y del
crucifijo como símbolos que se "imponen" durante el "despertar
infantil" y que dejan a los niños "poco espacio" para hallarse a sí
mismos.
Sobre su nueva faceta como director, aseguró que su profesión es
la de actor y que sólo busca dirigir "de vez en cuando" y cuando
tenga "una historia que contar".
Roberto García explicó que su cortometraje, centrado en el uso
político de la revolución, surgió de su "indignación" ante la
actitud de los gobernantes.
Criticó que la clase política "no profundice" en "hasta dónde se
llegó con la revolución" y que limiten los festejos a "meras
fotografías".
"La revolución surgió por la falta de justicia social y de
igualdad. Pero cien años después México sigue siendo un país de
ricos y pobres, con un montón de pobres", lamentó el cineasta, para
quien los grandes ideales de esa revolución "siguen pendientes".
Reygadas fue aún más crítico con la situación actual de su país
al afirmar que ya no sabe qué fue la revolución. "No es nada, es un
desastre, es un infierno lleno de buenas intenciones".
La filmografía brasileña estuvo presente en la Berlinale con
"Besouro", un filme sobre el legendario capoerista del mismo nombre,
que a principios del siglo XX, se erigió en héroe del colectivo
negro por enfrentarse a los patrones de las plantaciones de azúcar.
Se exhibió también la argentina "Por tu culpa" de Anahí Beneri,
que explora las tribulaciones de una madre desbordada, tanto física
como emocionalmente, que termina acusada de malos tratos cuando su
hijo pequeño se fractura un brazo. EFE

[Sarmale]

CINE-BERLINALE
Españolas "Fin" y "Mi otra mitad" retratan pulsiones adolescentes en Berlín

Nuria Vicedo
Berlín, 16 feb (EFE).- La película española "Fin", del argentino
Luis Sampieri, y el cortometraje "Mi otra mitad", de Beatriz
Sanchís, retrataron hoy en la Berlinale pulsiones propias de la
adolescencia, desde la óptica del magnetismo amoroso y del impulso
suicida, respectivamente.
"Fin" de Sampieri, argentino pero afincado en España, sigue a un
trío de jóvenes, conocidos de Internet, que se reúnen para
suicidarse mientras que "Mi otra mitad" juega con la atracción
magnética y sentimental de la pareja protagonista.
Estrenada en la sección de Forum, "Fin" se despoja de artificios
y prácticamente de diálogo para mostrar a una juventud desencantada,
incapaz de comunicarse más que de forma virtual, y que se encamina,
apática, hacia su propia muerte.
"Para mí no era necesario explicar por qué está cada uno ahí.
Ellos tampoco tienen una respuesta elaborada. Las películas deben
proponer un universo paralelo y que el espectador sea quien haga el
esfuerzo de llenar el vacío", explicó a Efe Sampieri.
En su opinión, la película, cuyo metraje se centra principalmente
en una suerte de viaje a ninguna parte, en algún lugar recóndito de
las montañas, es de "digestión lenta" y "dura" pero está hecha desde
la "honestidad de no querer manipular" y con la intención de generar
"incomodidad" en el espectador.
La falta de interés por el otro -no quieren ni saber el nombre
real de quien tienen al lado más allá del "nick" virtual-, la
angustia existencial y al mismo tiempo la rebeldía de considerarse
dueños de su destino integran el retrato coral de "Fin".
La película es la primera de una trilogía -que completarán "Piel
y "Lugar"- que Sampieri prepara y que presentará las relaciones
entre tres personajes, uno de los cuales será un personaje con
raíces extranjeras. En "Fin" ése es el caso de Raima, una joven de
padres marroquíes, que suscita el rechazo de uno de sus compañeros.
De la óptica de la fábula infantil parte, por su lado, el
cortometraje "Mi otra mitad", que se estrenó hoy en la sección de
"Generation", dedicada al cine de temática juvenil.
Dos niños con una inusual deformación de la visión diametralmente
opuesta -uno ve turbio la parte de arriba de las cosas y el otro, la
de abajo- descubren que su dolencia les convierte en imanes
complementarios tanto física como, con el tiempo, emocionalmente.
"Quería hacer un símil entre el amor y el magnetismo, sobre lo
que es literalmente tener tu cuerpo y tu energía atrapados por
otro", explicó a Efe la realizadora sobre el filme, ganador del
Premio Proyecto de la Semana del Cine de Medina del Campo de 2009 y
del concurso de cortometrajes Heineken-Greenspace.
Sanchís, que fue nominada por "La clase" al Goya del cine español
como Mejor Cortometraje Documental, señaló que siempre quiso
"escribir algo sobre el tema de la visión", un tema que le interesa
desde hace años puesto que llevó gafas de niña.
La historia combina amor, humor y fantasía aderezados de
elementos científicos dado que las reacciones físicas de los imanes
al calor y al frío -se separan y se vuelven a reunir- se aplica a su
vez al ámbito sentimental de la trama.
"Mi otra mitad" se proyectó junto al cortometraje "I'm here" del
cineasta Spike Jonze, que transitó de lo inquietante a lo
entrañable, para narrar la historia de amor de dos robots. EFE
nvm/ih/agf

[Sarmale]

CINE-BERLINALE
Albaladejo: "Las películas de gays dejaron de ser transgresoras tras los 70"

Nuria Vicedo
Berlín, 16 feb (EFE).- El cineasta alicantino Miguel Albalajdejo
considera que las películas de temática homosexual "dejaron de ser
transgresoras" después de la década de los setenta porque el
director Eloy de la Iglesia (1944-2006) "ya lo hizo todo".
"Eloy (de la Iglesia) sí que tenía mérito, rodando películas de
ese tipo nada más terminar la dictadura", aseguró a Efe Albadalejo,
que esta noche estrena en la Berlinale su película "Nacidas para
sufrir", en la sección de Panorama, fuera de concurso.
El filme, protagonizado por Petra Martínez y Adriana Ozores,
cuenta la historia de una anciana que decide casarse con su
asistenta, aprovechando la ley que autoriza el matrimonio
homosexual, para asegurarse compañía y cariño de cara a la vejez.
El director de películas como "Rencor" y "Manolito Gafotas"
considera que pese a que "sigue habiendo homofobia" en España se
están dando importantes pasos para "normalizar" la situación.
"Ahora incluso hay adolescentes que salen del armario y se
declaran a su pareja en un plató de televisión", señaló.
La trama de "Nacidas para sufrir" se encuadra además en un
entorno rural, atrapado en una suerte de burbuja temporal, y
aparentemente retrógrado donde de la sorpresa se pasa a la
aceptación tácita de esa relación.
"El mundo está lleno de cosas estrambóticas y todos tenemos vidas
rarísimas que, vistas desde la cercanía, ya no lo parecen ni suponen
ningún escándalo", apuntó.
Ozores, que interpreta a Purita -la asistenta- destacó que su
papel en "Nacidas para Sufrir" es un "regalo" porque tiene "un alma
y un cuerpo" que son difíciles de encontrar en el cine actual.
En su opinión, la variedad de "amor sin sexo" que comparten las
dos mujeres muestra una "nueva faceta del poliedro" que son las
relaciones humanas y que no pueden clasificarse de una única forma.
Para Ozores, fue toda una "lección" encontrar a un personaje como
Purita quien, siendo "gordita, inocente y simple" es "completamente
feliz" porque "hace lo que quiere" y no le importan "ni los kilos de
más ni hacerse mayor".
"La película no trata tanto de la soledad como puede parecer,
sino de la necesidad que tenemos las personas de tener un compañero
y compartir con él todo el amor que somos capaces de dar", indicó.
Para Martínez, que encarna a Flora, la anciana protagonista, fue
"maravilloso" llegar a un papel que refleja a una señora mayor pero
"dispuesta, entera y llena de coraje" y no alguien "enfermo o con
alzheimer", dos elementos vinculados regularmente a los personajes
más mayores.
Martínez destacó que, con la legalización del matrimonio de las
parejas del mismo sexo, no es descabellado que ocurran situaciones
como las que narra "Nacidas para sufrir". "Puede pasar y está muy
bien que pase", agregó.
El fime de Albaladejo se exhibe en la sección de Panorama del
festival de cine de Berlín, que también proyecta las españolas "El
mal ajeno" de Oskar Santos, producida por Alejandro Amenábar, y
"Cuchillo de palo" de Renate Costa.
La Berlinale estrenó hoy también "Fin" del argentino Luis
Sampieri en Forum y el cortometraje "Mi otra mitad" de Beatriz
Sanchís, en la sección de "Generation". EFE

[Sarmale]

CINE-BERLINALE
La RDA, cómo fue y cómo se ve ahora en la Berlinale

Gemma Casadevall
Berlín, 16 feb (EFE).- La 60 Berlinale rinde homenaje a Wolfgang
Kohlhaase, guionista mítico de filmes producidos en la Alemania
comunista y, tras la reunificación, de títulos identificados con la
"Ostalgie", surgida tras la caída del Muro, que busca liberarse
ahora de la mera reproducción de una estética extinguida.
La Berlinale nació en 1951 como escaparate del Berlín dicho
"libre" y pantalla cinematográfica del anticomunismo, recordó estos
días el director del festival, Dieter Kosslick, quien se dice de los
pocos alemanes nacidos en el lado occidental que osa definirse en
público como "un poco comunista".
En sus primeros años, antes de la construcción del Muro (agosto
de 1961) se ofrecían entradas a bajo precio para los berlineses del
sector oriental; luego, ya no fueron posibles las visitas; con el
paso del tiempo, la Berlinale empezó a incluir en su competición,
aún con cuentagotas, algunas producciones de la RDA (República
Democrática Alemana).
La más famosa de estas aportaciones del cine salido de la
productora estatal de la RDA, la DEFA, presente en una Berlinale fue
"Solo Sunny", cuya actriz, Renate Krosner, ganó el Oso de Plata a la
mejor interpretación femenina en 1980.
Kohlhaase, homenajeado en esta Berlinale con un Oso de Oro de
honor a toda su carrera, fue el guionista de esa película, como de
muchas otras de la factoría DEFA, instalada en los míticos estudios
Babelsberg, que hasta 1945 había utilizado el régimen nazi.
"Es el patriarca, sin duda. De él aprendimos todos", comentó a
Efe Matti Geschonneck, director de "Boxhagener Platz", un filme en
la línea "Ostálgica" -juego de palabras para nostalgia del Este-,
presentado hoy en la sección Berlinale Special.
Kohlhaase, de 78 años, fue tras la caída del Muro el guionista de
comedias como "Sommer vorm Balkon" (2005), dirigida por Andreas
Dresen, cineasta nacido como Geschonneck en territorio de la RDA.
"Su visión va más allá de la mera nostalgia construida, como los
cientos de bares de moda de estética de la RDA que aparecen por
todos lados. Es la que necesitamos para no caer en el kitsch
reproductivo de unos colores o mobiliario, sin más", apunta Dresen.
"Boxhagener Platz", de Geschonneck, toma precisamente como
escenario una plaza del barrio de Friedrichshain, hoy feudo de la
modernidad más noctámbula, al igual que otros distritos del antiguo
sector oriental, como Prenzlauerberg.
Para los berlineses de hoy, la Boxhagener Platz es zona de copas;
en el filme de Geschonneck es donde vive Otti, una genial abuela que
ha enterrado ya cinco esposos -cuyas tumbas cuida con amor, en el
cementerio del barrio-.
El papel de Otti corre a cargo de Gudrun Ritter, una gran dama de
la escena alemana con perfiles que recuerdan a Jeanne Moreau,
mientras que su último pretendiente está interpretado por Michael
Gwisdeck, otro rostro imprescindible en filmes de la RDA y habitual
ahora en los de la nueva generación de cineastas alemanes.
La película está basada en una exitosa novela del mismo título de
Torsten Schulz -asimismo colaborador en el film- y se enmarca en el
turbulento mayo del 68 y las revueltas estudiantiles que sacudieron
las calles del Berlín occidental.
El personaje de Gwisdeck es un ex-militante de la fracción
auténtica comunista, la Spartakusbund, al que sacan de sus casillas
tanto la malversación de sus ideales por parte de la RDA como la
existencia de viejos nazis, como el pescadero -y asimismo
pretendiente de Otti-, que un día aparece asesinado entre arenques.
El filme ha sido acogido en la Berlinale como un digno sucesor
del estilo DEFA, no un mero reproductor de la estética "ostálgica".
Geschonneck, nacido en Babelsberg e hijo de un matrimonio de
actores de la RDA, no sólo no rehuye esta apreciación, sino que se
siente orgulloso de la etiqueta.
"Tras la muerte de mi padre (Erwin Geschonneck, fallecido en 2008
a los 101 años) me enfrasqué en revisar tantos filmes como pude de
la DEFA", explicó el director, tras la presentación de su filme.
"He tratado de ir más allá de la reproducción estética, al fin y
al cabo lo que ahora percibimos como el pasado fue en algún momento
el presente. Sólo así se puede tocar la fibra, la "Ostalgie" estará
bien para las guías turísticas o para llenar bares, pero a la larga
no tiene carga cinematográfica, es fachada", sostiene. EFE

[alegre]

Por lo que leo, hasta la falsa idea de entender como "Nostalgia" la comparacion entre capitalismo y socialismo a favor de este ultimo, se les acaba a los falsificadores de la realidad.

No hace mucho , a raiz de los fastos de la conmemoracion de los veinte años de la victoria del capitalismo sobre el socialismo en Alemania, entrevistaban al embajador español en Alemania.

Cuando la periodista le pregunto , como se explicaba que la mayoria de los habitantes de la RDA recordaran su vida allli como mas feliz y mas tranquila, el lumbreras dijo: es una cosa transitoria, dentro de otros veinte años nadie lo pensara...

Claro, habrán muerto los testigos.


Noticias como estas desnudan el anticomunismo de filmes admirados en los ambientes fascistas, como "La vida de los otros".

Gracias Sarmale.

[Sarmale]

Ay, alegre, no me cambies el nick: tú, no. Que lo hagan los demás me da lo mismo, pero tú, después de tantos años, hijo mío... sArmale. Gracias. Es una comida rumana muy rica que creo que en Asturias se hace poco más o menos igual y se llama "niños envueltos". La vida de los otros no la he visto, así que no puedo opinar. Ni siquiera sé si es admirada en ambientes fascistas. Claro que últimamente la palabra fascista se aplica a todo dios, así que... Pero eso es más bien una discusión lingüística... Beso, tú.

[alegre]

Menos mal que no se me fué el teclado a SERmala, aunque como dijo Mae West, suele ser mejor

[Sarmale]

CINE-BERLINALE
Pitts llevó a la Berlinale la voz de sus colegas silenciados en Irán

Berlín, 16 feb (EFE).- El director iraní Rafi Pitts se erigió hoy
en la Berlinale en voz de sus colegas silenciados en Irán, un país
"maravilloso" pero "necesitado de diálogo", en el que rodar un filme
como "Shekarchi" -"The Hunter"-, sobre el trasfondo violento de las
últimas elecciones, sólo es posible "si se evita ser explícito".
"De haber explicado más, me habría cerrado muchas puertas",
afirmo Pitts, tras presentar su filme, la historia de un padre que
pierde a su esposa y su hija de siete años en un tiroteo entre
policías y manifestantes y se convierte así en francotirador y
asesino de dos agentes.
"Tenía el guión meses antes de los acontecimientos violentos del
pasado junio. Había conseguido los permisos para rodar cuando
ocurrió todo. Tal vez habría podido aprovechar para mostrar más,
pero no habría pasado la censura y además lo mío no es reflejar como
un espejo, sino dejar al espectador sacar sus conclusiones", afirmó.
Pitts, cuyo film compite por los Osos de la Berlinale, rompió
asimismo una lanza por su colega y compatriota Jafar Panahi, al que
las autoridades iraníes no han autorizado a salir para asistir al
festival, donde iba a participar en un debate sobre el presente y el
futuro del cine en su país.
"Creo en la libertad de expresión. Lo justo y lo lógico sería que
estuviera aquí", afirmó, tras difundir la dirección del festival un
comunicado lamentando la decisión de las autoridades de Teherán.
"Mi país es maravilloso, pero muy complejo. Más del 70 por ciento
de la población tiene menos de 30 años y no vivió la revolución
(islámica). Yo no soy político ni pretendo explicar a los políticos
el camino a seguir. Pero estoy convencido de que mi país necesita el
diálogo con la oposición", afirmó.
"The Hunter" no es más explícito respecto al trasfondo en que
ocurre las muertes de la hija y la esposa del protagonista -papel
interpretado por el propio Pitts- para evitar problemas de censura y
también porque ésta es su apuesta cinematográfica.
"No me gusta poner punto y final, sino dejar mis películas en
puntos suspensivos. Que el espectador interprete, que deduzca quién
es mi personaje", dijo, a la pregunta de por qué deja en el aire el
trasfondo que envuelve al padre de familia que, de pronto, se
convierte en francotirador.
Se trata de un hombre recién salido de la cárcel, sin que se
aclare por qué se le condenó, obligado a trabajar como guarda
nocturno por su condición de ex-reo y al que de pronto la policía
comunica la muerte de su mujer, primero, y de su hija, después.
"Es un hombre que lo ha perdido todo. Sale de la cárcel, no hace
falta decir por qué estuvo ahí, eso es algo que debe decidir cada
espectador. Mis personajes deben plantear preguntas, no dar
respuestas. No creo en la dictadura tampoco en el cine", defendió.
La película no muestra ni una imagen de las manifestaciones de la
oposición ni del entorno electoral de los comicios presidenciales,
pero sí deja escuchar, a través de la radio del protagonista, las
proclamas políticas del momento.
Se trata del segundo filme incluido por la Berlinale a
competición de ese director, quien estuvo ya en competición en 2006
con "Zamestan" ("It's Winter"). Ese mismo año, su colega Panahi ganó
el Oso de Plata por su película "Offside". EFE

[Sarmale]

CINE-BERLINALE/CONCURSO (Previsión)
Julianne Moore encarnó ante la Berlinale la ambigua plenitud lésbica

Gemma Casadevall
Berlín, 17 feb (EFE).- La actriz Julianne Moore dio alas a la
Berlinale convertida en esposa de Annette Bening en "The Kids are
all right" y encarnando una aparente plenitud lésbica, que se revela
ambigua cuando aparece el donante de semen que las convirtió en
madres.
"Da igual la orientación sexual de los padres, la vida familiar
siempre es compleja, ser buenos padres es difícil. Si de pronto uno
desencadena el caos le corresponde pagar por ello", sostuvo Moore en
la presentación del film en la sección oficial, aunque fuera de
concurso, que defendió junto a su directora, Lisa Cholodenko.
Toda plenitud implica duda y eso es lo que plantea Cholodenko en
la película, que arranca en el momento en que los hijos adolescentes
deciden conocer a su padre biológico -Mark Ruffalo- y abren así la
caja de Pandora alrededor del intruso que un buen día donó su semen
por 60 dólares el frasco.
Moore es la parte femenina en la pareja y la que inevitablemente
irá en busca de Ruffalo, el soltero empedernido que de pronto se
crea la ilusión de pertenecer a una familia. Será la única en la
aparentemente inexpugnable fortaleza homosexual que se permite el
respiro de la duda. Y, ya puestos, gozará la experiencia.
"La duda existe siempre, no hay amor sin duda, no hay pareja sin
cuestionamiento. Cualquier familia se sustenta sobre la lealtad, eso
es lo importante, da igual si quien está al frente son dos madres
lesbianas o un padre y una madre", sostuvo la actriz, que dejó en la
Berlinale el áurea de impecable solidez que la caracteriza.
"He hecho algo convencional a partir de la situación de una
familia formada por dos madres, lo que, por otro lado,
afortunadamente dejó de ser algo anómalo", admitió Cholodenko.
El corte es convencional, ni una pieza escapa al esquema y a
nadie le asaltan dudas de que de lo que se desmadejó volverá al
orden del ovillo. Queda por ver si sus secuelas quedarán en algún
rasguño o en el cuestionamiento irreversible de la homosexualidad
como algo absoluto.
Moore capitalizó los flashes de la jornada y alivió con esa
típica comedia "made in USA" de Cholodenko una sección oficial cuyas
dos participantes a competición del día fueron de digestión difícil.
Por un lado, "Kak ya Porvel Etim Letom" -"How I ended this
Sommer"-, de Alexei Popogrebsky, tras años sin participante ruso a
competición; por el otro "Shahada", ópera prima del afgano-alemán
Burhan Qurbani.
Popogrebsky colocó al espectador ante la confrontación de dos
personajes antagónicos en una estación meteorológica del círculo
polar: un joven inexperto que rompe cuanto toca y su colérico
colega, a punto de regresar a casa tras años entre hielos, al que el
primero no se atreve a comunicar que acaban de morir su mujer y su
hija, por temor a que la emprenda a tiros.
El paseo por el círculo polar dio para dos horas largas de
espectacular fotografía ártica, más desarrollo del pulso entre los
dos caracteres, que sólo los más pacientes llegaron a paladear como
corresponde y como, finalmente, llega a desvelar el filme.
Qurbani retrata los conflictos de varios jóvenes musulmanes del
Berlín multicultural, en un intento por reflejar que sus conflictos
no difieren tanto de los de sus conciudadanos.
"Quería mostrar la diversidad del Islám", afirmó el joven
realizador. Su personajes van desde un joven nigeriano que trabaja
en un mercado de abastos a un amoroso padre -e imán en la mezquita
del barrio- que trata de entender a su hija, pese a que ésta optó
por un estilo de vida nada acorde con el Corán.
A Qurbani se le reprochó en la rueda de prensa dar sólo una cara
de la moneda, la del Islám más tolerante, no la de las jóvenes que
pueden morir en cualquier esquina, asesinadas por un hermano, porque
rompieron el honor familiar por su modo de vida.
Sin embargo, Qurbani defendió que no todo el que reza o recita el
Corán es un fundamentalista islámico.
Su film, tercera producción alemana a concurso, provocó división
de opiniones entre los medios berlineses -donde el tema de las
sociedades paralelas islámicas es objeto recurrente de debate-. EFE

[Sarmale]

CINE-BERLINALE
Renate Costa estremece con la persecución contra gays en dictadura paraguaya

Nuria Vicedo
Berlín, 17 feb (EFE).- La cineasta paraguaya Renate Costa
estremeció hoy al público de la Berlinale con el documental
"Cuchillo de Palo", en el que investiga la vida de su tío Rodolfo,
fallecido hace diez años, para narrar la tragedia de los
homosexuales perseguidos por la dictadura paraguaya.
En la película, de factura española y estrenada en la sección de
Panorama, fuera de concurso, Costa se embarca en un trabajo de
investigación para dar con las temibles listas policiales, que
incluían el nombre de muchos homosexuales -entre ellos el de su
tío-, al tiempo que ahonda en los secretos de su familia.
El misterio sobre la vida de Rodolfo Costa se va desenredando, en
un primer momento, a través de los silencios y las medias frases de
quienes lo conocieron hasta dar con un dato clave: fue uno de los
gays incluidos entre la lista de los fatídicos "108", una cifra
maldita que terminó borrada de las calles y de las matrículas.
"108 detenidos, maltratados, torturados, humillados por su
condición de homosexuales", apunta Costa durante el metraje.
Tras el pase de su película, la cineasta explicó que fue sólo
hacia el final del rodaje, en 2008, una vez perdió las elecciones el
Partido Colorado (conservador), en el poder desde 1954, que cada vez
más personas se animaron a ofrecer sus testimonios.
"El miedo a hablar quedó clavado en el pecho del país", apunta la
realizadora en un momento de la cinta.
Cuando se planteó rodar el filme, hace ya cuatro años, dudaba de
que su familia fuera a apoyarla a desvelar quién fue su tío, una
figura trágica e incómoda, y uno de esos "secretos que todos callan
pero todos saben". "Sólo mi padre me ayudó. Quizá porque soy su
única hija o porque vio que no tenía otra alternativa", explicó.
Pedro Costa, padre de la cineasta, se convierte en el entrañable
y a la vez testarudo portavoz de una familia que usó toda su
capacidad oratoria para "enderezar" al hermano descarriado, según
él, "en vano".
Rodolfo apareció muerto hace diez años, desnudo, en su piso, al
que la familia prohibía a la cineasta y a sus primos acercarse y
según la leyenda familiar, "murió de tristeza", un misterio que la
cinta no quiere ni pretende resolver.
La cineasta recurre a los antiguos compañeros de parranda de su
tío para recuperar la historia de un hombre diferente, con vocación
de artista, que vivió atormentado por no herir a su familia y
dividido entre el personaje que aparentaba ser en público y el alma
sensible que fue entre sus allegados.
"Lo más duro para mí fue enseñarle a mi papá los documentos que
demostraban que mi tío estuvo en la cárcel y lo que sufrió. Ahora ha
visto el documental aquí en Berlín y le parece muy bien que lo haya
hecho", explicó la realizadora.
El filme denuncia que la dictadura de Alfredo Stroessner
(1954-89), empleó en la década de los ochenta al colectivo
homosexual como chivo expiatorio del asesinato de un niño al que,
según varios de los entrevistados, mandó matar el propio hijo del
dictador, que era secretamente gay.
"Cuchillo de palo" enfrenta además a dos generaciones, la de los
padres, convencidos de lo "feo" y lo "sacrílego" de la
homosexualidad -"lo natural es lo natural" y "el homosexual no es un
varón en una indefinidad" dice su padre-, y la de los hijos, que
descubren escandalizados los abusos que sufrió ese colectivo.
"Al principio del rodaje quería que mi padre me entendiera a mí
pero al final comprendí que somos los hijos los que tenemos que
entender a los padres, que vivieron cosas que no podemos imaginar y
que fueron muy duras", señaló Costa, para quien "la doble moral y el
cinismo de la dictadura son huellas muy difíciles de borrar".
La cineasta considera que va a ser "difícil" poder estrenar su
película en Paraguay puesto que se dicen cosas "muy duras" del hijo
de Stroessner. "Todos los días salimos en la prensa y los
comentarios que deja la gente son duros", explicó.
"Cuchillo de Palo" se exhibió dentro de la sección de Panorama,
que también ha proyectado durante el festival otras dos producciones
españolas "El mal ajeno", de Oskar Santos, producida por Alejandro
Amenábar, y "Nacidas para sufrir", de Miguel Albaladejo. EFE